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Harry BertoiaBertoia - Abstraction visionnaire du milieu du siècle, Uniquec. 1960
c. 1960
À propos de cet article
Harry Bertoia, Sans titre (Abstraction), monotype, c. 1960, une impression unique. Signé "HB" au crayon, dans le coin inférieur droit de la feuille, au verso. Inscrit "1852" (numéro d'inventaire de l'artiste) au crayon, dans le coin inférieur droit du feuillet, recto. Une superbe impression picturale, sur papier vélin crème du Japon, la feuille entière, en excellent état. Sans papier peint, sans cadre.
Format de la feuille 12 x 39 pouces (30 x 99 cm).
Provenance : Val Bertoia ; Collectional ; Rago Auctions, Lambertville, NJ.
Littérature : 'Harry Bertoia : Monoprints,' Nancy N. Schiffer, Schiffer Publishing LTD, 2011 ; pg. 253.
Cette œuvre est incluse dans la ressource numérique de la Fondation Harry Bertoia, Harry Bertoia Catalogue Raisonné, numéro TD.MO.1584.
À PROPOS DE L'ARTISTE
Harry Bertoia (1915-1978) était un artiste, sculpteur et designer visionnaire italo-américain. Né à San Lorenzo, en Italie, Bertoia a immigré aux États-Unis avec sa famille à l'âge de quinze ans et s'est installé à Détroit, dans le Michigan.
Dès son plus jeune âge, Bertoia manifeste un vif intérêt pour l'art et le design. Il étudie la peinture et le dessin à la Cass Technical High School de Détroit. Plus tard, il a fréquenté la Cranbrook Academy of Art à Bloomfield Hills, dans le Michigan, où il a étudié avec les célèbres designers Eliel Saarinen et Charles Eames. C'est à Cranbrook que Bertoia a commencé à explorer les possibilités offertes par le travail du métal, un médium qui allait définir sa carrière artistique.
Dans les années 1940, Bertoia s'est installé en Californie pour travailler avec Charles et Ray Eames, contribuant au développement de meubles innovants en contreplaqué moulé. Cependant, son expérimentation de la sculpture sur fil métallique l'a finalement propulsé sur le devant de la scène internationale. Les sculptures emblématiques "Sonambient" de Bertoia, composées de délicates tiges métalliques disposées selon diverses configurations, créaient des sons éthérés lorsqu'on les touchait ou les déplaçait, transformant l'acte de sculpture en une expérience multisensorielle.
Le talent et l'innovation de Bertoia ont attiré l'attention de Florence Knoll, fondatrice de Knoll Associates, une société leader dans la conception de meubles. En 1950, Bertoia a commencé à collaborer avec Knoll, produisant une série de chaises emblématiques en fil de fer qui sont devenues emblématiques du design moderne du milieu du siècle. Sa "Diamond Chair", avec sa forme géométrique et sa construction aérienne, reste un classique du mobilier moderne.
Bertoia a continué à explorer la sculpture comme moyen d'expression artistique, en expérimentant de nouvelles formes et de nouveaux matériaux. Son travail se caractérisait par l'organicisme et la fluidité, avec des formes évoquant des phénomènes naturels tels que les vagues, les feuilles et les nuages.
Une décennie avant que Harry Bertoia ne commence à créer des sculptures tridimensionnelles, il a consacré ses efforts créatifs à la production de gravures expérimentales à l'Académie de Cranbrook à Bloomfield Hills, dans le Michigan, poursuivant une passion qui perdurera jusqu'à la fin de sa vie. Dans ces œuvres spontanées, il travaille de manière intuitive, en testant différents outils et techniques pour obtenir les effets souhaités. Plutôt que d'utiliser un procédé de pressage mécanique traditionnel, il appliquait l'encre sur une plaque de verre ou de Masonite lisse sur laquelle était posée une feuille de papier. Ensuite, des outils tels que des brosses, des brosses en poils de chien, des stylets et différentes parties de ses mains ont été utilisés pour dessiner ou "presser" les images au verso de la feuille. Le papier de riz était généralement utilisé en raison de sa nature semi-translucide, offrant à Bertoia une visibilité limitée des effets de son expérimentation, mais en fin de compte, la nature imprévisible du processus faisait partie intégrante des résultats, qui n'ont jamais cessé de l'enchanter. Chaque œuvre était une composition singulière avec une imagerie abstraite allant de compositions linéaires et structurelles à des formes surréalistes fantastiques en passant par des paysages tonaux poétiques. Il a reçu peu de contributions d'autres artistes, développant sa vision unique avec une rare pureté et une profonde résonance personnelle.
Dès sa première année de gravure en 1940, Bertoia a rapidement amassé une vaste collection d'œuvres uniques. Les compositions étaient fortement liées au mouvement non-objectif, qui, bien que populaire en Europe, en était encore à ses débuts aux États-Unis. Les partisans de cette nouvelle forme d'art étaient peu nombreux dans les années 1940, et c'est Hilla Rebay, alors directrice du musée Guggenheim d'art non objectif, qui a donné à Bertoia les encouragements et la promotion dont il avait besoin. En 1943, Bertoia envoie une centaine de monotypes à Rebay pour examen. Après avoir reçu les tirages, elle a répondu par une offre surprenante en proposant de les acheter tous. Rebay a ensuite commencé à les inclure dans les expositions du musée.
Les expositions du Guggenheim ont réussi à faire connaître le nom de Bertoia au monde entier. Il commence à exposer régulièrement ses œuvres à la Neierndorf Gallery de New York et reçoit une allocation pour assurer un approvisionnement régulier en estampes jusqu'à la mort de Karl Neierndorf en 1947. Dans les années 1950, la carrière de sculpteur de Bertoia décolle et les commandes affluent, mais malgré son emploi du temps de plus en plus chargé, il continue à travailler sur ses monotypes, ce qui constitue sa forme de détente préférée le soir. Ses gravures ont souvent inspiré des sculptures ultérieures, mais il a commencé à utiliser ce médium dans son studio pendant la journée pour répondre à des questions et à des idées concernant ses conceptions.
Il a continué à travailler de cette manière tout au long des années 1960 et, dans la mesure où sa santé le lui permettait, jusqu'à ses derniers jours. Les tirages étaient réalisés non seulement pour l'épanouissement personnel, mais aussi comme méthode d'archivage des œuvres achevées et d'authentification des commandes à remettre aux clients. À la fin de sa vie, l'ensemble des œuvres qu'il avait produites sur papier constituait un vaste registre de ses pensées et de ses idées tout au long de sa carrière - un journal profondément personnel qui alimentait une grande partie de ses autres œuvres et répondait aux rythmes de sa vie. Réticent à se séparer de ses tirages bien-aimés, la plupart d'entre eux sont restés dans son studio à domicile, dans un système d'ébénisterie sur mesure, jusqu'à sa mort.
Tout au long de sa carrière, Bertoia a reçu des distinctions pour ses contributions à l'art et au design, notamment la prestigieuse médaille de l'artisanat de l'American Institute of Architects en 1955. L'héritage de Bertoia en matière d'innovation et de créativité continue d'inspirer les artistes, les designers et les admirateurs de l'esthétique moderniste. Son travail de pionnier dans les domaines de la sculpture, du design de meubles et de la gravure a eu un impact profond et durable sur le monde de l'art et du design, lui assurant une place parmi les artistes les plus influents du 20e siècle.
L'œuvre de Bertoia est représentée dans de nombreuses collections de musées importants, notamment le Boulder Museum of Contemporary Art, le Brooklyn Museum of Art, le Cranbrook Art Museum, le Denver Art Museum, le Des Moines Art Center, le Detroit Institute of Arts, le Figge Art Museum, le High Museum of Art, le Huntington Museum of Art, l'Indianapolis Museum of Art, le Joslyn Art Museum, Kemper Museum of Contemporary Art, Memphis Brooks Museum of Art, Milwaukee Art Museum, Museum of Modern Art, National Gallery of Art, North Carolina Museum of Art, Philadelphia Museum of Art, Palm Springs Art Museum, San Francisco Museum of Modern Art, Smithsonian American Art Museum, Solomon Guggenheim Museum, Norton Museum of Art, Cornell University Herbert F. Johnson Museum of Art, Victoria and Albert Museum (Londres), Virginia Museum of Fine Arts, Walker Art Center et Whitney Museum of American Art.
- Créateur:Harry Bertoia (1915 - 1978, Américain, Italien)
- Année de création:c. 1960
- Dimensions:Hauteur : 30,48 cm (12 po)Largeur : 99,06 cm (39 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Myrtle Beach, SC
- Numéro de référence:Vendeur : 1042581stDibs : LU532313521002
Harry Bertoia
Sculpteur, designer de meubles et de bijoux, graphiste et métallurgiste, Harry Bertoia est l'un des grands spécialistes de l'art et du design du XXe siècle et une figure centrale du modernisme américain du milieu du siècle. Parmi les aficionados du mobilier, Bertoia est connu pour ses chaises telles que la chaise en treillis métallique Diamond chair (et ses variantes telles que la chaise à dossier haut Bird chair) conçue pour Knoll Inc. et commercialisée pour la première fois en 1952.
Aussi qu'un artiste, il est Revere pour un style qui n'appartenait qu'à lui. Les sculptures métalliques de Bertoia sont tour à tour expressives et austères, puissantes et subtiles, intimes et monumentales. Tous incarnent une tension entre la complexité et la précision des formes de Bertoia et la force brute de ses matériaux : acier, laiton, bronze et cuivre.
La fortune semble guider le développement artistique de Bertoia. Né dans le nord-est de l'Italie, Bertoia a immigré aux États-Unis à l'âge de 15 ans, rejoignant un frère aîné à Détroit. Il a étudié le dessin et la métallurgie dans le cadre du programme pour étudiants doués de la Cass Technical High School. Cette reconnaissance se traduit par des prix qui aboutissent, en 1937, à une bourse d'enseignement à la Cranbrook Academy of Art dans la banlieue de Bloomfield Hills, l'un des grands creusets du modernisme en Amérique.
À Cranbrook, Bertoia a noué des amitiés - avec l'architecte Eero Saarinen, les designers Charles et Ray Eames et Florence Schust Knoll et d'autres - qui ont façonné le cours de sa vie. Il enseigne le travail des métaux à l'école et, lorsque le rationnement des matériaux pendant la Seconde Guerre mondiale limite la disponibilité des métaux, Bertoia se concentre sur la conception de bijoux. Il a également expérimenté la gravure monotype , et 19 de ses premiers travaux ont été achetés par le Guggenheim Museum.
En 1943, il quitte Cranbrook pour travailler en Californie avec les Eames, les aidant à mettre au point leurs meubles en contreplaqué désormais célèbres. (Vers la fin de cette décennie, Florence et Hans Knoll l'ont persuadé de s'installer dans l'Est et de rejoindre Knoll Inc. Ses chaises sont devenues et restent des best-sellers pérennes. Les royalties permettent à Bertoia de se consacrer à plein temps à la sculpture sur métal, un médium qu'il commence à explorer sérieusement en 1947.
Au début des années 1950, Bertoia reçoit des commandes d'architectes pour des œuvres de grande envergure - la première lui est passée par Saarinen - tandis qu'il affine son vocabulaire esthétique en deux axes distincts. L'une d'entre elles comprend ses "sculptures sonores" - des gongs et des groupes de tiges "Sonambient" qui frappent ensemble et carillonnent lorsqu'ils sont touchés par la main ou par le vent. L'autre genre englobe les œuvres naturalistes de Bertoia : des sculptures abstraites qui évoquent des buissons, des pétales de fleurs, des feuilles, des pissenlits ou des brins d'herbe.
Comme vous le verrez dans ces pages, Harry Bertoia était vraiment unique ; son art et ses conceptions manifestent une combinaison tout à fait singulière de délicatesse et de force.
Trouvez des sculptures vintage de Harry Bertoia , fauteuils, bancs et d'autres meubles et objets d'art sur 1stDibs.
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Par Gregory Amenoff
Gregory Amenoff (peintre abstrait américain contemporain, né en 1948),
Monotype Monoprint (1990)
Signature manuscrite au crayon en bas à droite
plaque : 16 x 16 pouces
dimensions du cadre : 35 1/8 x 29 1/8 x 1 5/8 pouces, cadre en bois avec vitrage
Provenance : Collectional de la banque BNP Paribas
Gregory Amenoff est un peintre qui vit à New York et dans le comté d'Ulster, dans l'État de New York. Il a reçu de nombreux prix d'organisations telles que l'American Academy of Arts and Letters, le National Endowment for the Arts, le New York State Council on the Arts et la Tiffany Foundation. Il a présenté plus de cinquante expositions personnelles de peinture dans des musées et des galeries à travers les États-Unis et l'Europe. Ses œuvres figurent dans les collections permanentes de plus de trente musées, dont le Whitney Museum of American Art, le Museum of Fine Arts de Boston, le Museum of Modern Art de New York et le Metropolitan Museum of Art. Son travail est influencé à la fois par l'expressionnisme abstrait et le Pop Art. Il s'agit de formes biomorphiques dans des teintes riches et des textures épaisses avec des couleurs exacerbées et formes abstraites et organiques, modernisme américain tardif. Installé à New York en 1979, l'artiste a été acclamé par la critique dans les années 1980 aux côtés de Terry Winters, Bill Jensen et Katherine Porter. L'artiste vit et travaille entre New York, NY et sa résidence de la vallée de l'Hudson.
Il a collaboré à l'illustration de Bradford Morrow, Bestiary avec Joe Andoe, James Brown, Vija Celmins, Louisa Chase, Eric Fischl, Jan Hashey, Michael Hurson, Mel Kendrick, James Nares, Ellen Phelan, Joel Shapiro,
Kiki Smith, David Storey, Michelle Stuart, Richard Tuttle, Trevor Winkfield, Robin Winters. Coupes de linoléum avec
pochoir et gravures sur bois pour Grenfell Press, New York. Amenoff a été président de la National Academy of Design de 2001 à 2005. Il est l'un des membres fondateurs du conseil d'administration de la CUE Art Foundation à New York, dont il est le conservateur-gouverneur. Amenoff enseigne depuis dix-huit ans à Columbia, où il est titulaire de la chaire Eve et Herman Gelman d'arts visuels et actuellement président de la division des arts visuels de l'école des arts. Il est actuellement vice-président de l'Académie nationale.
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