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Eugenie GershoySculpture moderniste d'une femme nue en bronze, WPA, artiste de l'hôtel Chelsea de New Yorkc.1940's
c.1940's
À propos de cet article
Eugenie Gershoy (1er janvier 1901 - 8 mai 1986) était une sculptrice et aquarelliste américaine. Eugénie Gershoy est née à Krivoy Rog, en Russie (Krivoi Rog, en Ukraine) et a émigré à New York City, aux États-Unis, alors qu'elle était enfant, en 1903. Considéré comme un enfant prodige, Gershoy copiait des dessins de vieux maîtres à l'âge de 5 ans. Son intérêt et son talent pour l'art ont été encouragés dès son plus jeune âge. Grâce à des bourses, elle étudie à l'Art Students League auprès d'Alexander Stirling Calder, Leo Lentelli, Kenneth Hayes Miller et Boardman Robinson. À la même époque, elle crée un groupe de figurines représentant ses collègues artistes, notamment Arnold Blanch, Lucile Blanch, Raphael Soyer, William Zorach, Concetta Scaravaglione et Emil Ganso, qui sont exposées en tant que groupe au Whitney Museum of American Art. À l'âge de 17 ans, elle a reçu la médaille de Saint-Gaudens pour ses talents de dessinatrice. Au début de sa carrière, elle est devenue un membre actif de la colonie artistique de Woodstock. À Woodstock, elle a expérimenté en sculptant dans la profusion de matériaux indigènes qu'elle a trouvés. Travaillant la pierre des champs, le chêne et le châtaignier, Gershoy a créé des œuvres basées sur des formules classiques. Au fur et à mesure qu'elle s'intéressait au dynamisme de la vie quotidienne, elle s'est aperçue que ces matériaux et son idiome étaient trop restrictifs. Lorsque Artistics est arrivé à Woodstock en 1921, son propre style artistique était déjà évident dans ses sculptures. Eugénie Gershoy travaille la pierre, le bronze, la terre cuite, le plâtre et le papier mâché. Les sculptures de Gershoy étaient principalement de nature figurative et nombre de ses pairs artistes, tels que Carl Walters, Raphael et Moses Soyer, William Zorach et Lucille Blanch, sont devenus ses sujets. Les œuvres sur papier d'Eugénie Gershoy ne doivent pas être négligées. Elle a remporté la médaille Gaudens pour les beaux dessins à l'âge de 17 ans. Harris a épousé l'artiste juif d'origine roumaine Harry Gottlieb. À la fin des années 1920 et au début des années 1930, le couple tient un studio à Woodstock, dans l'État de New York. Gershoy y a été influencé par le sculpteur John Flanagan, qui vivait et travaillait à proximité.
De 1936 à 1939, Feder a travaillé pour le Federal Art Project de la WPA. Elle a collaboré avec Max Spivak à la réalisation de peintures murales pour la salle de loisirs des enfants de la Queens Borough Public Library à Astoria, New York. Elle met au point un mélange de pâte de blé, de plâtre et de tempera à l'œuf, qu'elle utilise pour réaliser des sculptures polychromes en papier mâché ; elle est la seule sculptrice new-yorkaise à travailler en polychromie à cette époque. Elle a également conçu des sculptures d'animaux et de personnages en ciment et en mosaïque destinées à être placées dans les aires de jeux de la ville de New York. Avec d'autres personnes employées par le FAP, elle a participé à une grève sur le tas à Washington, DC, pour réclamer de meilleurs salaires et de meilleures conditions de travail pour les artistes du projet.
La première exposition personnelle de Gershoy a eu lieu à la Robinson Gallery de New York en 1940. Elle s'est installée à San Francisco en 1942 et a commencé à enseigner la céramique à la California School of Fine Arts en 1946. En 1950, elle étudie à la colonie d'artistes de Yaddo.
Mme Gershoy a beaucoup voyagé tout au long de sa vie. Elle a visité l'Angleterre et la France au début des années 1930 et a travaillé à Paris en 1951. Elle a voyagé au Mexique et au Guatemala à la fin des années 1940 et a également effectué une tournée en Afrique, en Inde et en Orient en 1955.
En 1977, Feder a dédié une sculpture à Audrey McMahon, qui a participé activement à la création du Federal Art Project et en a été la directrice régionale à New York, en reconnaissance du travail que McMahon a fourni aux artistes en difficulté dans les années 1930.
Les œuvres de Gershoy figurent dans les collections du Whitney Museum of American Art, du Metropolitan Museum of Art et du Smithsonian American Art Museum. Ses documents sont conservés à l'université de Syracuse Grant Arnold l'a initiée à la lithographie en 1930 et Gershoy a représenté de nombreuses scènes d'artistes de Woodstock et de leurs activités quotidiennes grâce à ce médium. De 1942 à 1966, Gershoy a vécu et peint à San Francisco, où elle a enseigné au San Francisco Art Institute. Elle a beaucoup voyagé, remplissant ses carnets de croquis de scènes du Mexique, de la France, de l'Espagne, de l'Afrique et de l'Inde. Pendant les dernières années de sa vie, Eugenie Gershoy est retournée à New York et s'est concentrée sur de nombreuses expositions bien accueillies. Sa dernière exposition à la Sid Deutsch Gallery comprenait un grand nombre des sculptures qui ont été exposées plus tard à la Fletcher Gallery.
John Russell, ancien critique en chef des beaux-arts du New York Times, écrit sur l'exposition Sid Deutsch de 1986 :
"Comme Eugenie Gershoy a remporté la médaille Saint-Gaudens pour la finesse de son dessin dès 1914 et que, depuis 1967, 15 portraits en papier mâché sont suspendus au plafond du hall de l'hôtel Chelsea, elle doit être classée parmi les vétérans de la scène new-yorkaise. Son exposition actuelle comprend non seulement les sculptures en papier mâché pleines d'entrain pour lesquelles elle est surtout connue, mais aussi un groupe de petits portraits d'artistes, datant pour la plupart des années 30, qui est fortement évocateur."
Eugénie Gershoy est une artiste à suivre pour plusieurs raisons. C'est une femme qui a reçu de grands prix et une grande reconnaissance à une époque où la plupart des artistes féminines luttaient pour s'imposer face à leurs homologues masculins. Jeune fille, elle a obtenu une bourse pour l'Arts Student League, où elle a rencontré Hannah Small, qui l'a incitée à commencer à sculpter et qui est devenue son amie de toujours. Ces deux femmes se sont fait un nom, de leur vivant et par la suite. Gershoy a été l'un des premiers résidents de la Maverick Art Coloni à Woodstock, dans l'État de New York. Elle a ainsi accès à un vaste réseau d'artistes maîtres de leur art, comme Arnold et Lucile Harris, Helen et Carl Walters et Harry Gottlieb, qui deviendra son mari. Gershoy a documenté la vie au Maverick et son buste en plâtre de Hervey White, cofondateur de la première colonie d'artistes de Woodstock et seul fondateur du Maverick, fait partie de la collection permanente de l'association des artistes de Woodstock.
Eugenie Gershoy est représentée dans presque toutes les grandes collections, notamment au Whitney Museum of American Art, au Metropolitan Museum of Art, au National Museum of American Art, au Syracuse Museum of American Art, au Delgado Museum of Art, au Skidmore College of Fine Art.
Elle a participé à de nombreuses expositions, notamment dans des galeries de premier plan à New York, San Francisco et la Nouvelle-Orléans, ainsi qu'à l'exposition la plus célèbre après sa mort, "Fantasy and Imagination in Sculpture", au Smithsonian Institute de Washington DC.
Feders a participé au projet d'art fédéral du WPA, a enseigné dans de nombreuses écoles et à l'Institut d'art de San Francisco, a reçu la bourse d'art pour l'Europe et a été un artiste résident de l'hôtel Chelsea.
- Créateur:Eugenie Gershoy (1901 - 1986, Russie)
- Année de création:c.1940's
- Dimensions:Hauteur : 20,32 cm (8 po)Largeur : 10,16 cm (4 po)Profondeur : 10,16 cm (4 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:bon. usure mineure.
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38213883692
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Harmony, c. C. C.
Bronze avec base en marbre vert
Signature incisée sur la partie supérieure droite de la base
14 x 9 x 5 pouces, sans la base
17 x 10 x 8 pouces, y compris la base
Né en Pologne le 1er mars 1891, le sculpteur figuratif Max Kalish est arrivé aux États-Unis en 1894, sa famille s'installant dans l'Ohio. Jeune homme talentueux, Kalish s'inscrit à l'Institut d'art de Cleveland à l'âge de 15 ans et reçoit un premier prix pour le modelage de la figure lors de ses études avec Herman Matzen. Après avoir obtenu son diplôme, Kalish se rend à New York, où il étudie avec Isidore Konti et Herbert Adams pendant les deux années suivantes.
En 1912, Kalish étudie avec Paul Bartlett à l'Académie Colarossi à Paris, en France. En 1913, il poursuit ses études avec Jean Antoine Injalbert à l'Ecole des Beaux-Arts. Le soutien financier de son frère, de sa famille et de ses amis a permis à Kalish de se rendre en Europe. Mais l'argent vient à manquer et, bien que Kalish expose deux portraits-bustes au Salon de Paris de 1913, il est contraint de retourner en Amérique, où il travaille sur la Colonne du progrès pour l'Exposition de Panama-Pacifique de 1915, à San Francisco, en Californie, avec son ancien professeur, Isidore Konti.
De retour à Cleveland, il travaille sur des commandes de portraits de deux sénateurs des États-Unis et du maire. Dans l'armée en 1916, Kalish a sculpté une série de figures de soldats en bronze, grandeur nature. En 1920, il est de retour à Paris, où il commencera à passer la moitié de l'année. En 1921, il sculpte son premier ouvrier, "The Stoker", genre pour lequel il sera le plus connu, en utilisant comme modèle un ouvrier des hauts-fourneaux de Cleveland. À Paris, en 1922, les sculptures d'ouvriers de l'artiste belge Constantine Meunier (1831-1905) ont cimenté le désir de Kalish de sculpter des travailleurs. Kalish a remporté le premier prix pour quatre sculptures - trois ouvriers - en 1925 lors de l'exposition des artistes et artisans de Cleveland, dont l'une, un torse nu en marbre, a été acquise par le Cleveland Museum of Art. Ce prix et cet achat ont accéléré la carrière de Kalish. En 1928, la ville de Cleveland lui commande une sculpture en bronze de 12 pieds de haut représentant Abraham Lincoln prononçant le discours de Gettysburg. Elle se trouve aujourd'hui devant l'entrée ouest du Conseil de l'éducation, sur la 6e rue Est.
Vivant et travaillant à New York en 1932, il est élu associé de la National Academy of Design en 1933. Il est ensuite devenu membre de la National Sculpture Society. Au début de la Seconde Guerre mondiale, Kalish a été chargé par le Musée d'histoire américaine de sculpter 48 figures en bronze - grandeur nature - de personnes participant à l'effort de guerre, dont le président Roosevelt, son cabinet et d'autres personnalités importantes. Il a vécu jusqu'à l'achèvement de l'œuvre, bien qu'atteint d'un cancer dont il est mort le 18 mars 1945 à New York. La sculpture de Max Kalish a été incluse dans l'exposition de 1997 à Berkeley, Californie, "When Artists Became Workers : The People's Art Movement of the '30s and '40s", au Judah L. Magnes Museum.
Parmi les ouvrages consacrés à la vie et à l'œuvre de Max Kalish, citons The Sculpture of Max Kalish (1933) de Lawson Lewis, Labor Sculpture...
Catégorie
années 1930, Modernisme américain, Sculptures - Figuratif
Matériaux
Marbre, Bronze
Nu marchant, début du 20e siècle Sculpture en bronze, Cleveland School Artist
Par Max Kalish
Max Kalish (américain, 1891-1945)
Nu marchant, 1930
Bronze
Signé et daté sur la base
17 x 9 x 4 pouces
Né en Pologne le 1er mars 1891, le sculpteur figuratif Max Kalish est arrivé aux États-Unis en 1894, sa famille s'installant dans l'Ohio. Jeune homme talentueux, Kalish s'inscrit à l'Institut d'art de Cleveland à l'âge de 15 ans et reçoit un premier prix pour le modelage de la figure lors de ses études avec Herman Matzen. Après avoir obtenu son diplôme, Kalish se rend à New York, où il étudie avec Isidore Konti et Herbert Adams pendant les deux années suivantes.
En 1912, Kalish étudie avec Paul Bartlett à l'Académie Colarossi à Paris, en France. En 1913, il poursuit ses études avec Jean Antoine Injalbert à l'Ecole des Beaux-Arts. Le soutien financier de son frère, de sa famille et de ses amis a permis à Kalish de se rendre en Europe. Mais l'argent vient à manquer et, bien que Kalish expose deux portraits-bustes au Salon de Paris de 1913, il est contraint de retourner en Amérique, où il travaille sur la Colonne du progrès pour l'Exposition de Panama-Pacifique de 1915, à San Francisco, en Californie, avec son ancien professeur, Isidore Konti.
De retour à Cleveland, il travaille sur des commandes de portraits de deux sénateurs des États-Unis et du maire. Dans l'armée en 1916, Kalish a sculpté une série de figures de soldats en bronze, grandeur nature. En 1920, il est de retour à Paris, où il commencera à passer la moitié de l'année. En 1921, il sculpte son premier ouvrier, "The Stoker", genre pour lequel il sera le plus connu, en utilisant comme modèle un ouvrier des hauts-fourneaux de Cleveland. À Paris, en 1922, les sculptures d'ouvriers de l'artiste belge Constantine Meunier (1831-1905) ont cimenté le désir de Kalish de sculpter des travailleurs. Kalish a remporté le premier prix pour quatre sculptures - trois ouvriers - en 1925 lors de l'exposition des artistes et artisans de Cleveland, dont l'une, un torse nu en marbre, a été acquise par le Cleveland Museum of Art. Ce prix et cet achat ont accéléré la carrière de Kalish. En 1928, la ville de Cleveland lui commande une sculpture en bronze de 12 pieds de haut représentant Abraham Lincoln prononçant le discours de Gettysburg. Elle se trouve aujourd'hui devant l'entrée ouest du Conseil de l'éducation, sur la 6e rue Est.
Vivant et travaillant à New York en 1932, il est élu associé de la National Academy of Design en 1933. Il est ensuite devenu membre de la National Sculpture Society. Au début de la Seconde Guerre mondiale, Kalish a été chargé par le Musée d'histoire américaine de sculpter 48 figures en bronze - grandeur nature - de personnes participant à l'effort de guerre, dont le président Roosevelt, son cabinet et d'autres personnalités importantes. Il a vécu jusqu'à l'achèvement de l'œuvre, bien qu'atteint d'un cancer dont il est mort le 18 mars 1945 à New York. La sculpture de Max Kalish a été incluse dans l'exposition de 1997 à Berkeley, Californie, "When Artists Became Workers : The People's Art Movement of the '30s and '40s", au Judah L. Magnes Museum.
Parmi les ouvrages consacrés à la vie et à l'œuvre de Max Kalish, citons The Sculpture of Max Kalish (1933) de Lawson Lewis, Labor Sculpture...
Catégorie
années 1930, Modernisme américain, Sculptures - Figuratif
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Bronze
