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Louise Bourgeois & Tracey EminDo Not Abandon Me (Hand signiert mit grünem Marker von Tracey Emin)2010
2010
Angaben zum Objekt
Louise Bourgeois & Tracey Emin
Do Not Abandon Me (Handsigniert in grünem Marker auf der halben Titelseite von Tracey Emin), 2010
Gebundene Monografie aus Leinen ohne Schutzumschlag (von Tracey Emin auf der halben Titelseite mit grünem Filzstift handsigniert)
Limitierte Auflage von 1500 (ausnahmsweise handsigniert; die reguläre Auflage ist unsigniert)
Handsigniert in grünem Marker auf der halben Titelseite von Tracey Emin
14 1/4 × 12 1/4 × 1/2 Zoll
Diese elegante, hochgradig sammelwürdige Monografie mit Leineneinband und ohne Schutzumschlag wurde in einer angegebenen limitierten Auflage von 1500 Stück veröffentlicht (die reguläre Auflage war unsigniert), um die Ausstellung "Louise Bourgeois und Tracey Emin Do Not Abandon Me" von Carolina Nitsch, NY, 10. September bis 23. Oktober 2010 und Hauser & Wirth, London, 18. Februar bis 22. März 2011 zu begleiten.
Handsigniert in grünem Marker auf der halben Titelseite von Tracey Emin.
Ein hervorragendes Geschenk!
Informationen zum Buch:
Verlag: Hauser & Wirth Verlag / Carolina Nitsch (September 2010)
Englisch; Gebundenes Hardcover; 42 Seiten mit Farbabbildungen
Klappentext des Verlags:
Do Not Abandon Me", eine Collaboration zwischen Louise Bourgeois und Tracey Emin, besteht aus sechzehn intimen Werken, die zwischen 2008 und 2010 entstanden sind.
Über Tracey Emin:
Selbstporträt und Akt ziehen sich wie ein roter Faden durch ihre Arbeit, die Emin als "Übergangsriten, Zeit und Alter und die einfache Erkenntnis, dass wir immer allein sind" beschreibt. Ihre frühesten Arbeiten beziehen sich auf ihre Familie, ihre Kindheit und ihre chaotischen Teenagerjahre, in denen sie in der Küstenstadt Margate aufwuchs und im Alter von fünfzehn Jahren von zu Hause auszog. Was dann geschah, wird auf eine weder tragische noch sentimentale Weise in Zeichnung, Malerei, Film, Fotografie, genähter Applikation, Skulptur, Neon und Schrift erforscht, da sich die Wechselfälle von Beziehungen, Schwangerschaften und Abtreibungen mit ihrem Engagement für die formalen Disziplinen der Kunst überschneiden. In jüngster Zeit hat die Künstlerin ihren Körper als Schlachtfeld erlebt, durch Krankheit und Alterung, über die sie mit charakteristischer Unerschrockenheit berichtet.
Der spielerische Titel von Emins erster Einzelausstellung, My Major Retrospective 1963-1993, deutet darauf hin, dass die Künstlerin das Gefühl hatte, obwohl sie erst am Anfang ihrer Karriere stand, seien bereits bedeutende Dinge geschehen.Zu ihrer obsessiven Sammlung persönlicher Erinnerungsstücke gehörten winzige Fotos von Gemälden ihrer Kunstschule, die sie zerstört hatte, ein "fotografischer Friedhof", der ihre Bewunderung für Gemälde von Egon Schiele und Edvard Munch offenbart.Diesen "emotionalen Selbstmord" beschreibt sie ausführlich in Tracey Emins CV Cunt Vernacular (1997), einer von mehreren frühen Videoarbeiten, die einen weiteren Einblick in ihre Entwicklung als Künstlerin geben und Momente der Epiphanie durch die Verwendung der Ich-Erzählung hervorheben. Ich erkannte, dass dies die Essenz der Kreativität war, der Moment der Empfängnis", sagt sie in How It Feels (1996), einem entscheidenden Film, in dem sie die Geschichte ihrer Abtreibung erzählt. Das ganze Wesen von allem... es musste darum gehen, wo es wirklich herkommt". Während eines Spaziergangs durch die Straßen Londons spricht sie in die Kamera und kommt zu dem Schluss, dass die Konzeptkunst als Akt der Reproduktion untrennbar mit dem Innenleben des Künstlers verbunden ist. Der eindringliche Film Homage to Edvard Munch and All My Dead Children (1998) zeigt die Künstlerin auf dem Pier in der Nähe von Munchs Haus, nackt und in Fötusstellung, während die Morgendämmerung über dem Wasser aufsteigt und sie ihren Kopf hebt und schreit - eine gutturale Antwort auf das ikonische Bild des großen Malers.
1998 schuf Emin My Bed, eine unzensierte Präsentation ihres persönlichsten Lebensraums. Das Doppelbett ist von seiner Funktion abstrahiert, es steht auf dem Boden der Galerie, im Gespräch mit der Kunstgeschichte und als Bühne für Lebensereignisse: Geburt, Schlaf, Sex, Depression, Krankheit, Tod. Die Anhäufung von realen Gegenständen (Hausschuhe, Kondome, Zigaretten, leere Flaschen, Unterwäsche) auf und um das ungemachte Bett baut ein Porträt des Künstlers mit erfrischender Nüchternheit auf, das sich über Konventionen hinwegsetzt und zeigt, was die meisten Menschen für sich behalten würden. Das Werk erlangte im Rahmen des Turner-Preises internationale Aufmerksamkeit und brachte Emin ins öffentliche Bewusstsein. Ein weiteres Werk, das zu einem Synonym für ihre Kunst der Offenlegung wurde, war die Skulptur Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 (1995, zerstört 2004), bei der die Namen all derer, mit denen sie jemals ein Bett geteilt hat - Freunde, Liebhaber und Familie - auf die Innenseite eines Zeltes genäht wurden, ein Kriechraum, der den Betrachter einlädt, über sein eigenes Inventar nachzudenken.
Als explizit feministische Künstlerin, die den Einfluss ihrer Freundin und Kollaborateurin Louise Bourgeois anerkennt, ist Emins Wahl des Mediums ein wesentlicher Bestandteil der Geschichte, die sie erzählt. In handgestickten Decken und Quilts, die traditionell mit Frauenarbeit assoziiert werden, durchdringt sie das visuelle Feld mit Wörtern, indem sie Fetzen aus verschiedenen Materialien mit ungleichmäßigen Nähten kombiniert, um Aussagen zu buchstabieren, deren Syntax und Rechtschreibung unkorrigiert bleiben. Mit Titeln wie "Mad Tracey from Margate". Everyone's been there" (1997) oder "Helter Fucking Skelter" (2001) zeigen die hohe Sensibilität der Künstlerin für die Ansichten ihrer Mitmenschen und sind eine Antwort auf die jahrhundertelang von männlichen Künstlern dominierte Klassifizierung der bildenden Kunst, ebenso wie das Medium selbst. Als sie selbst national und international in die Schlagzeilen geriet, nutzte Emin die Publicity, um andere Anstandsregeln in der professionellen Kunstwelt auf den Kopf zu stellen - wie etwa, niemals zu viel zu erklären. In ihren Memoiren Strangeland (2005) beschreibt sie in längerer Form ihren Weg zu einer "abgefuckten, verrückten, magersüchtig-alkoholkranken, kinderlosen, schönen Frau". Ich hätte mir nie träumen lassen, dass es so sein würde.' Der Text ist gespickt mit Rechtschreibfehlern, die die Form herausfordern und ein Gefühl des ungefilterten Prozesses vermitteln, wie es auch bei ihrer langjährigen Zeitungskolumne für The Independent (2005-09) der Fall war, in der sie unter dem Titel My Life in a Column" ihr wöchentliches Treiben schilderte.
Emins fortlaufende Serie von Neonbildern zeigt Textfetzen in ihrer erkennbaren schrägen Handschrift, die flüchtige Gedanken und Gefühle als Aphorismen überhöhen: You touch my Soul (2020), I Longed For you (2019) oder I don't Believe in Love but I believe in you (2012). Ihre Formulierung von Aussagen in der zweiten Person hat den Effekt, dass sie den Betrachter direkt in die Situation hineinversetzt, und kann eine ganze Romanze in einem prägnanten Satz zusammenfassen, wie in I want my time with You (2018), einer zwanzig Meter breiten Leuchtreklame, die Passagiere am Londoner Bahnhof St. Pancras empfängt. Die Neonfarben, die seit den 1990er Jahren ein wichtiger Bestandteil ihrer Arbeit sind, erinnern an die Lichter der Strandpromenade von Margate und vermitteln das Gefühl von Abenddämmerung und verblichenem Glamour. Ihr Geburtsort ist ein ständiges Thema; er taucht in großformatigen Skulpturen wieder auf, in denen wiedergewonnenes Holz und gefundene Materialien zu zerklüfteten Strukturen zusammengefügt werden, die auf den Strand, die Seebrücke, die Hütten und die Gezeitenmarkierungen anspielen. Auf den berühmten Vergnügungspark "Dreamland" in Margate wird in mehreren Werken Bezug genommen, darunter Self-Portrait (2001), das das Treiben auf dem Vergnügungspark nachstellt, und It's Not the Way I want to Die (2005), das an die wellenförmige Achterbahn aus klapprigem, abgenutztem Holz erinnert, die bis zum Zusammenbruch brüchig ist. Margate ist "ein Teil von mir", sagt Emin, und während sie zurückblickt, blickt sie nun in die Zukunft mit der Gründung der TKE Studios, einer neuen Kunstschule und Künstlerateliers.
Fragen der Sterblichkeit und der zentralen Bedeutung des weiblichen Fortpflanzungskörpers sind der Antrieb für The Mother (2021), eine von Emins bedeutendsten öffentlichen Skulpturen. Das Werk, das dauerhaft neben dem neuen Munch-Museum in Oslo steht, erinnert an den Tod ihrer eigenen Mutter und schließt den Kreis ihrer lebenslangen Bewunderung für Munch. Die fünfzehn Tonnen schwere und neun Meter hohe Frau mit den "zum Fjord geöffneten Beinen" ist weithin über Land und Wasser sichtbar, ein Denkmal für die weibliche Figur als Beschützerin, ohne ihre Verletzlichkeit oder Erotik zu vernachlässigen. Im Gegensatz dazu wurde Baby Things, Emins akkurate Wiedergabe von winzigen verlorenen Kinderschuhen und -kleidern in Bronze, wie zufällig vor dem Britischen Pavillon auf der Biennale in Venedig (2007) und im Rahmen der Folkestone Triennial (2008) installiert - intime Andenken, die unbeabsichtigt eine Reihe von Reaktionen hervorrufen könnten, von der Angst um die, die wir am meisten lieben, bis hin zur Gleichgültigkeit, mit der wir ein weggeworfenes Objekt behandeln.
In jüngster Zeit wurde Emins Arbeit durch ihre ernste medizinische Situation belastet, denn im Jahr 2020 wurde bei ihr Blasenkrebs diagnostiziert. In den Self-Portraits, die die Künstlerin mit ihrem Fotohandy im Bett aufgenommen hat, sieht sie sich in den frühen Morgenstunden mit ihrer "lähmenden" Schlaflosigkeit konfrontiert und erholt sich gerade von einer umfangreichen Operation. Ihre Gemälde der nackten Figur haben eine stürmische Energie. Emins grafische Linie, mal zart, mal kraftvoll, vermittelt ein Gefühl der Dringlichkeit; mit jeder verlassenen und selbstbewussten Geste schält sie sich selbst auf. Tropfen und Auslöschungen verweisen auf die Fluidität des Körpers, der auf seiner Reise zwischen Geburt und Tod zwischen Freude und Leid schwankt. Farbexplosionen spielen auf ein Selbst an, das von Gefühlen überwältigt wird und in schierer Sinnlichkeit triumphiert.
Tracey Emin wurde 1963 in London geboren. Derzeit lebt und arbeitet sie in London, Südfrankreich und Margate, Vereinigtes Königreich. Emin hat zahlreiche Ausstellungen durchgeführt, darunter große Ausstellungen in der Royal Academy of Arts, London (2020); Musée d'Orsay, Paris (2019); Château La Coste, Aix-en-Provence, Frankreich (2017); Leopold Museum, Wien (2015); Museum of Contemporary Art, Miami (2013); Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2012); Turner Contemporary, Margate, UK (2012); Hayward Gallery, London (2011); Kunstmuseum Bern (2009); Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh (2008); Centro de Arte Contemporáneo, Malaga, Spanien (2008); Art Gallery of New South Wales, Sydney (2003); und Stedelijk Museum, Amsterdam (2002).
Im Jahr 2007 vertrat Emin Großbritannien auf der 52. Biennale von Venedig und ihre Installation My Bed war in den "In Focus"-Ausstellungen in der Tate Britain mit Francis Bacon (2015), in der Tate Liverpool mit William Blake und auch in der TATE Contemporary, Margate neben JMW Turner (2017) zu sehen. Im Jahr 2011 wurde Emin zur Professorin für Zeichnen an der Royal Academy of Arts in London ernannt. 2012 wurde sie für ihren Beitrag zur bildenden Kunst zum Commander of the Most Excellent Order of the British Empire ernannt.
Mit freundlicher Genehmigung von White Cube
Über Louise Bourgeois:
Die 1911 in Frankreich geborene und von 1938 bis zu ihrem Tod 2010 in Amerika lebende Louise Bourgeois gilt als eine der wichtigsten und einflussreichsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Mehr als sieben Jahrzehnte lang wurde Bourgeois' kreativer Prozess von einer introspektiven Realität angetrieben, die oft in der kathartischen Aufarbeitung frühkindlicher Traumata und in der offenen Auseinandersetzung mit der weiblichen Sexualität wurzelt. Die konzeptionelle und stilistische Komplexität von Bourgeois' Werk, das eine Vielzahl von Gattungen, Medien und MATERIALIEN umfasst, spielt mit Assoziationen, Erinnerungen, Fantasie und Angst und wird durch wiederkehrende Motive (darunter Körperteile, Häuser und Spinnen), persönliche Symbolik und psychologische Befreiung bestimmt.
Bourgeois' Werk ist untrennbar mit ihrem Leben und ihren Erfahrungen verbunden: Sie lotet die Tiefen von Emotionen und Psychologie auf zwei- und dreidimensionalen Ausdrucksebenen aus. Kunst", so sagte sie einmal in einem Interview, "ist die Erfahrung, die Wiedererfahrung eines Traumas". Bourgeois' Vielfalt an Formen und Materialien, die aus unterschiedlichen und höchst individuellen Prozessen der Konzeptualisierung hervorgehen, sind ein ständiges Spiel: Sie betten Emotionen ein und beschwören sie herauf, nur um sie dann wieder aufzulösen und zu zerstreuen. Durch die Verwendung von Motiven, dramatischen Farben, dichten Fadengeflechten und einer großen Vielfalt an Medien verstrickt Bourgeois' unverwechselbarer symbolischer Code die Komplexität der menschlichen Erfahrung und der individuellen Introspektion.
Statt formalistische Anliegen um ihrer selbst willen zu verfolgen, bemühte sich Bourgeois, die geeignetsten Mittel zu finden, um ihre Ideen und Emotionen auszudrücken, und kombinierte eine breite Palette von Materialien - Variously Stoff, Gips, Latex, Marmor und Bronze - mit einem endlosen Repertoire an Fundstücken. Obwohl ihr Oeuvre die Bereiche Malerei, Zeichnung, Druckgrafik und Performance umfasst, ist Bourgeois nach wie vor am besten für ihr bildhauerisches Werk bekannt.
Zu den frühen Werken von Bourgeois gehören ihre ausgeprägten "Personages" aus den späten 1940er und frühen 1950er Jahren, eine Reihe von freistehenden Skulpturen, die sich auf die menschliche Figur und verschiedene städtische Strukturen, darunter auch Wolkenkratzer, beziehen. Die "Personages" dienten als physische Surrogate für die Freunde und die Familie, die Bourgeois in Frankreich zurückgelassen hatte, und unterstrichen gleichzeitig ihr Interesse an der Architektur, das bis in ihre Kindheit zurückreicht. Ihre Installation dieser Skulpturen in Form von "Environments" in den Jahren 1949 und 1950 war ein Vorbote der immersiven Begegnungen in der Installationskunst, die zwanzig Jahre vor dem Aufstieg dieses Genres zur Berühmtheit wurde.
Bourgeois' Werk war in der bahnbrechenden Ausstellung "Eccentric Abstraction" vertreten, die Lucy Lippard 1966 für die New Yorker Fischbach Gallery kuratierte. Mit der Retrospektive ihres Werks im Museum of Modern Art in New York 1982, ihrer Teilnahme an der Documenta IX 1992 und ihrer Vertretung der Vereinigten Staaten auf der 45. Biennale von Venedig 1993 gelang ihr der große Durchbruch auf der internationalen Bühne.
Im Jahr 2001 war Bourgeois der erste Künstler, der den Auftrag erhielt, die große Turbinenhalle der Tate Modern zu füllen. Die Retrospektive ihrer Werke in der Tate Modern im Jahr 2007, die anschließend im Centre Pompidou in Paris, im Guggenheim Museum in New York, im Museum of Contemporary Art in Los Angeles und im Hirshhorn Museum & Sculpture Garden in Washington D.C. zu sehen war, zementierte ihr Vermächtnis als eine der bedeutendsten Grandes Dames der Spätmoderne.
- Mit freundlicher Genehmigung von Hauser & Wirth
- Schöpfer*in:Louise Bourgeois & Tracey Emin
- Entstehungsjahr:2010
- Maße:Höhe: 36,2 cm (14,25 in)Breite: 31,12 cm (12,25 in)Tiefe: 1,27 cm (0,5 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:New York, NY
- Referenznummer:1stDibs: LU1745213546192
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