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Julia Whitney BarnesNocturnal Nature (Stillleben-Gemälde mit bunten Blumen auf Indigoblau)2023
2023
Angaben zum Objekt
Realistisches Stillleben mit pastellfarbenen Blumen auf dunkelblauem Grund
Handgemalte Cyanotypie von Julia Whitney Barnes
"Nocturnal Nature (Anemone, Passionsblume, Hahnenfuß, Farne, Bestäuber etc.etc.)" aus dem Jahr 2023
Abmessungen des Bildes: 30 x 23 Zoll / Rahmenabmessungen: 34 x 27 Zoll
Handgefertigter Rahmen aus Ahornholz mit verzahnten Ecken, blau gefärbt und satiniert. Das Kunstwerk ist auf archivfähigem Museumskarton aufgezogen und mit UV-filtrierendem und entspiegeltem Museumsglas verglast.
Die Künstlerin Julia Whitney Barnes verwendet verschiedene Farbmedien und die Cyanotypie - ein Druckverfahren, bei dem ein blaues Bild entsteht, wenn eine chemisch beschichtete Oberfläche dem Sonnenlicht ausgesetzt wird - und kultiviert edenische Vignetten. Whitney Barnes' Kompositionen haben ihre Wurzeln in der Arbeit von Künstlerinnen und Wissenschaftlerinnen wie Anna Atkins und würdigen alles pflanzliche Leben "mit gleicher Bedeutung, unabhängig davon, ob es sich um Unkraut, seltene Arten, Wildblumen oder Kulturblumen handelt", so Whitney Barnes in einem Interview mit dem Create Magazine.
Die Cyanotypie ist ein 1842 erfundenes fotografisches Druckverfahren ohne Kamera, bei dem ein cyanblauer Abzug entsteht, wenn eine mit ungiftiger Chemie beschichtete Oberfläche dem Sonnenlicht ausgesetzt wird. Whitney Barnes bearbeitet mit diesem Medium physische Abdrücke von Pflanzen, die in ihrem Garten im Hudson Valley und in anderen nahe gelegenen Gebieten angebaut werden, zusammen mit aufwändig ausgeschnittenen fotografischen Negativen. Da das Sonnenlicht den Belichtungsprozess mit der Cyanotypie-Chemie in Gang setzt, Ausgewählte Blumen werden nachts sorgfältig zu Kompositionen arrangiert, gefolgt von Langzeitbelichtungen unter natürlichem oder UV-Licht, um die endgültigen Abzüge zu erstellen. Nach dem Schmelzen der einzigartigen cyanfarbenen Bilder bemalt Whitney Barnes das belichtete Aquarellpapier sorgfältig mit mehreren Schichten aus Aquarell, Tinte und Gouache. Jede Cyanotypie wird durch die Kraft des Lichts erzeugt und inspiriert den Betrachter, diese sehr bekannten Bilder auf neue und andere Weise zu betrachten.
Erklärung des Künstlers:
In dieser Serie nähere ich mich jedem wachsenden Ding mit gleicher Wichtigkeit, unabhängig davon, ob es sich um ein Unkraut, eine seltene Art, eine Wildblume oder eine kultivierte Blume handelt. In den meisten Werken sind mehrere Arten zu einer Komposition verschmolzen, wobei die genauen Pflanzen oft interpretationsbedürftig sind. Jede Komposition beginnt als blau-weißer Druck auf Aquarellpapier, dann arbeite ich mit Aquarell, Gouache und Tinte. Selbst die Werke, die ganz in Blau und Weiß gehalten sind, werden in der Regel durch aufgetragene Medien ergänzt. Mein größtes Interesse gilt der Gestaltung von Objekten, die sowohl schön als auch geheimnisvoll sind. Ich möchte, dass sie vertraut und doch ein wenig außerhalb der Zeit sind. Im Sommer 2015 zog ich zusammen mit meinem Mann Sean Hemmerle von Brooklyn in ein hundert Jahre altes Haus im Hudson Valley. Vier Wochen später brachte ich unsere Tochter Magnolia zur Welt. Statt einer Taufe für das Baby organisierten wir eine Baumpflanzungszeremonie und pflanzten einen Magnolienbaum in unserem Vorgarten, einschließlich der Plazenta als Dünger. Dieser kleine Akt war der Beginn meiner innigen Verbindung zu den Pflanzen in unserem Garten. Nach der Geburt unseres Sohnes August im Jahr 2018 hatten wir eine ähnliche Zeremonie mit einem Hartriegelbaum in unserem Garten. Während der achtzehn Jahre, die ich in New York City lebte, fehlte mir vor allem eine direkte Beziehung zur Natur. Nachdem ich nach Poughkeepsie gezogen war, begann sich der Einfluss der Tatsache, dass ich zum ersten Mal in meinem Erwachsenenleben eine eigene Grünfläche hatte, in meinen Atelierprozess einzuschleichen. Die einfache Handlung, häufig nach draußen, dann nach drinnen und wieder nach draußen zu gehen, brachte mich dazu, über Innen und Außen auf formale und metaphorische Weise nachzudenken. Es ist zutiefst befriedigend, etwas, das vergänglich ist, auf eine Weise darzustellen, die für immer Bestand haben kann.
- Schöpfer*in:Julia Whitney Barnes (Amerikanisch)
- Entstehungsjahr:2023
- Maße:Höhe: 86,36 cm (34 in)Breite: 68,58 cm (27 in)Tiefe: 3,81 cm (1,5 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Hudson, NY
- Referenznummer:1stDibs: LU22714116052
Julia Whitney Barnes
Julia Whitney Barnes wurde in Newbury geboren und verbrachte zwei Jahrzehnte in Brooklyn, bevor sie ins Hudson Valley zog, wo sie heute mit ihrem Fotografen-Ehemann und zwei Kindern lebt. Barnes ist ein multidisziplinärer Künstler, der in seinen Werken Elemente aus der menschlichen oder gebauten Umwelt in surrealen Gegenüberstellungen mit der Natur kombiniert. Ihre farbenfrohen Gemälde basieren auf einer Vielzahl von Bildvorlagen, die zu ungewöhnlichen Interieurs und Landschaften zusammengefügt werden. Whitney Barnes arbeitet im Stil vieler Künstler der Hudson River School, die Gemälde aus Skizzen mehrerer Tage und Orte zu einem einzigen Bild zusammensetzten. Julia Whitney Barnes erhielt ihren BFA von der Parsons School of Design und ihren MFA vom Hunter College, beide in New York. Whitney Barnes hat in den Vereinigten Staaten und im Ausland ausgestellt und ihre Arbeiten wurden in The New York Times, Chronogram Magazine, Brooklyn Magazine, The Village Voice, Hyperallergic und The New York Sun veröffentlicht. Sie ist Stipendiatin des Lower Manhattan Cultural Council, des Abbey Memorial Trust Fund for Mural Painting, der National Academy of Fine Paintings und der Gowanus Public Art Initiative und hat 2013 mit Unterstützung von Kulturpuljen, Norddjurs Kommune, Dänemark, und 2011 mit dem NYC DOT Urban Art Program öffentliche Kunstprojekte in Fjellerup, Dänemark, realisiert.
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