Die Geißelung - Brabant, um 1560

Angaben zum Objekt

Altarbildgruppe mit der Darstellung der Geißelung Brabant, um 1560-1580 Holz geschnitzt, polychrom und vergoldet 50 x 38 x 7 cm In der Mitte der Gruppe steht Christus aufrecht an die Säule gelehnt, die Handgelenke hinter dem Rücken gefesselt, das linke Bein leicht angewinkelt; ein schöner länglicher Kopf, umrahmt von langem Haar. Die handwerkliche Qualität ist bei der Behandlung der Körper, den ausdrucksstarken Gesichtern und den modischen Kostümen bemerkenswert. Die Massen sind gut ausbalanciert, und alle Details sind klar definiert. Die reiche und raffinierte Polychromie, die leuchtende Farben mit dem Glanz des Goldes verbindet, präzisiert und vervollständigt das Werk des Bildhauers. Das Antlitz Christi beweist großes Geschick im Ausdruck offensichtlicher Erhabenheit in seinem beherrschten Schmerz. Ohne jede dramatische Geste erscheint Christus in einzigartiger Stille, fast schon in Gelassenheit. Sein Gesicht, zutiefst sanft und traurig, ganz leicht nach links geneigt, macht die Intensität der Emotionen spürbar, ohne sich auf Ausdrucksstärke zu verlassen. Mit starren Augen und kaum geöffneten Lippen trägt er dazu bei, dass dieser Christus des Mitleids eher rührend als ergreifend ist, vergrößert und zutiefst menschlich durch eine perfekt ausgewogene Mischung aus realistischen Details und quasi-abstrakten Elementen. Er blickt den Betrachter freundlich an und lädt zur Nachahmung und zum Gebet ein. Die beiden Scharfrichter, die ihn flankieren, nehmen eine Haltung ein, die Bewegung und Stärke suggeriert; ihre extravagante Kleidung kontrastiert mit dem halbnackten Körper Christi, der nur mit einem Lendenschurz im antiken Stil bekleidet ist. In diesem Bild der Hingabe, in dem die Handlung unterbrochen ist, hebt der Künstler die zarte Gestalt Christi hervor, die der Grausamkeit seiner Peiniger gegenübersteht. Die leuchtenden Farben der Kleidung der Henker heben sich von dem Weiß des Lendenschurzes Christi ab. Dieser heftige Kontrast hebt die Reinheit des Leidenden gegen die grausame Ignoranz seiner Verleumder hervor. Dieses Werk ist voll und ganz Teil der bildhauerischen Produktion von Brabant. Die flämische Renaissance ist in der Ausdruckskraft, der theatralischen Haltung der Figuren mit ihrer kraftvollen Anatomie sowie in der Säule, die von einem von der Antike inspirierten korinthischen Kapitell überragt wird, spürbar. Der Scharfrichter links von Christus trägt einen kurzen, in Streifen geschnittenen Oberkörper und einen voluminösen Hosenlatz, der bis 1580 in Mode war, so dass das Werk in die Mitte des 16. Jahrhunderts datiert werden kann. Ab dem 15. Jahrhundert wurde das Gewand nur noch von Justizbeamten, Geistlichen und Ältesten getragen. Der Schlauch schmiegte sich an die Oberschenkel, während das Wams kürzer wurde. Aus Gründen des Anstands wurde eine zusätzliche, abnehmbare Tasche in Form eines Dreiecks hinzugefügt, die "braye" genannt wurde, etymologisch verwandt mit "breeches", dem Vorläufer des Steerts. Diese Tasche würde sich triumphierend im Schritt des Schlauchs zeigen. Die Renaissance wäre das goldene Zeitalter des Hosenbodens. Montaigne ärgerte sich darüber und bezeichnete in seinen Essays diese ausladende Konstruktion als "lächerliches Stück", das "ihre natürliche Größe durch Falschheit und Betrug erhöht". Der Einfluss des Steerts war in ganz Europa und in allen Gesellschaftsschichten beträchtlich. Das 16. Jahrhundert ist eine Epoche der Entdeckungen, aber auch eine der zur Schau gestellten Sexualität", unterstreicht Colette Gouvion. "Der Hosenlatz, der den Anstand schützen sollte, wird zum Emblem der triumphierenden Sexualität. Es wurde ein gepolstertes Stück Stoff, das beeindruckende Ausmaße annahm. Diese deutliche Hervorhebung wertete das männliche Glied und damit die Macht seines Besitzers auf. Als Opfer des modischen Wandels verschwand dieser Trend Ende des 16. Jahrhunderts allmählich. Im Mittelalter war die Kleidung alles andere als unbedeutend. Es war ein Indikator für sozialen Status, guten Geschmack, Bildung oder Vulgarität, Geiz. Er wurde verwendet, um die guten Christen von den Ausgeschlossenen zu unterscheiden. Die Verwendung anachronistischer Kostüme ist eine ikonografische Konvention für bestimmte heilige Figuren wie Christus oder die Apostel, die traditionell in antike Gewänder gekleidet und mit Tuniken, Lendentüchern oder Sandalen geschmückt sind, wie der Heiland in dieser Skulptur. Diese Elemente dienen dazu, den Betrachter auf die Vergangenheit, auf die Autorität und die Würde zu verweisen. Die fast antike Nacktheit Christi kontrastiert hier mit der zeitgenössischen Kleidung seiner Henker, die in eng anliegende und vergoldete Strümpfe, kurze Wams und modische voluminöse Codpieces gekleidet sind. Konkrete Details und malerische Kostüme verraten den typischen Geschmack der brabantinischen Werke, aber auch der spätgotischen Kunst, die auf expressive und erzählerische Werte setzt. Diese Gruppe gehörte zu einer Reihe von Darstellungen der Passion Christi und nahm wahrscheinlich den Teil rechts von der Kreuzigung ein. Diese Darstellung zeigt Christus in einem besonders bewegenden Moment, der zur Meditation anregt. Die Popularität der Geißelung ist Teil einer beispiellosen Entwicklung von ikonografischen Zyklen, die von der Passion inspiriert sind, von der Verhaftung Christi bis zu seiner Auferstehung. Es ist neben dem Ecce Homo, der Pieta und der Grablegung eines der am häufigsten dargestellten Motive. Durch die Darstellung des seelischen Schmerzes lädt die Passion Christi die Gläubigen dazu ein, über das Opfer Christi, seine Leiden und die der Menschheit zu meditieren, und stellt somit eines der wirkungsvollsten und wertvollsten Themen der Spiritualität dar, die am Ende des Mittelalters in Mode war. Unter der Herrschaft der Herzöge von Burgund und der Habsburger erlebten die ehemaligen Niederlande im 15. und 16. Jahrhundert einen außergewöhnlichen wirtschaftlichen Aufschwung, der eine blühende künstlerische Tätigkeit in den großen Zentren der Region förderte. Dies war vor allem in Mechelen, Antwerpen und Brüssel der Fall, die sich auf die Herstellung großer hölzerner Altarbilder spezialisiert hatten, die Episoden aus dem Leben Christi und der Jungfrau Maria darstellten. Im 16. Jahrhundert wurde Antwerpen zum wichtigsten Hafen Europas und zum Zentrum eines Handels, dessen wesentlicher Bestandteil der Markt für Kunst und Luxusgegenstände war. Um 1500 nahm die Produktion von Altarbildern massiv zu, was auf mehrere Faktoren zurückzuführen ist. Einerseits konnten die Antwerpener Bildhauer und Maler, die im Gegensatz zu den Brüsseler Künstlern der Guild of Saint Luke angehörten, leichter kollaborieren, da ihre Produktion in Bezug auf Holzqualität und Polychromie streng geregelt war. Die Produktion in Antwerpen hingegen erfolgte in Serie, um später auf den Markt gebracht zu werden. Dies bot mehr Freiheit und ermöglichte gleichzeitig eine Standardisierung, um die Anzahl der produzierten Modelle zu erhöhen. Schließlich waren die Bildhauer und Maler häufig mit Unternehmern verbunden, die die Werke im Großhandel an Kuriere verkauften, die sie dann in ganz Europa vertrieben. Die Guilds spielten eine zentrale Rolle bei dieser spezialisierten Produktion. Sie organisierten die Herstellung rigoros und legten jedes technische Element genau fest, von der Wahl des Holzes bis zu den Pigmenten, und bestimmten auch, wer für welche Aufgabe zuständig war. Jede Stadt konnte nach den von ihr aufgestellten Regeln eine Zertifizierungsmarke für die unter ihrer Schirmherrschaft geschaffenen Werke anbringen. Das berühmteste dieser Zeichen ist wahrscheinlich die Antwerpener Hand, die um 1470 auftaucht und sich sowohl auf skulpturalen Elementen als auch auf dem Gehäuse der Altarbilder selbst findet. Die Antwerpener Bildhauer des Mittelalters mussten Mitglied der Guild of Saint Luke werden und sich an deren Regeln halten. Trotz des Fehlens von Eisenmarken entspricht das Werk einem gewissen Höhepunkt der Brabanter Werkstätten, die hochwertige MATERIALIEN, intensive Produktion und Stilbeherrschung miteinander verbinden. Alle Indizien, insbesondere die Kostüme der Figuren, sprechen dafür, dass die Geißelung vor 1580 stattfand. Die Komposition, die aufwändigen, fein gearbeiteten Kostüme sowie die Vielfalt der Physiognomien und Haltungen der Figuren sind bemerkenswert. Die zunehmende Zahl von Altarbildern am Ende des Mittelalters und im 16. Jahrhundert spiegelt die Entwicklung der Frömmigkeit in den ehemaligen Niederlanden wider, der Wiege der devotio moderna, die eine direkte Verbindung mit dem Göttlichen sucht. Während die erzählerische Kraft der Statuen eher begrenzt ist, ist ihre Fähigkeit, biblische Charaktere zu verkörpern, durch ihren dreidimensionalen Charakter, ihren Maßstab und ihr Streben nach Realismus, das oft durch Polychromie verstärkt wird, von einzigartiger Kraft. Im häuslichen Bereich erleichtert die Betrachtung religiöser Bilder die persönliche Meditation und bietet Zugang zu spirituellen Erfahrungen. Laien oder kirchliche Träger können bescheidene Altarbilder in einem Oratorium oder einfach in einem Zimmer auf einem mit einem Tuch bedeckten Sideboard aufstellen, das als privater Altar dient. Die brabantinischen Altaraufsätze stellen einen Höhepunkt der flämischen Sakralkunst dar. Ihre Entstehung war das Ergebnis einer turbulenten, aber künstlerisch reichen Zeit, in der Spiritualität und Kreativität miteinander verwoben waren und Werke schufen, die die Zeit überdauern.

Maße:

Höhe: 50 cm (19,69 in)Breite: 38 cm (14,97 in)Tiefe: 7 cm (2,76 in)

Stil:

Renaissance (Aus dem Zeitalter)

Materialien und Methoden:

Holz,Geschnitzt,Polychromiert

Herkunftsort:

Belgien

Zeitalter:

16. Jahrhundert

Herstellungsjahr:

16. Jahrhundert

Zustand:

Repariert: der Henker rechts vom Christus wurde restauriert (auf den Bildern sichtbar). Abnutzung dem Alter und der Nutzung entsprechend.

Anbieterstandort:

Bruxelles, BE

Referenznummer:

1stDibs: LU6666238315552

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