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Roy LichtensteinCarta manuscrita en tarjeta del Tema Indio Americano II firmada a camarógrafo de CBS News1983
1983
2470,19 €
Acerca del artículo
Roy Lichtenstein
Nota manuscrita en una tarjeta
tinta sobre papel
firmado a mano por Roy Lichtenstein
La tarjeta dice
"Muchas gracias por las maravillosas impresiones
Muy amable por enviármelas
Saludos cordiales,
Roy Lichtenstein
Esta tarjeta representa la obra de Roy Lichtenstein American Indian Theme II (de la serie American Indian Theme), 1980, xilografía en colores sobre papel Suzuki hecho a mano.
Procedencia: Esta tarjeta se adquirió a Dan Pope, fotógrafo y cámara de la CBS durante muchos años, que había acumulado una magnífica colección de autógrafos de artistas plásticos durante muchas décadas.
Esta obra ha sido elegantemente flotada y enmarcada en un marco de madera de calidad de museo bajo plexiglás UV.
Medidas:
Enmarcado
14,75 pulgadas verticales por 11,5 horizontales por 1,5 pulgadas de profundidad
Tarjeta (imagen)
Biografía de Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein fue uno de los artistas más influyentes e innovadores de la segunda mitad del siglo XX. Se le identifica sobre todo con el Pop Art, movimiento que ayudó a crear, y sus primeros cuadros, plenamente logrados, se basaban en imágenes de tebeos y anuncios publicitarios, y estaban realizados en un estilo que imitaba los rudimentarios procesos de impresión de la reproducción de periódicos. Estas pinturas revitalizaron la escena artística estadounidense y alteraron la historia del arte moderno. El éxito de Lichtenstein fue igualado por su concentración y energía, y tras su triunfo inicial a principios de los años 60, pasó a crear una obra de más de 5.000 pinturas, grabados, dibujos, esculturas, murales y otros objetos célebres por su ingenio e invención.
Roy Fox Lichtenstein nació el 27 de octubre de 1923 en Nueva York, el primero de los dos hijos de Milton y Beatrice Werner Lichtenstein. Milton Lichtenstein (1893-1946) era un agente inmobiliario de éxito, y Beatrice Lichtenstein (1896-1991), ama de casa, se había formado como pianista, y expuso a Roy y a su hermana Rénee a museos, conciertos y otros aspectos de la cultura neoyorquina. Roy mostró aptitudes artísticas y musicales desde muy pronto: dibujaba, pintaba y esculpía de adolescente, y pasaba muchas horas en el Museo Americano de Historia Natural y en el Museo de Arte Moderno. Tocaba el piano y el clarinete, y desarrolló un amor perdurable por el jazz, frecuentando los locales nocturnos de Midtown para escucharlo.
Lichtenstein asistió a la Franklin School for Boys, una escuela privada de secundaria y bachillerato, y se graduó en 1940. Ese verano estudió pintura y dibujo a partir del modelo en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York con Reginald Marsh. En septiembre ingresó en la Universidad Estatal de Ohio (OSU), en Columbus, en la Facultad de Educación. Sus primeros ídolos artísticos fueron Rembrandt, Daumier y Picasso, y a menudo decía que el Guernica (1937; Museo Reina Sofía, Madrid), entonces en préstamo a largo plazo al Museo de Arte Moderno, era su cuadro favorito. Incluso cuando era estudiante, Lichtenstein se oponía a la idea de que un conjunto de líneas (los dibujos de una persona) "se considerara brillante, y el de otra persona, que a ti te podía parecer mejor, fuera considerado nada por casi todo el mundo".i El cuestionamiento de Lichtenstein de los cánones del gusto aceptados fue alentado por Hoyt L. Sherman, un profesor que, según él, fue la persona que le enseñó a ver y cuyo enfoque del arte, basado en la percepción, dio forma al suyo propio.
En febrero de 1943, Lichtenstein fue llamado a filas, y en 1945 lo enviaron a Europa. Como parte de la infantería, entró en acción en Francia, Bélgica y Alemania. Hizo bocetos durante toda su estancia en Europa y, una vez declarada la paz, se propuso estudiar en la Sorbona. Lichtenstein llegó a París en octubre de 1945 y se matriculó en clases de lengua y civilización francesas, pero pronto supo que su padre estaba gravemente enfermo. Regresó a Nueva York en enero de 1946, unas semanas antes de que Milton Lichtenstein muriera. En la primavera de ese año, Lichtenstein volvió a la OSU para completar su licenciatura y en otoño le invitaron a unirse a la facultad como instructor. En junio de 1949 se casó con Isabel Wilson Sarisky (1921-1980), que trabajaba en una galería de arte cooperativa de Cleveland donde Lichtenstein había expuesto su obra. Mientras enseñaba, Lichtenstein trabajaba en su máster, que obtuvo en 1949. Durante su segunda estancia en la OSU, Lichtenstein se acercó más a Sherman, y empezó a enseñarle su método sobre cómo organizar y unificar una composición. Lichtenstein seguía apreciando el impacto que Sherman había tenido en él. Dio a su primer hijo el segundo nombre de "Hoyt", y en 1994 donó fondos para dotar el Centro de Arte Hoyt L. Sherman Studio de la OSU.
A finales de los años 40 y principios de los 50, Lichtenstein empezó a trabajar en series y su iconografía se basaba en imágenes impresas. Su primer tema sostenido, pinturas y grabados intimistas en la línea de Paul Klee que se burlaban líricamente de caballeros, castillos y doncellas medievales, bien pudo inspirarse en un libro sobre el Tapiz de Bayeux. Entonces, Lichtenstein se fijó irónicamente en las pinturas de género americanas del siglo XIX que veía en los libros de historia, creando interpretaciones cubistas de indios y vaqueros aderezadas con un capricho falsamente primitivo.
Al igual que con sus pinturas Pop más célebres de la década de 1960, Lichtenstein gravitaba hacia lo que él caracterizaría como el elemento visual "más tonto" o "peor" que pudiera encontrar y luego pasaba a alterarlo o mejorarlo. En la década de 1960, el mundo del arte consideraba despreciable el arte comercial; a principios de la década de 1950, con el auge del Expresionismo Abstracto, las pinturas narrativas y de género estadounidenses del siglo XIX estaban en el nadir de su reputación entre críticos y coleccionistas. La paráfrasis, en particular la paráfrasis de imágenes despreciadas, se convirtió en una característica primordial del arte de Lichtenstein. Mucho antes de encontrar su modo de expresión característico en 1961, Lichtenstein llamó la atención sobre el artificio de las convenciones y el gusto que impregnaban el arte y la sociedad. Lo que otros tachaban de trivial le fascinaba por clásico e idealizado -en sus palabras, "un tema mitológico puramente americano "ii.
El contrato docente de Lichtenstein en la OSU no se renovó para el curso académico 1951-52, y en otoño de 1951 él e Isabel se trasladaron a Cleveland. Isabel Lichtenstein se convirtió en decoradora de interiores especializada en diseño moderno, con una clientela formada por familias adineradas de Cleveland. Aunque su carrera floreció, Lichtenstein no siguió enseñando en la universidad. Tuvo una serie de trabajos a tiempo parcial, como delineante industrial, diseñador de muebles, escaparatista y dibujante de esferas mecánicas para una empresa de instrumentos eléctricos. En respuesta a estas experiencias, introdujo en sus pinturas y grabados motores, válvulas y otros elementos mecánicos extrañamente representados. En 1954 nació el primer hijo de los Lichtenstein, David; dos años más tarde nació su segundo hijo, Mitchell. A pesar de la relativa falta de interés por su obra en Cleveland, Lichtenstein colocó sus obras entre marchantes neoyorquinos, lo que siempre le importó enormemente. En 1951 expuso por primera vez en solitario en la Galería Carlebach de Nueva York, y de 1952 a 1957 estuvo representado en la Galería John Heller.
Para recuperar su carrera académica y acercarse a Nueva York, Lichtenstein aceptó un puesto de profesor adjunto en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego, al norte del estado. Fue contratado para enseñar diseño industrial, a partir de septiembre de 1957. Oswego resultó estar más aislada geográfica y estéticamente de lo que nunca lo estuvo Cleveland, pero el traslado fue propicio, tanto para su arte como para su carrera. Lichtenstein se apartó de la representación para adoptar un estilo plenamente abstracto, aplicando amplias franjas de pigmento al lienzo arrastrando la pintura por su superficie con un trapo envuelto en el brazo. Al mismo tiempo, Lichtenstein incrustaba figuras de personajes de cómic, como Mickey Mouse y el Pato Donald, en fondos bruscos y expresionistas. No se conserva ninguna de las pinturas proto-caricaturescas de este periodo, pero varios estudios a lápiz y pastel de la época, que conservó, documentan sus intenciones. Finalmente, cuando estaba en Oswego, Lichtenstein conoció a Reginald Neal, el nuevo director del departamento de arte del Douglass College, la facultad femenina de la Universidad Rutgers, en New Brunswick, Nueva Jersey. La escuela estaba reforzando y ampliando su programa de estudios artísticos, y cuando Neal necesitó añadir un miembro del profesorado a su departamento, invitó a Lichtenstein a solicitar el puesto. A Lichtenstein le ofrecieron el puesto de profesor adjunto, y empezó a enseñar en Douglass en septiembre de 1960.
En Douglass, Lichtenstein se vio inmerso en una vorágine de efervescencia artística. Con los museos y galerías de Nueva York a una hora de distancia, y sus colegas Geoffrey Hendricks y Robert Watts en Douglass y Allan Kaprow y George Segal en Rutgers, el entorno no podía sino galvanizarle. En junio de 1961, Lichtenstein retomó la idea con la que había jugueteado en Oswego, que consistía en combinar personajes de cómic con fondos abstractos. Pero, como dijo Lichtenstein, "se me ocurrió imitar el estilo de los dibujos animados sin la textura de la pintura, la línea caligráfica, la modulación... todo lo que implica el expresionismo".iii Lo más famoso es que Lichtenstein se apropió de los puntos Benday, los diminutos patrones mecánicos utilizados en el grabado comercial, para transmitir textura y gradaciones de color, un lenguaje estilístico sinónimo de su temática. Los puntos se convirtieron en una marca comercial identificada para siempre con Lichtenstein y el Arte Pop. Puede que Lichtenstein no calibrara inmediatamente la profundidad de su avance, pero se dio cuenta de que el efecto plano y la presentación inexpresiva del panel de cómic ampliado y reorganizado con la influencia de Sherman "era mucho más convincente "iv que la abstracción gestual que había estado practicando.
Entre los primeros cuadros que se conservan de esta nueva modalidad, basados en tiras cómicas e ilustraciones de anuncios, están Popeye y Mira Mickey, a los que siguieron rápidamente El anillo de compromiso, Niña con pelota y Lata con pata. Kaprow reconoció la energía y el radicalismo de estos lienzos y consiguió que Lichtenstein se los mostrara a Ivan Karp, director de la Galería Leo Castelli. Castelli era el principal marchante de arte contemporáneo de Nueva York, y había organizado exposiciones históricas de Jasper Johns y Robert Rauschenberg en 1958, y de Frank Stella en 1960. Karp se sintió inmediatamente atraído por las pinturas de Lichtenstein, pero Castelli tardó más en tomar una decisión, en parte debido a las raíces plebeyas de las pinturas en el arte comercial, pero también porque, sin que Lichtenstein lo supiera, otros dos artistas habían llamado recientemente su atención -Andy Warhol y James Rosenquist- y Castelli sólo estaba preparado para uno de ellos. Tras algunas deliberaciones, Castelli eligió representar a Lichtenstein, y la primera exposición de los cuadros de cómic se celebró en la galería del 10 de febrero al 3 de marzo de 1962. La exposición se agotó y dio notoriedad a Lichtenstein. Cuando Lichtenstein celebró su segunda exposición individual en Castelli, en septiembre de 1963, su obra ya se había expuesto en museos y galerías de todo el país. Se le solía agrupar con Johns, Rauschenberg, Warhol, Rosenquist, Segal, Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Indiana y Tom Wesselmann. En conjunto, su obra se consideró una bofetada al Expresionismo Abstracto y, de hecho, los artistas Pop desviaron la atención de muchos miembros de la Escuela de Nueva York.
Con la llegada del éxito crítico y comercial, Lichtenstein introdujo cambios significativos en su vida y siguió investigando nuevas posibilidades en su arte. Tras separarse de su esposa, se trasladó de Nueva Jersey a Manhattan en 1963; en 1964, renunció a su puesto de profesor en Douglass para concentrarse exclusivamente en su obra. El artista también se aventuró más allá de los temas del cómic, ensayando pinturas basadas en óleos de Cézanne, Mondrian y Picasso, así como bodegones y paisajes.
Lichtenstein se convirtió en un prolífico grabador y se adentró en la escultura, que no había intentado desde mediados de la década de 1950, y en sus obras bidimensionales y tridimensionales empleó multitud de materiales industriales o "no artísticos", y diseñó objetos editados en serie que resultaban menos caros que las pinturas y esculturas tradicionales. Participando en uno de esos proyectos -la exposición American Supermarket de 1964 en la Galería Paul Bianchini, para la que diseñó una bolsa de la compra-, Lichtenstein conoció a Dorothy Herzka (nacida en 1939), empleada de la galería, con la que se casó en 1968. A finales de la década de 1960 también se produjeron las primeras retrospectivas de Lichtenstein en museos: en 1967, el Pasadena Art Museum inició una retrospectiva itinerante; en 1968, el Stedelijk Musem de Ámsterdam presentó su primera retrospectiva europea, y en 1969 tuvo su primera retrospectiva en Nueva York, en el Solomon R. Guggenheim Museum.
Deseoso de crecer, Lichtenstein se apartó de los temas de cómic que le habían dado fama. A finales de la década de 1960, su obra se volvió menos narrativa y más abstracta, mientras seguía meditando sobre la naturaleza de la propia empresa artística. Comenzó a explorar y deconstruir la noción de pincelada, los componentes básicos de la pintura occidental. Las pinceladas se conciben convencionalmente como vehículos de expresión, pero Lichtenstein las convirtió en un tema. Los artistas modernos suelen sostener que el tema de un cuadro es la propia pintura. Lichtenstein llevó esta idea un imaginativo paso más allá: un elemento compositivo podía servir como tema de una obra y hacer que ese bromuro sonara a verdad.
La búsqueda de nuevas formas y fuentes fue aún más intensa a partir de 1970, cuando Roy y Dorothy Lichtenstein compraron una propiedad en Southampton, Nueva York, y la convirtieron en su residencia principal. Durante la fértil década de 1970, Lichtenstein investigó un aspecto de la percepción que no había dejado de preocuparle: la facilidad con que lo irreal se valida como real porque los espectadores han aceptado tantas concepciones visuales que no analizan lo que ven. En la serie Espejo, se ocupó de la luz y la sombra sobre el cristal, y en la serie Entablature, consideró los mismos fenómenos abstrayendo elementos arquitectónicos de Beaux-Art como cornisas, dentiles, capiteles y columnas. Del mismo modo, Lichtenstein creó una escultura pionera de bronce pintado que subvertía la tridimensionalidad y permanencia convencionales del medio. Las formas de bronce eran lo más planas y delgadas posible, más relacionadas con la línea que con el volumen, y retrataban las sensaciones más fugitivas: rizos de vapor, rayos de luz y reflejos en el cristal. El vapor, los reflejos y la sombra eran signos por sí mismos que cualquier espectador reconocería inmediatamente como tales.
Toda otra panoplia de obras producidas durante la década de 1970 fueron complejos encuentros con el cubismo, el futurismo, el purismo, el surrealismo y el expresionismo. Lichtenstein amplió su paleta más allá del rojo, el azul, el amarillo, el negro, el blanco y el verde, e inventó y combinó formas. No se limitaba a aislar imágenes encontradas, sino que las yuxtaponía, superponía, fragmentaba y recomponía. En palabras del historiador del arte Jack Cowart, las virtuosas composiciones de Lichtenstein eran "un rico diálogo de formas, todas ellas modificadas intuitivamente y liberadas de sus fuentes nominales".v A principios de la década de 1980, que coincidió con el restablecimiento de un estudio en Nueva York, Lichtenstein se encontraba también en la cúspide de una ajetreada carrera mural. En los años sesenta y setenta había realizado cuatro murales; entre 1983 y 1990 creó cinco. También realizó importantes encargos de esculturas públicas en Miami Beach, Columbus, Minneapolis, París, Barcelona y Singapur.
Lichtenstein creó tres grandes series en la década de 1990, cada una de ellas emblemática de su continuo interés por resolver problemas pictóricos. Los Interiores, lienzos de tamaño mural inspirados en un minúsculo anuncio de una guía telefónica italiana, ahondan de nuevo en las ambigüedades perceptivas de los reflejos de ventanas y espejos. Los Desnudos retoman el tema de las mujeres en modo cómico-romántico, que Lichtenstein había introducido en la década de 1960 y amplificado en exuberantes escenas playeras de inspiración surrealista en la década de 1970. Como en los Interiores, se citan ampliamente elementos de lienzos anteriores, el mobiliario del mundo pintado de Lichtenstein. También utilizó la serie para investigar la mezcla de claroscuro (que ideó con puntos y sombreado) con zonas planas de color. Este efecto llegó a su punto álgido en sus Paisajes chinos, el último encuentro de Lichtenstein con una tradición artística monumental, y uno de los más sutiles. Las configuraciones de tierra, agua, montañas y aire que aparecen en las pinturas y pergaminos de la dinastía Song se simulan mediante campos de puntos graduados que se desplazan suavemente. Ninguno de los habituales contornos negros de Lichtenstein define las formas monocromáticas, lo que realza la cualidad contemplativa y abstracta de la serie.
4 por 5 pulgadas (anverso de la tarjeta)
4,5 pulgadas por 6,75 pulgadas hacia atrás (escritura)
- Creador:Roy Lichtenstein (1923 - 1997, Americana)
- Año de creación:1983
- Dimensiones:Altura: 37,47 cm (14,75 in)Anchura: 29,21 cm (11,5 in)Profundidad: 3,81 cm (1,5 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:Excelente estado; se envía enmarcado.
- Ubicación de la galería:New York, NY
- Número de referencia:1stDibs: LU1745216590032
Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein es una de las principales figuras del movimiento estadounidense Pop art, junto con Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg y Robert Rauschenberg.
Inspirándose en los cómics, Lichtenstein se apropió de técnicas de impresión comercial en sus pinturas , introduciendo una sensibilidad vernácula en el paisaje visual del arte contemporáneo . Empleó elementos visuales como los puntos de semitono que componen una imagen impresa, y un uso de colores primarios inspirado en los cómics dio a sus pinturas su característica paleta "Pop".
Nacido y criado en Nueva York, Lichtenstein disfrutó por igual de la innumerable oferta cultural de Manhattan y de los cómics. Empezó a pintar en serio cuando era adolescente, estudiando acuarela en la Parsons School of Design a finales de los años 30, y más tarde en la Art Students League, donde trabajó con el pintor realista estadounidense Reginald Marsh. Comenzó sus estudios universitarios en Ohio State University en 1940, y tras un período de tres años en el United States Army durante la Segunda Guerra Mundial, completó su licenciatura y luego su máster en Bellas Artes. Las raíces del interés de Lichtenstein por la convergencia del arte elevado y la cultura popular son evidentes incluso en sus primeros años en Cleveland, donde a finales de la década de 1940 dio clases en la Universidad Estatal de Ohio, diseñó escaparates para unos grandes almacenes y pintó sus propias obras.
Trabajando en el apogeo del movimiento expresionista abstracto en la década de 1950, Lichtenstein evitó deliberadamente el tipo de pintura que gozaba de gran estima en el mundo del arte y optó en cambio por explorar el mundo visual de la publicidad impresa y los cómics. Este gesto de recontextualizar una imagen de baja estofa importándola a un contexto de bellas artes se convertiría en una marca distintiva del estilo artístico de Lichtenstein, así como en un vehículo para su crítica del concepto de buen gusto. Su cuadro de 1963 Whaam! enfrenta al espectador a una escena de impacto de un número de la época de 1962 de All American Men of War de DC Comics. Aislada de su contexto más amplio, esta imagen combina la letra juguetona y la ilustración de vivos colores del cómic original con un mensaje más oscuro sobre el conflicto militar en plena Guerra Fría. Crying Girl del mismo año presentaba otro de los motivos de Lichtenstein: una mujer en apuros, representada con una mezcla de dramatismo y humor inexpresivo. Su obra se hizo más conocida al crear un mural inspirado en el cómic para el Pabellón del Estado de Nueva York de la Feria Mundial de 1964, pasó a ser representado por el legendario galerista neoyorquino Leo Castelli durante 30 años.
En las décadas de 1970 y 1980, Lichtenstein experimentó con la abstracción y empezó a explorar elementos básicos de la pintura, como en esta obra de 1989 Brushstroke Contest. Además de pinturas en las que la propia pincelada se convertía en el tema central, en 1984 creó una escultura a gran escala llamada Brushstrokes in Flight para el Aeropuerto Internacional de Port Columbus, en Ohio. Naturaleza muerta con molino de viento, de 1974, y el tríptico Cow Going Abstract, de 1982, muestran una ruptura con sus obras anteriores, en las que los temas procedían de imágenes ya existentes. Aquí, Lichtenstein pinta temas más acordes con las normas de la historia del arte -una escena pastoral y una naturaleza muerta-, pero ha trasladado sus composiciones a su característico estilo gráfico, en el que los elementos visuales del cómic impreso siguen siendo un rasgo definitorio.
La obra de Lichtenstein está representada en las colecciones del Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno, Tate Modern, y muchas otras. Recibió la Medalla Nacional de las Artes en 1995, dos años antes de fallecer.
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