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Lorenzo Vignoli
Pieta III – zeitgenössische figurative Bronzeskulptur einer Tischplatte

2011

Angaben zum Objekt

PIETA III von Lorenzo Vignoli zeitgenössische Bronzeskulptur des italienischen Bildhauers Lorenzo Vignoli aus Carrara, Italien Abmessungen der Skulptur: 20in W x 14inch H x 9inch D 52cm B x 35cm H x 23cm T 33lb / 15kg Lorenzo Vignoli studierte Malerei an der Central Saint Martin's School of Art in London und Urban Landscape & Figure Drawing am Art Institute of Chicago, bevor er sich auf jahrelange, prägende Reisen begab und kreative Inspirationen an weit entfernten Orten wie Ruanda, Israel, Bosnien und Brasilien sammelte. Nach seiner Rückkehr in seine Heimatstadt Carrara, Italien, fügt er kontinuierlich fesselnde Skulpturen zu einem umfangreichen Werk hinzu, während er gelegentlich an Kunstaufträgen für verschiedene internationale Künstler mitarbeitet, darunter ein modernes Marmordenkmal für den Dom von Mailand. Die Skulpturen von Lorenzo Vignoli erinnern sowohl an klassische Formen als auch an moderne abstrakte Kunst. Weitere Detailfotos und ein 360°-Video der "Pieta III" und anderer Skulpturen von Lorenzo Vignoli sind auf Anfrage erhältlich. Auszug aus der Erklärung des Künstlers Lorenzo Vignoli: Die ästhetische Ökonomie der heutigen Welt führt zu einer Neudefinition von Schönheit, die sowohl umständlich als auch unbequem ist. Verstanden nicht als eine vorübergehende Behauptung, die wie alle Dinge anfällig ist, eine "cupio dissolvi", sondern vielmehr als die Vermutung der Dauer des Restanteils der Provokation und des Sinns. Die instinktive Wahl von Marmor, dem traditionellen Material schlechthin, trug wesentlich dazu bei, den Fokus der Arbeit von Lorenzo Vignoli einzugrenzen; für Vignoli steht die Suche nach einem Dialog und einer Beziehung mit dem Material an erster Stelle. Ein Bildhauer ist kein Zuschauer, und die allmähliche Entstehung des Werks ähnelt einer Performance-Kunst, bei der "Anerkennung" und Ausdruck zwei konkurrierende Kräfte sind. Vignoli ist die Synthese aus der Schule Canovas, der die Bildhauerei als dreidimensionale Erweiterung des reduzierten plastischen Potenzials der Zeichnung betrachtet, und der Schule Michelangelos, der sich dem Material mit einem offeneren Geist nähert, mit mehr Fragen als Antworten, der versucht, im Marmor Bilder zu finden, die unsere Fähigkeit widerspiegeln, in der Realität etwas zu finden, das uns widerspiegelt. Bildhauerei ist niemals, außer in einem abwertenden Sinne, Mimesis oder eine Nachahmung unserer Welt. Der Grad des Naturalismus in der Produktion eines Künstlers wird an dem Bewusstsein gemessen, dass es sich im Gegensatz zum Akt der Malerei, einer Schöpfung ex nihilo, in diesem Fall um Formen handelt, die in anderen Formen gefangen sind. Eines der Merkmale von Vignolis Werk ist die Suche nach einer Art "Ökologie der Spannung" gegenüber der Form, die mir als eine Art Respekt vor einem allzu offensichtlichen und lauten Ergebnis erscheint, ein Schritt zurück, der die Triangulierung des Dialogs und der Absicht zwischen dem Werk selbst, dem Künstler und dem Betrachter bewahrt, der in der Lage sein könnte, aus der kreativen intuitiven Reserve des Bildhauers Kapital zu schlagen. Dies ist jedoch nicht nur eine Aufforderung, das Werk in der Phantasie zu vollenden oder den unvollendeten Teil mit unserer Vorstellungskraft zu schleifen. Da ist etwas anderes und Größeres drin; ein Gefühl von Zeit, das mit der Idee zu tun hat, dass eine bestimmte Beziehung nicht unbedingt mit einem endgültigen Ergebnis "enden" sollte, sondern wie alles Menschliche "offen" bleiben sollte. Auszug aus dem Ausstellungskatalog von Lorenzo Vignoli: "Ich wurde in einem der Täler der Apuanischen Alpen geboren. Schon als kleines Kind habe ich gelernt, die Berge zu respektieren und ihre tiefe Bedeutung in mich aufzunehmen. Meine Mutter hat mir die Sensibilität für die Schönheit dieser Berge beigebracht. Mein Vater lehrte mich, sie zu respektieren. Nach vielen Jahren der Forschung und des Studiums, in denen ich von Land zu Land gereist bin, habe ich erkannt, wie viel mir diese Berge bedeuten. Aus diesem Grund habe ich den Marmor dieser Berge gewählt, um meine Sicht des Lebens zu manifestieren und meine Kreativität auszudrücken. Wie die Wurzeln eines Baumes wird auch eine Skulptur aus der Erde geboren. Das zwingt mich, unter die Oberfläche zu blicken, über das Äußere hinaus, in die Humus- und Fossilienschichten, um die Inspiration für meine Vision zu finden. Ich komme aus Pietrasanta und Carrara, den beiden historisch gesehen größten Zentren für Bildhauerei in Italien. Dank der Tradition der Bildhauerei, die in meinem Land tief verwurzelt ist, hatte ich die Möglichkeit, mit Marmor, Bronze, Keramik, Kunststoffen, Harzen und Holz zu arbeiten, zu experimentieren und die Welt der Materialien und des Volumens zu erforschen, von der alten Tradition bis zum zeitgenössischen Design. Ich habe versucht, die Tradition der Bildhauerei als Wert und ihre Essenz durch die jahrhundertelange Umwandlung durch die Arbeit des Menschen zu erfassen, um sowohl einen Teil einer Tradition, die im Verschwinden begriffen ist, als auch die zeitgenössische Elastizität in ihrer Schnelligkeit und ihrer ephemeren Sensibilität wiederzugewinnen. Mein Interesse liegt in der Untersuchung des Zusammentreffens dieser beiden Aspekte als Treffpunkt verschiedener Materialien, was mich dazu veranlasst, diesen Aspekt hervorzuheben, indem ich den Berührungspunkt betone, eine scharfe Linie, die die Materialien trennt, eine Linie, die die Welt der Vergangenheit von der der Zukunft trennt, wie die Kluft, die immer größer wird und eine einzigartige Essenz spaltet. Ziel des Projekts ist es, über diese klare Trennung zwischen Vergangenheit und Zukunft nachzudenken, die sich immer stärker ausbreitet, eine klare Trennung zwischen dem, was früher war, und dem, was heute ist, in unserer Beziehung zur Körperlichkeit des Lebens. Mein Versuch ist eine positive Toleranz, eine "atomare Toleranz", wie ich es nenne, zwischen den Atomen, aus denen die verschiedenen Materialien bestehen, es ist eine Herausforderung für die Zukunft, es ist nicht nur Toleranz zwischen den Menschen, sondern auch Toleranz gegenüber der Materie, die die Menschen verwandeln. Das Projekt besteht darin, den Raum der Teilung zu schaffen und zu studieren, wie die "Lücke" zwischen den verschiedenen Materialien, indem zunächst eine gebrochene Fusion der verschiedenen Elemente geschaffen wird, die dann sukzessive geformt, modelliert, auseinandergerissen werden. Ich versuche, die maximale Trennung zwischen den materiellen Elementen durch lineare oder erzwungene Prozesse zu erfahren. Mein endgültiges Ziel ist es, einen Dialog zwischen den verschiedenen Stücken durch ihre eigenen Trennwände zu strukturieren und so das Endergebnis einer starken und homogenen Wirkung zu schaffen. Ich arbeite nun schon seit einiger Zeit an der Aufteilung der Elemente; ich habe dieses Projekt vor drei Jahren begonnen und dabei Materialien verwendet, mit denen ich eng vertraut war, wie Marmor, Holz, Bronze und Keramik, aber ich möchte diesen Prozess nutzen, um mich mit der Verwendung anderer Materialien zu beschäftigen, aber schneller, indem ich mit der instinktiven Geste des Augenblicks experimentiere und eine tatsächliche Installation schaffe."
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