Idoline Herzogin Kunst

Eine seltene und ausdrucksstarke Originalzeichnung des dänischen Künstlers Asger Jorn, 1942 mit Tusche auf Papier angefertigt. Das Werk mit dem Titel „Fantasy Animals“ bietet einen f...

Zwei Gouache-Arbeiten auf Papier von Andrew Bucci, unten mit Bleistift signiert

Ein einzigartiges, originelles Tuschegemälde auf Archivpapier. Das Kunstwerk ist mit einem schwarzen Kastenrahmen eingefasst und auf der Rückwand schwebend und erhöht angebracht. Die...

Dies ist ein zeitgenössisches abstraktes Aquarell des Künstlers David Ruth. Diese Gemäldeserie zeichnet sich oft durch leuchtende Farben und lebendige Layouts aus, die den Betrachter...

Fesselnde weibliche Feder- und Tuschezeichnung des Künstlers und Architekten Reiner Keller (Schweizer/Amerikaner, 1926-2024), datiert 2012 Diese Aktzeichnung ist ruhig und ausdruckss...

Ein seltener Walter Anderson von Zebras im Audubon-Zoo in New Orleans. CIRCA 1940 bis 1950. Einer von zwei. Beide haben einen leicht verbrannten Rand, als er versuchte, seine Arbeit ...

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 1881 – Mougins, 1973). „Die Akrobaten“. c. 1905 Tusche auf Papier 23 x 31 cm (55 x 62,5 cm). In der linken unteren Ecke signiert mit „Picasso“. Provenienz: - Daniel-Henry Kahnweiler, um 1912 vom Künstler erworben - Galerie Kahnweiler, Paris, Frankreich, Nr. 1743. Zertifikat inklusive. - Hotel Drouot, Zimmer 11. Freitag, 4. März 1932. Los 100. - Mekler Gallery, Inc., Los Angeles, USA - Privatsammlung, Beverly Hills, USA. Um 1975 von der oben genannten Stelle erworben. Veröffentlichungen: - Hotel Drouot. Saal Nr. 11. Gemälde, Pastelle, Aquarelle, moderne Zeichnungen. Auktionator Bellier, Alphonse (1886–1980), Sachverständiger Cailac, Jean. Freitag, 4. März 1932. Los 100: „Au Ciruqe. Aus der Feder des Autors, signiert. Auf der Rückseite ein Stempel der Galerie Kahnweiler, Nr. 1743. H. 23 cm, L. 31 cm." Bibliographie: - COWLING, E. Picasso: Stil und Bedeutung. Phaidon. 2002. - EARENFIGHT, P.J. Picasso und der Zirkus: Das Paris der Jahrhundertwende und die „Suite des Saltimbanques“. Die Trout Gallery. 2011. - EVANS, D. Picasso: Leben und Kunst. Harper-Collins. 1993. - PALAU I FABRE, J. Picasso, ca. 1881–1907. Kindheit und frühe Jugend des Demiurgen. Polygraph. 2017. - PHILLIPS, M. „Mehrdeutigkeit prägte Picassos Sicht auf den Zirkus“, Humanities, Band 41, Nr. 4, Herbst 2020. Beschreibung: Während seiner gesamten Laufbahn, insbesondere aber in der Mitte des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts, war Picasso fasziniert von den Möglichkeiten des menschlichen Körpers in Bewegung. Er nutzte den Akrobaten so, wie Degas die Ballerina genutzt hatte, um die Architektur der menschlichen Figur sowie die Mechanismen des Gleichgewichts und der wirkenden dynamischen Kräfte zu verstehen. In dieser Zeichnung aus dem Jahr 1905 arbeitet der Künstler mit flotten Pinselstrichen, die sich durch eine meisterhafte Darstellung von Anatomie und Bewegung auszeichnen. Es handelt sich um ein schnell entstandenes Werk, das der Künstler wahrscheinlich nach dem Leben während eines seiner Besuche im Cirque Médrano geschaffen hat. Picasso untersucht dieselbe Figur in drei verschiedenen, aufeinanderfolgenden Posen, ohne dabei auf die formale Ausdruckskraft oder die dramatische Verzerrung zu setzen, die er von El Greco gelernt hatte und die in seinen unmittelbar vorangegangenen Werken durchgängig waren. Was ihn derzeit interessiert, ist, den Körper in Bewegung zu verstehen und gleichzeitig einen bestimmten Moment einzufangen, der eine ganze komplexe Handlung auf den Punkt bringt. Daher schenkt er dem Bühnenbild, den Kostümen oder der Farbgebung keine Beachtung, sondern konzentriert sich stattdessen auf die Linie, um seine formale Untersuchung – seine Analyse der Anatomie in Bewegung und der Ausdruckskraft des Körpers – zu konkretisieren. Die nur angedeuteten Gesichtszüge und die Kleidung, die sogar weggelassen wird, weil sie uninteressant ist, sind typische Merkmale in Picassos Studien zu Akrobaten aus diesen Jahren. Der Akrobat steht auf den Zehenspitzen und balanciert auf einem Bein, während er seinen Körper neigt, um nicht zu fallen, und seine Arme ausstreckt oder hebt, um sich zur nächsten Bewegung anzutreiben. Im Vergleich zu anderen zeitgenössischen Darstellungen lässt sich die Figur als Akrobat zu Pferd identifizieren, der auf seinem Pferd balanciert, die Zügel in der einen Hand und die Peitsche in der anderen. Picassos prägnante und präzise Linienführung bildet die Anatomie und ihre Spannung nach und spiegelt dabei das Gewicht des Körpers sowie die Bewegungsrichtung wider, ohne dabei die natürliche Eleganz seines Modells außer Acht zu lassen. Diese Darstellung der Schönheit des trainierten Körpers in Bewegung hat das hier untersuchte Werk mit einer anderen Zeichnung aus demselben Jahr gemeinsam, die in Philadelphia aufbewahrt wird und in diesem Fall eine Akrobatin zeigt, die ihre Luftakrobatik in einen Tanz zu verwandeln scheint. Das Jahr 1905 war für den jungen Picasso von entscheidender Bedeutung, der mit gerade einmal vierundzwanzig Jahren an einem Wendepunkt seiner Karriere stand, nachdem er sich kurz zuvor in Paris niedergelassen hatte. Zwischen 1901 und 1904 entwickelte er seine „Blaue Periode“, die von einer Farbpalette geprägt war, die von Blau bis Violett reichte und einen tragischen und düsteren Charakter hatte. Es waren Jahre, die von der Trauer geprägt waren, die Picasso nach dem Tod seines Freundes Carlos Casagemas empfand, der sich am 17. Februar 1901 in einem Café erschossen hatte, nachdem er das Ziel verfehlt hatte, das eigentlich für die Frau bestimmt war, die ihn zurückgewiesen hatte: Germaine Gargallo. Die Trauer des Künstlers schlug sich in einer allegorischen Schaffensphase voller emotionaler und psychologischer Intensität nieder, deren Werke formal durch die Vereinfachung von Volumen und Konturen, die manieristische Verlängerung der Figuren und vor allem durch die Einsamkeit ihrer Motive gekennzeichnet waren, die Picasso isoliert in vagen Umgebungen darstellte. Seine Ankunft in Paris im Frühjahr 1904 sollte die Entdeckung neuer intellektueller und künstlerischer Einflüsse mit sich bringen – neue Impulse, die den Beginn seiner künstlerischen Reife prägen sollten. Im Spätherbst 1904 begann Picassos sogenannte „Rosa Periode“, eine Schaffensphase, die bis 1906 andauern sollte. Die auffälligste Veränderung betraf die Farbgebung, da warme Farbtöne – vor allem Rosa und Ocker – die früheren kalten und dramatischen Blautöne ablösten. Picasso nutzte diese neue Farbpalette, um Themen zu behandeln, die sich von den Randfiguren der Blauen Periode unterschieden. Nun widmet er sich der Welt des Zirkus und der Figur der Frau – Motive, die er mit großer Lebendigkeit und einer neuen, ausgesprochen plastischen Herangehensweise einfängt, wobei formale Experimente absolut im Vordergrund stehen und das symbolistische Erbe des 19. Jahrhunderts hinter sich gelassen wird. Picasso behält die monochrome Tendenz bei, jedoch mit einem rosafarbenen Ton, der an die Farbe von Keramik, Haut und der Erde selbst erinnert. Damit schafft er Stimmungen von ätherischer Traurigkeit, in denen die Melancholie seiner früheren „Blauen Periode“ noch immer mitschwingt, die nun jedoch von einem unverkennbar liebevollen Ton geprägt ist. Es ist eine Zeit der neuen Lyrik, warmer Töne und pudriger Farben, weicher und zarter Linien, in der der Schwerpunkt eher auf Linie und Zeichnung als auf Farbe liegt. Dieses neue Thema, diese neue Farbpalette und diese neue Ausdrucksweise fallen mit dem Eintritt von Picassos erster großer Liebe, dem Modell und der Künstlerin Fernande Olivier (1881–1966), in sein Leben zusammen. Ihre Beziehung begann im August 1904, doch das Gesicht seiner neuen Geliebten tauchte erst im Frühjahr des folgenden Jahres in seinen Werken auf und wurde zu einem festen Bestandteil in den Jahren des formalen und ästhetischen Experimentierens, die schließlich zur Entstehung des Kubismus führten. Am 25. Februar 1905 stellte Picasso seine ersten Werke aus der „Rosenperiode“ im Rahmen einer bedeutenden Ausstellung in der Galerie Seurrier in Paris vor. Diese Ausstellung brachte ihm den größten Erfolg seit seiner Ausstellung von 1901 in der Galerie Vollard ein und bot ihm zudem die Gelegenheit, den Dichter, Dramatiker und Kunsttheoretiker Guillaume Apollinaire (1880–1918) kennenzulernen, mit dem ihn fortan eine enge Freundschaft verband, die auf einer tiefen intellektuellen und künstlerischen Verbundenheit beruhte. Er teilte Apollinaires Interesse an der Welt des Zirkus; beide interessierten sich für die Figur des entwurzelten, umherziehenden Zirkusartisten als Symbol für die Situation des Künstlers in der modernen Gesellschaft. Picasso brachte diese Identifikation in dem großen Meisterwerk dieser Schaffensphase zum Ausdruck, „Die Akrobatenfamilie“, das im Herbst 1905 fertiggestellt wurde. Laut ihrem gemeinsamen Freund, dem Schriftsteller André Salmon, stellte Picasso sich in diesem Gemälde selbst als Harlekin dar, während er Apollinaire in der Rolle des Kraftmenschen porträtierte. Picassos Faszination für die Zirkuswelt hatte viel mit dem Cirque Médrano zu tun, einem fest ansässigen Pariser Zirkus am Rande von Montmartre, ganz in der Nähe seines Ateliers, den er nach seiner Ankunft in der Stadt regelmäßig besuchte. Erfreut über das Interesse, das ihr Zirkus in der Künstlergemeinde des Viertels weckte, gestatteten die Besitzer des Cirque Médrano den Malern, ihre Vorstellungen kostenlos zu besuchen und dort sogar während der Proben zu arbeiten. Zweifellos schuf Picasso dort zwischen 1904 und 1905 seine zahlreichen Federzeichnungen von Akrobaten und Zirkusartisten, die es ihm ermöglichten, sein Verständnis der menschlichen Anatomie in Bewegung zu vertiefen. Aus dem Jahr 1905 sind mehrere Zeichnungen aus Paris bekannt, in denen Picasso Zirkusartisten...

Ruhige weibliche Figur mit Feder und Tinte des Künstlers und Architekten Reiner Keller (Schweizer/Amerikaner, 1926-2024), datiert 2014. Die Figur sitzt bequem auf einer Decke und hat...

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