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Ungewöhnliche 2 Tische aus Holz und Bronze, Meret Oppenheim zugeschrieben, Frankreich, 1930
Angaben zum Objekt
Die beiden Tische haben unterschiedliche Höhen
MATERIAL: Holz und Bronze
Stil: Art Deco
Land: Frankreich
Wenn Sie in den goldenen Jahren leben wollen, ist dies der Tisch, den Ihr Projekt braucht.
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Meret Oppenheim
Meret Oppenheim -Traccia Table - Die Person und das Werk der deutsch-schweizerischen Künstlerin Meret Oppenheim (1913-1985) sind für immer mit dem Surrealismus und der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts verbunden.
Meret Oppenheim, eigentlich Meret Elisabeth Oppenheim, (geboren am 6. Oktober 1913 in Berlin, Deutschland - gestorben am 15. November 1985 in Basel, Schweiz), deutschstämmige Schweizer Künstlerin, deren pelzbesetzte Teetasse, Untertasse und Löffel zum Emblem der surrealistischen Bewegung wurden. Das Stück, das Oppenheim im Alter von nur 23 Jahren schuf, wurde so berühmt, dass es den Rest ihrer Karriere überschattete.
Oppenheims Vater war Deutscher und Jude, ihre Mutter war Schweizerin. 1914, bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs, zog die Familie von Deutschland in die Schweiz. Oppenheim wurde von ihrem Vater und von ihrer Großmutter mütterlicherseits, der Autorin und Illustratorin Lisa Wenger-Ruutz, ermutigt, sich der Kunst zu widmen. So begann sie 1929 ein Kunststudium an der Kunstgewerbeschule in Basel (bis 1930). Danach zog sie nach Paris und besuchte 1932 kurzzeitig die Académie de la Grande Chaumière.
Der Aufenthalt in Paris bot Oppenheim die Möglichkeit, mit führenden Künstlern der Avantgarde in Kontakt zu treten, was ihr mehr als eine Ausbildung den Zugang zur Kunstwelt ermöglichte. Im Jahr 1933 lernte sie Alberto Giacometti, Man Ray, André Breton und Jean (Hans) Arp kennen. Oppenheim wurde schnell in den Kreis der Surrealisten aufgenommen und stellte 1933 drei Gemälde auf dem Salon des Surindépendants in Paris aus. Bald nachdem sie Man Ray kennengelernt hatte, wurde sie seine Muse und stand ihm für Bilder wie Érotique Voilée (1933; "Erotische Verschleierung") Modell, auf dem sie nackt hinter einem großen Druckmaschinenrad erscheint, den linken Unterarm und die Hand mit schwarzer Tinte bedeckt und an die Stirn gedrückt. Das Bild wurde 1934 in der Zeitschrift der surrealistischen Bewegung, Minotaure, veröffentlicht. In diesem Jahr begann sie auch eine Liebesbeziehung mit dem Künstler Max Ernst, die jedoch nur ein Jahr dauerte. 1935 nahm Oppenheim an internationalen Surrealisten-Ausstellungen in Kopenhagen und Teneriffa (Kanarische Inseln) teil, ein Jahr später in London und New York.
In den 1930er Jahren schuf Oppenheim Assemblagen aus alltäglichen Gegenständen, von denen viele erotisch anmuten, wie My Nurse (1936), ein Paar hochhackige Damenschuhe, die wie ein Wildhuhn zusammengebunden waren, mit Papierrüschen (Kronen) an den Fersen, und mit der Sohle nach oben auf einem Tablett platziert. Im Jahr 1936 schuf sie auch ihr berühmtestes Kunstwerk. Nachdem sie sich mit Pablo Picasso und Dora Maar in einem Pariser Café über all die alltäglichen Dinge unterhalten hatte, die sie mit Pelz überziehen und in Kunst verwandeln konnte - wie das Armband, das sie hergestellt hatte und damals trug -, wählte Oppenheim eine Teetasse, eine Untertasse und einen Löffel aus, die sie mit chinesischem Gazellenfell überzog. Das Ergebnis, Object, war Teil der ersten Surrealisten-Ausstellung im New Yorker Museum of Modern Art (MoMA), "Fantastic Art, Dada, Surrealism", kuratiert von Alfred H. Barr, JR, im Jahr 1936, und wurde über Nacht zu einer Sensation in der Kunstwelt. Das MoMA erwarb daraufhin Object, die erste Erwerbung (in den sieben Jahren seit der Gründung des Museums) von Kunst, die von einer Frau stammt. Breton nannte die Assemblage später Le Déjeuner en fourrure ("Mittagessen im Pelz"), in Anspielung auf Edouard Manets ikonisches Gemälde Le Déjeuner sur l'herbe (1863; "Mittagessen im Gras") und die erotische Novelle Venus en fourrures des österreichischen Schriftstellers Leopold von Sacher-Masoch (1870; Originaltitel Venus im Pelz). Oppenheim nutzte den neu gewonnenen Ruhm und hatte 1936 ihre erste Einzelausstellung in der Galerie Marguerite Schulthess in Basel.
1937 kehrte Oppenheim nach Basel zurück und besuchte zwei Jahre lang die Gewerbeschule, um Konservierung und Restaurierung von Kunstwerken zu erlernen, mit denen sie ihren Lebensunterhalt verdienen wollte. Überwältigt von dem Aufsehen, das Object erregt, zieht sich Oppenheim von den Surrealisten zurück. Außerdem war sie frustriert und fürchtete sich vor den Zwängen, die ihr früher Erfolg auf ihre sich entwickelnde künstlerische Karriere ausüben würde, und verfiel in eine tiefe Depression und kreative Krise, die fast zwei Jahrzehnte andauerte.
Nach eigenen Angaben fand sie Ende 1954 "ganz plötzlich wieder Freude an der Kunst" und mietete ein eigenes Studio in Bern. In dieser Zeit begann sie auch mit dem Schreiben und wandte sich anderen Formen der kreativen Produktion zu. Sie entwarf die Kostüme für eine Inszenierung von Daniel Spoerri von Picassos Theaterstück Le Désir attrapé par la queue (1956; Die Begierde am Schwanz gefangen). 1959 schuf sie für eine Gruppe enger Freunde in Bern ein Performance-Stück: Das "Frühlingsfest", ein aufwändiges Bankett, das Oppenheim (ohne Silberbesteck) auf dem Körper einer nackten Frau serviert, die auf einem langen Tisch liegt. Breton bat sie, das Stück für die Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme (EROS) in Paris (1959-60) zu reproduzieren. Obwohl sie sich daran beteiligte, war sie nicht erfreut, als ihr Werk wegen der Objektivierung von Frauen kritisiert wurde, da es ihre Absicht gewesen war, die von Mutter Erde gebotene Frühlingsfülle zu reflektieren. Sie stellte nie wieder mit den Surrealisten aus.
1967 wurde Oppenheim mit einer großen Retrospektive in Stockholm gewürdigt. Ihr Werk wurde in den 1970er Jahren von feministischen Wissenschaftlerinnen wiederbelebt, die vergessene Künstlerinnen wieder in die Kunstgeschichte einführen wollten. Im Jahr 1975 erhielt sie den Kunstpreis der Stadt Basel und 1982 den Großen Kunstpreis der Stadt Berlin. Im Laufe ihres Lebens schuf Oppenheim Schmuck, Skulpturen, Gemälde, Möbel, Performancekunst und Gedichte. In ihren späteren Jahren entwarf sie auch mehrere öffentliche und private Brunnen. Der umstrittene hohe Steinbrunnen, den sie für einen öffentlichen Platz in Bern (1983) entworfen hat und der Wasser tröpfelt und Algen und Moos wachsen lässt, wurde von den Bewohnern der Stadt zunächst als störend empfunden. Ausstellungen im späten 20. und frühen 21. Jahrhundert, darunter Retrospektiven in New York City (1996; Guggenheim Museum), Bern (2006; Kunstmuseum) und Berlin (2013; Martin-Gropius-Bau), zeigten sie nicht als das surrealistische One-Hit-Wonder, zu dem sie in den 1930er Jahren geworden war, sondern als facettenreiche Künstlerin mit einem vielseitigen und inspirierten Gesamtwerk.
Warum gibt es in Argentinien so viele Antiquitäten?
In der Zeit von 1880 bis 1940 gab es eine große Einwanderungswelle, die durch die Kriegszeiten gefördert wurde.
Der 1. Weltkrieg fand zwischen 1914 und 1918 statt.
Der 2. Weltkrieg fand zwischen 1939 und 1945 statt.
Die Einwanderer hatten die Wahl zwischen New York und Buenos Aires. Die Eintrittskarten waren billig, und in Buenos Aires wurden sie mit offenen Armen empfangen, denn es war ein Land, in dem alles noch zu tun war.
Argentinien war das Land der neuen Möglichkeiten, Arbeitskräfte wurden gebraucht und die Religionsfreiheit war gewährleistet. In vielen Fällen reisten die Familienmitglieder zuerst, bis sie sich niedergelassen hatten, und dann schlossen sich die übrigen Familienmitglieder an.
Im Einwanderermuseum "Ellis Island Immigrant Building" in New York können Sie die Werbeplakate für die Boote sehen, die sie in ein neues Leben bringen würden.
In den Jahren 1895 und 1896 hatte Argentinien laut dem Maddison Historical Statistics Index das höchste Bruttoinlandsprodukt pro Kopf in der Welt, was auf die große Menge an Lebensmitteln zurückzuführen war, die in die europäischen Länder exportiert wurden, die sich im Krieg befanden.
Die argentinischen Schiffe verließen den Hafen von Buenos Aires mit Lebensmitteln, kehrten aber mit Möbeln, Kleidern und Bauelementen zurück (das sieht man häufig an den alten Gebäuden des historischen Viertels San Telmo, an den Balken mit der Aufschrift "Made in England"), ebenso wie an vielen Märkten, die in Buenos Aires gebaut wurden, wie z. B. der Markt von San Telmo, dessen Struktur mit dem Schiff gebracht und anschließend in der Calle Defensa 900 montiert wurde.
Aufgrund des großen Einflusses der europäischen Einwanderer im Land reisten die Kinder der Oberschicht nach Frankreich, um dort zu studieren, was zur Eröffnung von "La Maison Argentinienne" führte, die am 27. im Juni 1928 in der internationalen Stadt Paris, die viele Argentinier, die in Frace studierten, aufnahm.
Es ist das vierte Haus, das nach Frankreich, Kanada und Belgien gebaut wird, und das erste spanischsprachige. Heute noch vorhanden (17 Bd Jourdan, 75014, Paris, Frankreich). Viele der Kinder dieser wohlhabenden Familien, die internationale Kunstausstellungen, Museen und Kunstkurse im Ausland besuchten, interessierten sich sehr für den europäischen Stil. Aus diesem Grund wurde Buenos Aires seinerzeit auch als "Paris Südamerikas" bezeichnet.
Zwischen 1890 und 1920 wurden in der Avenida Alvear, der exklusivsten Straße von Buenos Aires, mehr als hundert Paläste gebaut. Heute sind einige dieser Paläste in Museen, Hotels und Botschaften umgewandelt worden.
Im Jahr 1936 wurde das Kavanagh-Gebäude eingeweiht, das höchste Stahlbetongebäude Südamerikas.
Im Jahr 1994 wurde es von der American Society of Civil Engineers als "internationaler Meilenstein der Ingenieurskunst" ausgezeichnet und gilt heute als Weltkulturerbe der modernen Architektur.
Damals war es üblich, ausländische Architekten wie Le Corbusier zu engagieren, der 1929 Buenos Aires/Argentinien besuchte und 1948 die Pläne für ein Haus in La Plata City entwarf (das zum Weltkulturerbe erklärt wurde).
Im Jahr 1947 entwarf der ungarische Architekt Marcelo Breuer den "Parador Ariston" in der Küstenstadt Mar del Plata. Nachdem ihn ein argentinischer Student der Harvard-Universität davon überzeugt hatte, nach Argentinien zu kommen. Er arbeitete an einem Stadtentwicklungsprojekt in der Casa Amarilla, einem Stadtteil von La Boca.
Der ukrainische Architekt Vladimiro Acosta kam 1928 nach Argentinien und arbeitete als Architekt, bis er nach Brasilien zog.
Antonio Bonet, ein spanischer Architekt, der mit Le Corbusier in Paris zusammengearbeitet hat, kommt 1937 nach Argentinien, wo er mehrere architektonische Arbeiten ausführt und 1938 den bekannten Stuhl BFK entwirft.
Der aus Ungarn stammende Andre Kálnay schuf rund 120 architektonische Meisterwerke, unter denen die ehemalige Münchner Brauerei hervorsticht, und entwarf sogar das Design der Möbel.
Der deutsche Architekt Walter Gropius, Direktor des Bauhauses, lebte in Argentinien, wo er Artikel für die Zeitschrift "Sur" schrieb und in Buenos Aires zusammen mit Franz Möller, der ebenfalls Architekt war, ein Architekturbüro gründete, in dem er zwei Häuser baute.
Zur gleichen Zeit beschlossen mehrere berühmte Designer, nach Argentinien einzuwandern, darunter der bekannte französische Designer Jean-Michel Frank, der 1940 in das Land kam und auch für die Familie Rockefeller arbeitete.
Es wurden besondere Stücke hergestellt, die ausschließlich im Land verkauft wurden, wie die bekannte deutsche Firma "WMF", die ihre Produkte per Katalog verkaufte, die von den Damen der High Society in die Liste der Hochzeitsgeschenke aufgenommen wurden, sowie die von Christofle entworfenen Stücke.
Der Schweizer Bildhauer Alberto Giacometti schuf spezielle Stücke für argentinische Herrenhäuser.
1904 wurde in Buenos Aires die erste Jansen Branch außerhalb von Paris gegründet, da die argentinische Kundschaft vom Ende des 19. bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts einen großen Bedarf an Möbeln hatte.
Im Jahr 1970 stellte die Marke Rigolleau Argentina von Lalique autorisierte Stücke her.
Die Marken Maple und Thompson haben sich ebenfalls in dem Land niedergelassen.
Der französische bildende Künstler Marcel Duchamp zog 1918-1919 nach Argentinien.
Glas signiert Gallé, Charder, Leverre, Schneider, Muller und andere französische Firmen. Sie wurden in Blumenläden gekauft und den Damen mit schönen Blumenarrangements überreicht.
Einige Möbelhersteller reisten zu internationalen Messen und kauften die Muster, um die Möbel in Argentinien zu produzieren, wie zum Beispiel die Möbelfirma Englander und Bonta, die die Muster in Italien kaufte.
Es ist erwähnenswert, dass wir in Argentinien die größte Gemeinschaft von Italienern außerhalb Italiens haben, da schätzungsweise 70 % der Einwohner mindestens einen italienischen Nachkommen haben, gefolgt von spanischen Einwanderern.
Die wichtigsten Möbelhäuser in Argentinien:
Comte wird 1934 gegründet (unter der direkten Leitung von Jean Michel Frank im Jahr 1940).
Nordiska (schwedisches Unternehmen, gegründet 1934).
Churba im Jahr 1960, ein Unternehmen, das ausländische Designer dazu brachte, ihre Möbel im Land zu präsentieren:
Dänemark: (Arne Jacobsen, Finn Juhls, Bender Madsen, Ejner Larsen, Poul Kjaerholm, Hans Wegner)
Schweden: (Hans Agne Jakobsson, Gustavsberg)
Vereinigte Staaten: (Herman Miller)
Finnland: (Lisa Johansson, Folke Arstrom, Tapio Wirkkala, Alvar Aalto, Timo Sarpaneva)
Schwedische Fabrik: (Orrefors)
Italien: (Littala, Vico Magistretti, Emma Gismondi, Gae Aulenti, Angelo Mangiarotti, Elio Martinelli, Gianna Celada, Angelo Mangiarotti, Mario Bellini, Carlo Scarpa)
Finnland: (Olivia Toikka)
Plata Lappas (Lappas Silver): eine Goldschmiedewerkstatt, die 1887 in Argentinien von Alcibiades Lappas griechischer Herkunft gegründet wurde.
2019 fand in Argentinien der "Art Deco Weltkongress" statt, an dem wir als Gastgeber auf Einladung von Geo Darder, dem Gründer der Copperbridge - Stiftung, teilnahmen und an dem prominente Persönlichkeiten aus aller Welt teilnahmen, um sich über Art Deco in Argentinien zu informieren.
In Argentinien gibt es derzeit mehr als 100 Art-Déco-Gebäude und weitere 90 Jugendstilgebäude in der gesamten Stadt Buenos Aires.
Argentinien ist ein Land, das nicht in viele Kriege verwickelt war, weshalb es im Gegensatz zu den europäischen Ländern ein Zufluchtsort für Kunstwerke und Antiquitäten aus verschiedenen Epochen ist. Aus diesem Grund wird es von vielen Sammlern, Museen und Antiquitätenhändlern aus der ganzen Welt besucht, und Sie sollten sich die Gelegenheit nicht entgehen lassen, dieses großartige Land zu besuchen.
Laura Guevara Kjuder, Architektin.
- Zugeschrieben:Meret Oppenheim (Künstler*in)
- Maße:Höhe: 60 cm (23,63 in)Durchmesser: 52,5 cm (20,67 in)
- Stil:Art déco (Aus dem Zeitalter)
- Materialien und Methoden:
- Herkunftsort:
- Zeitalter:
- Herstellungsjahr:1930
- Zustand:Neu lackiert. Abnutzung dem Alter und der Nutzung entsprechend.
- Anbieterstandort:Ciudad Autónoma Buenos Aires, AR
- Referenznummer:
Informationen zu dem*der Anbieter*in
5,0
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