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Kubistisches Stillleben „Violin“ von Agnes Weinrich, signiert, datiert 1922
Angaben zum Objekt
Stilleben (Violine, Blumen), Öl auf Leinwand, von Agnes Weinrich, signiert und datiert "22", ungerahmt: 20" x 16", gerahmt 27,5 x 23".
Agnes Weinrich (1873-1946) war eine frühe Künstlerin der amerikanischen Moderne zu einer Zeit, als das Interesse an der modernen Kunst in den USA gering war und nur wenige Frauen Künstlerinnen waren. Sie war eine Wegbereiterin der modernen Kunst. Das gezeigte Gemälde ist ein wichtiges Beispiel für die reife Phase ihres Werks.
Es folgt eine Biographie aus Wiki-pedia:
Agnes Weinrich (1873-1946) war eine der ersten amerikanischen Künstlerinnen, die modernistische, abstrakte und vom kubistischen Stil beeinflusste Kunstwerke schuf. Sie war auch eine energische und wirkungsvolle Verfechterin der modernen Kunst in Amerika, die sich mit Gleichgesinnten zusammenschloss, um das Experimentieren als Alternative zur allgemein konservativen Kunst ihrer Zeit zu fördern.
Frühe Jahre[Bearbeiten]
Agnes Weinrich wurde 1873 auf einer wohlhabenden Farm im Südosten Iowas geboren. Sowohl ihr Vater als auch ihre Mutter waren deutsche Einwanderer, und zu Hause wurde Deutsch gesprochen. Nach dem Tod ihrer Mutter im Jahr 1879 wurde sie von ihrem Vater, Christian Weinrich, aufgezogen. 1894, im Alter von 59 Jahren, gab er die Landwirtschaft auf und zog mit seinem Haushalt und seinen drei jüngsten Kindern - Christian Jr. (24), Agnes (21) und Lena (17) - ins nahe gelegene Burlington, Iowa, wo Agnes das Burlington Collegiate Institute besuchte, das sie 1897 abschloss.[1][2][3] Christian nahm Agnes und Lena 1899 mit auf eine Reise nach Deutschland, um die Verbindung zu ihren deutschen Verwandten wiederherzustellen. Als er später im selben Jahr nach Hause zurückkehrte, ließ er die beiden Frauen in Berlin bei einigen dieser Verwandten zurück, und als er bald nach seiner Rückkehr starb, erbten sie genügend Vermögen, um für den Rest ihres Lebens unabhängig zu leben.
Entweder vor oder während ihrer Reise nach Deutschland hatte Lena beschlossen, Musikerin zu werden und studierte während ihres Aufenthalts in Berlin am Stern-Konservatorium Klavier. Agnes ihrerseits war fest entschlossen, Künstlerin zu werden und begann zur gleichen Zeit ein entsprechendes Studium.[1][4] 1904 kehrten die beiden aus Berlin zurück und ließen sich für zwei Jahre in Springfield, Illinois, nieder, wo Lena Klavierunterricht an öffentlichen Schulen gab und Agnes in einem gemieteten Studio malte. Zu diesem Zeitpunkt änderte Lena ihren Namen in Helen. Im Jahr 1905 zogen sie nach Chicago, wo Agnes an der School of the Art Institute of Chicago unter anderem bei John Vanderpoel und Nellie Walker studierte[1].
1909 kehrten Agnes und Helen nach Berlin zurück und reisten von dort nach München, wo Agnes kurz bei Julius Exter studierte, und weiter nach Rom, Florenz und Venedig, bevor sie nach Chicago zurückkehrten.[5] 1913 reisten sie zum dritten und letzten Mal nach Europa und verbrachten ein Jahr in Paris. Dort freundeten sie sich mit amerikanischen Künstlern und Musikern an, die sich dort in der lokalen Kunstszene versammelt hatten. In dieser Zeit schuf Agnes gekonnte, aber unoriginelle Zeichnungen, Radierungen und Gemälde in den vorherrschenden akademischen und impressionistischen Stilen[1].
Nach ihrer Rückkehr aus Europa im Jahr 1914 setzte sie ihr Kunststudium fort, in den warmen Monaten des Jahres in Provincetown, Massachusetts,[1] wo sie Mitglied der Provincetown Printers Art Colony in Massachusetts war,[6] und in den kälteren Monaten in New York City. In Provincetown besuchte sie Kurse an Charles Hawthornes Cape Cod School of Art und in New York die Art Students League[1].
Zeichnung einer alten Frau von Agnes Weinrich, Graphit auf Papier, 11,5 x 7,5 cm.
Hawthorne und andere Künstler gründeten 1914 die Provincetown Art Association und veranstalteten im folgenden Jahr die erste von vielen jurierten Ausstellungen. Weinrich steuerte zu dieser Ausstellung neun Bilder bei, die alle gegenständlich und in einem eher konservativen Stil gehalten sind.[1]
Eine um 1915 entstandene Bleistiftskizze zeigt eine Figur, wahrscheinlich eine der Portugiesinnen von Provincetown. Weinrich war eine akribische Zeichnerin und diese Zeichnung ist typisch für ihre Arbeiten im akademischen Stil, die sie zwischen 1914 und 1920 anfertigte. Sie schuf auch Werke, die eher dem von Hawthorne und vielen seiner Schüler favorisierten Impressionismus entsprachen. Als Weinrich 1917 in einem New Yorker Frauenclub, dem MacDowell Club, Bilder ausstellte, sagte der Kunstkritiker des Brooklyn Daily Eagle, sie zeigten eine "starke Note des Impressionismus"[7].
Broken Fence von Agnes Weinrich, ein Holzschnitt mit weißer Linie, der vor 1917 entstanden ist; links: der Holzschnitt selbst; rechts: ein Abzug vom Holzschnitt.
1916 schloss sich Weinrich einer Gruppe von Druckgrafikern an, die begonnen hatten, die von dem Provincetown-Künstler B.J.O. Nordfelt entwickelte Weißlinientechnik anzuwenden. Sie und die anderen Mitglieder der Gruppe, darunter Blanche Lazzell, Ethel Mars und Edna Boies Hopkins, arbeiteten zusammen, tauschten Ideen aus und lösten Probleme.[1][8] Ein Jahr später zeigte Weinrich einen ihrer ersten Weißliniendrucke in einer Ausstellung der Pennsylvania Academy of Fine Arts in Philadelphia.[9]
Broken Fence, in seinen beiden Zuständen - dem Druck und dem Holzschnitt, aus dem er entstanden ist - zeigt, dass Weinrich sich von der realistischen Darstellung wegbewegt, hin zu einem Stil, der zwar weder abstrakt noch kubistisch ist, aber die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die flache Oberfläche des Werks mit ihren nebeneinander liegenden Formen und Blöcken aus kontrastierenden Farben lenkt.
Kühe auf der Weide in den Dünen bei Provincetown von Agnes Weinrich, Weißlinienholzschnitt, 10 x 10 1/2 Zoll
Als die informelle Gruppe der Druckgrafiker 1920 ihre eigene Ausstellung organisierte, zeigte Weinrich ein Dutzend Werke, darunter eines mit dem Titel Cows Grazing in the Dunes near Provincetown. Dieser Druck zeigt eine größere Tendenz zur Abstraktion als Broken Fence oder die Drucke anderer Provincetown-Künstler dieser Zeit. Die Kühe und Dünen sind zwar erkennbar, aber nicht realistisch dargestellt. Die weißen Linien dienen dazu, die Blöcke mit gedämpften Farben, die die wichtigsten Bildelemente des Drucks sind, zu betonen. Weinrich nutzt die Textur der Holzoberfläche, um die Aufmerksamkeit auf die zweidimensionale Fläche zu lenken - das Papier, auf dem sie den Druck angefertigt hat - und kontrastiert damit die implizite Tiefe des Vorder- und Hintergrunds aus Kühen, Dünen und Himmel. Das Werk ist zwar nicht kubistisch, hat aber eine proto-kubistische Anmutung, die an einige der abstrakteren Gemälde von Paul Cézanne erinnert[10].
1919 oder 1920, als die Schwestern noch die Winter in Manhattan und die Sommer auf Cape Cod verbrachten, betrachteten sie Provincetown als ihren offiziellen Wohnsitz[1][11][12][13] Zu diesem Zeitpunkt hatten sie auch den Maler Karl Knaths kennen gelernt. Wie er selbst, ein deutschstämmiger Mann aus dem Mittleren Westen, der in einem deutschsprachigen Haushalt aufgewachsen war, ließ er sich 1919 in Provincetown nieder. Agnes und Knaths teilten ihre künstlerischen Neigungen und beeinflussten sich gegenseitig in der zunehmenden Verwendung der Abstraktion in ihren Werken.[1][14]
Die Schwestern und Knaths wurden enge Freundinnen. 1922 heiratete Knaths Helen und zog in das Haus, das die Schwestern gemietet hatten. Er war damals 31, Helen 46 und Agnes 49 Jahre alt. Als die drei zwei Jahre später beschlossen, sich ganzjährig in Provincetown niederzulassen, verwendeten Agnes und Helen einen Teil ihres Erbes, um Land und Materialien für den Bau eines Hauses und von Nebengebäuden zu kaufen, die sie gemeinsam nutzen konnten. Knaths selbst erwarb stillgelegte Gebäude in der Nähe als Holzquelle und konnte, nachdem er einmal als Kulissenbauer für eine Theatertruppe tätig gewesen war, ihr neues Haus bauen.[15]
Weinrich war Knaths etwas voraus, indem er sich einen modernistischen Stil zu eigen machte. Während ihres Aufenthalts in Paris hatte sie die Avantgarde-Kunst gesehen und amerikanische Künstler kennengelernt, die sie zu schätzen begannen. Nach ihrer Rückkehr in die Vereinigten Staaten diskutierte sie weiterhin neue Theorien und Techniken mit Künstlern in New York und Provincetown, von denen sie einige in Paris kennen gelernt hatte. Diese lose zusammengewürfelte Gruppe beeinflusste sich gegenseitig, während sich ihre individuellen Stile entwickelten. Neben dem bereits erwähnten Blance Lazzell gehörten auch Maude Squires, William Zorach, Oliver Chaffee und Ambrose Webster zu der Gruppe. Einige von ihnen, darunter Lazzell und Flora Schofield, hatten bei einflussreichen Modernisten in Paris studiert und die meisten hatten die einflussreichen kubistischen und futuristischen Schriften von Albert Gleizes und Gino Severini gelesen und diskutiert[16][17].
Reifer Stil[Bearbeiten]
Frau mit Blumen von Agnes Weinrich, um 1920, Öl auf Leinwand, 34 x 30 1/4 Zoll, ausgestellt auf der Ausstellung der Provincetown Art Association von 1920, zur Verfügung gestellt mit freundlicher Genehmigung der Association.
Zwei von Weinrichs Gemälden, die beide um 1920 entstanden, markieren die Entstehung ihres reifen Stils. Das erste, Frau mit Blumen, ähnelt einem Bild des französischen Künstlers Jean Metzinger mit dem Titel Le goûter (Tea Time) (1911).[18]
Red Houses von Agnes Weinrich, um 1921, Öl auf Leinwand auf Karton, 24,25 x 25,5 Zoll; ausgestellt "Red Houses" in der Fifth Annual Exhibition of the Society of Independent Artists.
Wie viele andere Werke Metzingers wurde auch Le goûter in den Büchern und Zeitschriften der Zeit besprochen, darunter auch in einem Buch mit dem Titel Cubism, das Metzinger selbst mitverfasst hatte.[19] Da die Gruppe, der Weinrich angehörte, über Avantgarde-Kunst im Allgemeinen und den Kubismus im Besonderen las und diskutierte, ist es ziemlich wahrscheinlich, dass Weinrich mit Metzingers Werk vertraut war, bevor sie ihr eigenes begann.
Das zweite Gemälde, Rote Häuser, weist allgemeine Ähnlichkeiten mit Landschaften von Cézanne und Braque auf. Beide Gemälde sind im kubistischen Stil gehalten. Mit ihnen kündigt Weinrich jedoch keine abrupte Umkehr zum Kubismus an, sondern markiert vielmehr eine Hinwendung zu mehr Experimentierfreude. In ihrem späteren Werk hat sie sich nicht auf einen einzigen Stil oder eine Stilrichtung festgelegt, sondern sowohl repräsentative als auch völlig abstrakte Bilder geschaffen, die immer einen starken Sinn für die zweidimensionale Ebene der Bildoberfläche zeigen. Nach diesen beiden Gemälden änderten sich weder ihr Thema noch die von ihr verwendeten Medien grundlegend. In ihrem Studio in Provincetown und in der Umgebung verwendete sie weiterhin die ihr zur Verfügung stehenden Motive, um Stillleben, Dorf- und Hirtenszenen, Porträts und Abstraktionen in Öl auf Leinwand und Karton, Aquarell, Pastell, Buntstift und Graphit auf Papier sowie Holzschnitte zu schaffen[20].
Mit ihrer aufgeschlossenen und einnehmenden Persönlichkeit und ihrer aktiven, energischen Lebenseinstellung förderte Weinrich ihre eigene Arbeit und half Karl Knaths, Beziehungen zu potenziellen Mäzenen, Galeristen und Ausstellungsmachern aufzubauen. Gemeinsam mit ihm setzte sie sich an die Spitze einer informellen Bewegung für das Experimentieren in der amerikanischen Kunst. Da sie aufgrund ihrer unabhängigen Mittel nicht gezwungen war, ihren Lebensunterhalt durch den Verkauf von Kunst zu verdienen, konnte sie Ausstellungen und ihre zahlreichen Kontakte zu Künstlern und Sammlern nutzen, um die Wertschätzung und das Verständnis für Werke zu fördern, die nicht der noch immer konservativen Norm der 1920er und 1930er Jahre entsprachen.[1][21][22]
In den frühen 1920er Jahren wurden die Kritiker auf ihr Werk aufmerksam und erkannten, dass sie sich vom Realismus, der damals in den Galerien und Ausstellungen vorherrschte, entfernte. Gemälde, die sie 1922 zeigte, wurden mit dem etwas trockenen Begriff "individualistisch" charakterisiert,[23] und 1923 lobte ein Kritiker ihr Werk als "abstrakt, aber gleichzeitig nicht ohne Gefühl"[24].
1925 wurde Weinrich Gründungsmitglied der New York Society of Women Artists. Weitere Mitglieder in Provincetown waren Blanche Lazzell, Ellen Ravenscroft, Lucy L'Engle und Marguerite Zorach. Die Mitgliederzahl war auf 30 Malerinnen und Bildhauerinnen beschränkt, die alle an den Ausstellungen der Gruppe teilnehmen konnten und jeweils den gleichen Raum erhielten.[23][25][26] Die Gruppe bot ihren Mitgliedern eine Plattform, um sich von der vornehm-traditionellen Kunst abzuheben, die von Künstlerinnen zu jener Zeit erwartet wurde[27], und nach den Aussagen einiger Kritiker scheinen ihre Ausstellungen dieses Ziel erreicht zu haben.[1][28][29][30]
1926 schloss sich Weinrich mit Knaths und anderen lokalen Künstlern zusammen und rebellierte gegen die "traditionelle" Gruppe, die die Provincetown Art Association dominiert hatte. Im nächsten Jahrzehnt, von 1927 bis 1937, veranstaltete der Verband jährlich zwei getrennte Ausstellungen, die eine konservativ, die andere experimentell oder, wie es hieß, radikal[31][32] Sowohl Weinrich als auch Knaths gehörten der Jury an, die die Werke für die erste Ausstellung der Moderne auswählte.[11]
Stillleben von Agnes Weinrich, ca. 1926, Öl auf Leinwand, 17 x 22 Zoll. Erlaubnis zur Verwendung erteilt von Christine M. McCarthy, Executive Director, Provincetown Art Association and Museum. Das Gemälde war ein Geschenk von Warren Cresswell.
Weinrichs Gemälde Stillleben, das um 1926 entstand, könnte in der Ausstellung von 1927 gezeigt worden sein. Es ist repräsentativ für einige Aspekte ihres reifen Stils, ist modernistisch, zeigt aber keinen kubistischen Einfluss. Die abgebildeten Gegenstände sind durchaus erkennbar, werden aber abstrakt behandelt. Obwohl Vorder- und Hintergrund unterscheidbar sind, bilden die Objekte als farbige Formen eine interessante und visuell befriedigende Oberflächengestaltung.
Im Jahr 1930 stellte Weinrich eine Gruppenausstellung für Modernisten in der GRD Gallery in New York zusammen. Es war das erste Mal, dass eine Gruppe von Künstlern aus Provincetown gemeinsam in New York ausstellte. Dafür wählte sie Werke von Knaths, Charles Demuth, Oliver Chaffee, Margarite und William Zorach, Jack Tworkov, Janice Biala, Niles Spencer, E. Ambrose Webster und anderen aus.[1][23]
Spätere Jahre[Bearbeiten]
Weinrich wurde am 16. Juli 1933 60 Jahre alt. Obwohl sie ein erfülltes und produktives Leben führte, das der Entwicklung ihrer eigenen Kunst und der Förderung des Modernismus in der Kunst gewidmet war, hörte sie nicht auf, auf beide Ziele hinzuarbeiten. Sie arbeitet weiter mit Öl auf Leinwand und Karton, Pastell und Buntstift auf Papier und Holzschnitt. Ihr Werk variiert weiterhin in Bezug auf Thema und Behandlung. Das Stillleben mit Blättern, ca. 1930 (Öl auf Leinwand, 18 x 24 cm) beispielsweise enthält Paneele mit kontrastierenden Farben und Konturen, die dem Stil von Knaths ähneln. Bewegung in c-Moll, circa 1932 (Öl auf Karton, 9 x 12 Zoll) ist völlig abstrakt. Auch sie steht in Beziehung zu Knaths' Werk, sowohl in der Behandlung (wiederum kontrastfarbige, umrissene Tafeln) als auch in ihrer offensichtlichen Beziehung zur Musik, an der Knaths ebenfalls interessiert war. Fish Shacks, circa 1936 (monochromer Farbholzschnitt) ist stark abstrakt und hat eine stark kubistische Note. Untitled Abstraction, circa 1938 (Öl auf Leinwand, 12,25 x 12 Zoll) unterscheidet sich stark von den abstrakten Werken der frühen 1930er Jahre. Es handelt sich um eine geometrische Abstraktion mit Einflüssen von Wassily Kandinsky[33], die aus geradlinigen Farbflächen in kühlen Tönen und kontrastierenden Flächen in Ocker und Rot besteht. Das Blumenstillleben, CIRCA 1940 (Buntstift auf Papier, 7 x 9,5 Zoll) enthält einen Rahmen im Rahmen, der die Oberfläche dramatisch betont, und ist ebenfalls völlig abstrakt. Die Komposition besteht aus sternförmigen Formen in Blau und Magenta in einem lebendigen Muster vor einem dunklen, strukturierten Hintergrund.
Kritische Rezeption[Bearbeiten]
Trotz der Qualität ihrer Arbeiten und trotz der Energie und des Geschicks, mit denen sie sich sowohl für die Entwicklung ihres eigenen Talents als auch für die Förderung der progressiven Bewegung in der amerikanischen Kunst einsetzte, erhielt Weinrich zu ihren Lebzeiten nur wenig Anerkennung und hat auch nach ihrem Tod nicht viel mehr erhalten. In den meisten Berichten über ihr Leben und ihre Arbeit werden einige wichtige Fakten wiederholt. Sie geben keine Zitate an und einige ihrer Behauptungen können nicht bestätigt werden.[34][35] Nur eine Person, Louise R. Noun, hat sie eingehend untersucht. Siehe den von ihr mitverfassten Ausstellungskatalog und den von ihr verfassten Artikel, die beide im Abschnitt "Weiterführende Literatur" weiter unten zitiert werden.
Es gibt keine Hinweise darauf, dass Weinrich jemals von einer kommerziellen Galerie vertreten wurde, und es ist wahrscheinlich, dass sie ihre Verkäufe über Ausstellungen und von ihrem Studio aus tätigte. In der Regel vermerkte sie auf ihren Werken weder Datum, Name, Ort noch Thema und bewahrte nur wenige Aufzeichnungen über ihre Werke auf. Aus diesen Gründen und weil sie (a) zu ihren Lebzeiten von den Kunsthändlern nicht inventarisiert wurden und (b) sie viele Kunstwerke schuf, die nicht verkauft wurden, gibt es oft Zweifel an der Herkunft eines bestimmten Werks.
Ausstellungen[edit]
Dies ist eine ausgewählte Liste von Ausstellungen, an denen sie im Laufe ihres Lebens teilgenommen hat. Die Hauptquelle ist Louise Nouns Artikel über Weinrich im Woman's Art Journal,[1] ergänzt durch zeitgenössische Berichte in der New York Times, dem Brooklyn Daily Eagle, der New York Evening Post, dem Philadelphia Inquirer und dem Christian Science Monitor.
Ab 1915: Provincetown Art Association
1917: Akademie der Schönen Künste von Pennsylvania
1917: Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia
1917-23: Gesellschaft Unabhängiger Künstler, New York
1919: Kunstinstitut von Chicago
1920: Boston Arts Club
Ab 1926: New Yorker Gesellschaft der Künstlerinnen
1928: Grace Horn Gallery, Boston
1929: Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia
1932: Öffentliche Bibliothek Boston
1936: Harley Perkins Gallery, Boston (Einzelausstellung)
1938: Boston Society of Independent Artists
1938: Washington Public Library, Washington, D.C.
1939: Corcoran Gallery Biennale, Washington, D.C.
1939: Fogg Art Museum Twentieth Century Club, Boston
1939: Witherstine Gallery, Boston
1939: Institut für moderne Kunst, Boston
1945: Woljeska Gallery, Brooklyn, New York
- Schöpfer*in:Agnes Weinrich (Künstler*in)
- Maße:Höhe: 40,64 cm (16 in)Breite: 50,8 cm (20 in)Tiefe: 2,54 mm (0,1 in)
- Stil:Moderne (Aus dem Zeitalter)
- Materialien und Methoden:
- Herkunftsort:
- Zeitalter:
- Herstellungsjahr:1922
- Zustand:Abnutzung dem Alter und der Nutzung entsprechend.
- Anbieterstandort:New York, NY
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