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Brice MardenPoster von Brice Mardens Studio (handsigniert von Brice Marden) Nan Goldin Foto1996
1996
Angaben zum Objekt
Das Studio von Brice Marden
Offsetlithografie-Poster (handsigniert von Brice Marden im Jahr 2015)
Dieser Druck wurde anlässlich der Ausstellung von Brice Marden 1996 in der Matthew Marks Gallery in Chelsea, New York City, veröffentlicht. Das Bild basiert auf einer Fotografie von Nan Goldin aus dem Jahr 1995, die Marden bei der Arbeit in seinem Studio zeigt. Der Druck wurde von Brice Marden für den heutigen Besitzer signiert.
Ein handsigniertes Sammlerstück!
Über Brice Marden:
Letztendlich benutze ich das Bild als Resonanzboden für den Geist. . . . Man kann malen und sich an einen Ort begeben, an dem die Gedanken aufhören - wo man einfach nur sein kann und es einfach herauskommt. . . . Ich stelle es als eine offene Situation dar und nicht als eine geschlossene Situation.
-Brice Marden
Brice Marden (1938-2023) hat die Traditionen der lyrischen Abstraktion kontinuierlich verfeinert und erweitert. Indem er mit selbst auferlegten Regeln, Grenzen und Prozessen experimentierte und sich von seinen ausgedehnten Reisen inspirieren ließ, verband Marden die diagrammatischen Formulierungen des Minimalismus, die Unmittelbarkeit des Abstrakten Expressionismus und die intuitive Geste der Kalligrafie in seiner Erforschung von Geste, Linie und Farbe.
Der in Bronxville, New York, geborene Marden erhielt einen MFA an der School of Art and Architecture der Yale University, wo er unter anderem die Maler Alex Katz und Jon Schueler unterrichtete. Nach seinem Abschluss arbeitete er als Wachmann im Jüdischen Museum in New York. Anlässlich einer Retrospektive von Jasper Johns im Jahr 1964 studierte Marden die frühen Werke von Johns eingehend und setzte sie in Beziehung zu den von ihm seit langem bewunderten Barockmeistern wie Francisco de Zurbarán, Francisco Goya und Diego Velázquez. Zu Mardens Gemälden aus den 1960er Jahren gehören subtile, schimmernde Monochrome in Grautönen, die manchmal zu mehrteiligen Werken zusammengesetzt sind, ähnlich wie die Black Paintings und White Paintings von Robert Rauschenberg, der Marden 1966 als Studioassistent einstellte.
Eine Reise nach Griechenland in den frühen 1970er Jahren veranlasste Marden, die Gemälde Hydra (1972), die die türkisfarbenen Töne des Mittelmeers einfangen, und Thira (1979-80) zu schaffen, ein Gemälde, das aus achtzehn miteinander verbundenen Tafeln besteht und von den Schatten und der Geometrie antiker Tempel inspiriert ist. Um die Wirkung der einzelnen Farben, Flächen und Pinselstriche zu verstärken, entwickelte Marden ein einzigartiges Verfahren, bei dem er Ölfarbe mit Bienenwachs und Terpentin versetzte und die Mischung in vielen dünnen Schichten auftrug. Marden nutzte diese Technik für die Gemälde der Grove Group (1972-76), die 1991 in der Madison Avenue Gallery von Gagosian in New York zusammen mit verwandten Werken ausgestellt wurden, und für die Red Yellow Blue Paintings (1973-74), fünf Permutationen des primären Trios, die 2013 zum ersten Mal seit ihrer Entstehung bei Gagosian, 980 Madison Avenue, New York, vereint wurden.
In den 1980er Jahren begann Marden, organische, sich kreuzende Linien zu verwenden und rhythmische Muster über Farbfeldern zu schaffen. Bei der Erkundung dieser verschlungenen Linien experimentierte er mit Leerraum, Auslöschung und Verweisen auf die natürliche Welt. Er versuchte, durch die Schaffung schwer fassbarer abstrakter Räume eine mystische Erfahrung zu schaffen. Da sich seine zahlreichen Themen und Techniken überschneiden, fasst Marden sie in zusammenhängenden, oft mehrteiligen Werken zusammen, die er als seine "Summationsbilder" bezeichnet hat. Dazu gehört The Propitious Garden of Plane Image, Third Version (2000-06), das sich in der Sammlung des Museum of Modern Art in New York befindet, wo er 2006 seine erste umfassende Retrospektive hatte.
In seinen späteren Jahren setzte Marden seine Erforschung der Qualitäten der Monochromie fort. Diese Beschäftigung mit gedeckten Farben prägte seine kalligrafischen Zeichnungen und Arbeiten auf Leinwand, wie die Nevis Stele-Gemälde (2007-15), die von chinesischen Steinmetzarbeiten aus dem späten achten Jahrhundert inspiriert sind. Im Jahr 2017 richtete er seinen Blick auf die weitreichenden Möglichkeiten von terre verte (grüne Erde), einem Pigment aus Eisensilikat-Ton, das er erstmals in der Grove Group verwendete. In diesen Gemälden kommen viele verschiedene Sorten von Terre verte zum Einsatz, jede eine Variation des undefinierbaren Farbtons. Marden verdünnte seine langsam trocknende Farbe und trug sie nach und nach in vielen aufeinanderfolgenden Schichten auf die Leinwand auf, wobei er am unteren Rand jeder Leinwand einen sichtbaren Rückstand des Malprozesses hinterließ.
Mit freundlicher Genehmigung der Gagosian Gallery
Über Nan Goldin:
Die Kamera gehört zu meinem Alltag wie das Reden, das Essen oder der Sex.
-Nan Goldin
Ausgehend vom Leben und den Beziehungen der Künstlerin, die sich selbst zum Thema macht, hat Nan Goldin mit ihrem Werk die Rolle der Fotografie in der zeitgenössischen Kunst verändert. Ihre Fotografien und Bewegtbildarbeiten behandeln wesentliche Themen wie Identität, Liebe, Sexualität, Sucht und Sterblichkeit. Goldin, die Kunst und Aktivismus vereint, hat sich seit den 1980er Jahren mit der HIV/AIDS-Epidemie auseinandergesetzt und macht heute international auf die Überdosis-Krise aufmerksam.
Goldin wurde 1953 in Washington, DC, geboren und wuchs in der Nähe von Boston auf. Im Alter von vierzehn Jahren verließ sie ihr Elternhaus und besuchte mit sechzehn Jahren die Satya Community School in Lincoln, Massachusetts, wo sie ihre erste Kamera erwarb. Goldins frühe Schwarz-Weiß-Fotografien, die die Schönheit, Verletzlichkeit und Freude ihrer Freunde aus der Bostoner Transgender-Community zeigen, wurden erstmals 1973 in ihrer ersten Einzelausstellung bei Project, Inc. in Cambridge, Massachusetts, gezeigt. Ab 1974 besuchte sie die School of the Museum of Fine Arts in Boston und begann, hauptsächlich mit Cibachrome-Abzügen und 35-mm-Dias zu arbeiten, wobei sie Fotos in gesättigten Farben machte.
Als sie 1978 nach New York zog, begann Goldin, Mitglieder ihrer Wahlfamilie in einem Milieu von New Wave Clubs, No Wave Kino und Post-Stonewall Gay Culture zu dokumentieren. Indem sie Momente des Vergnügens und der Freundschaft, der Intimität und des Verlustes festhielt, nannte sie dieses Werk The Ballad of Sexual Dependency (Ballade der sexuellen Abhängigkeit) nach einem Lied aus der Dreigroschenoper (1928) von Kurt Weill und Bertolt Brecht. In ständiger Weiterentwicklung wurde daraus eine Multimedia-Präsentation mit fast siebenhundert Dias, die von einem eklektischen Soundtrack begleitet wurde. Zunächst in Nachtclubs projiziert, wurde es 1980 in die Times Square Show, 1985 in die Whitney Biennale und in zahllose andere Museumsausstellungen in aller Welt aufgenommen. Es wurde 1986 von Aperture als erstes von Goldins zahlreichen Büchern veröffentlicht und wurde kürzlich zum einundzwanzigsten Mal neu aufgelegt.
Unerschrocken dokumentiert Goldin den Kampf und den Mut, mit dem ihre Gemeinde auf die verheerende AIDS-Epidemie reagierte. Im Jahr 1989 organisierte sie Witnesses: Against Our Vanishing im New Yorker Artists Space, die erste Ausstellung, die Werke von Künstlern zeigte, die mit AIDS lebten oder daran gestorben waren, oder deren Kunst auf die Krankheit reagierte, darunter David Armstrong, Peter Hujar, Greer Lankton und David Wojnarowicz.
In den letzten Jahren hat sich Goldin in ihren Werken, die sich mit Spiritualität und Sterblichkeit auseinandersetzen, auf natürliches Licht, den Himmel und die Landschaft konzentriert. Ihre Porträts zeigen Fotografien von Einzelpersonen und Paaren, Kindern und Familien, die über einen längeren Zeitraum aufgenommen wurden; andere Serien zeigen leere Räume mit spürbaren Spuren menschlicher Anwesenheit. Goldins Fotografien werden als projizierte Bilder, großformatige Raster aus mehreren Abzügen, Einzeldrucke und Bücher präsentiert und stehen in einer narrativen Abfolge mit thematischen Beziehungen zueinander.
I'll Be Your Mirror, eine Retrospektive von Goldins Werk in der Mitte ihrer Karriere, wurde 1996 vom Whitney Museum of American Art, New York, organisiert und wanderte durch Europa. In Collaboration mit Edmund Coulthard drehte Goldin 1996 den Dokumentarfilm I'll Be Your Mirror, der eine autobiografische Erkundung ihres Werks und Interviews mit ihren engen Freunden und Subjekten enthält. Im Jahr 2001 folgte die Retrospektive Le Feu Follet, die im Centre Pompidou, Paris, eröffnet wurde und auf zahlreichen Reisen zu sehen war.
Im Jahr 2010 gab das Musée du Louvre, Paris, Scopophilia in Auftrag und gewährte Goldin Zugang zu dessen Sammlung, die sie mit Fotografien aus ihrer gesamten Laufbahn kombinierte, um die Fließfähigkeit der Geschlechter und die Beständigkeit des Begehrens zu erkunden. Die jüngste Diashow Memory Lost (2019-21), die von der Komponistin Mica Levi mit zusätzlicher Musik von CJ Calderwood und Soundwalk Collective vertont wurde, erzählt eine eindringliche und emotionale Geschichte, die aus Ausschnitten aus ihrem Archiv mit Tausenden von Dias besteht.
Im Jahr 2017 gründete Goldin P.A.I.N. (Prescription Addiction Intervention Now) als Reaktion auf die Überdosis-Krise. Die Gruppe führt direkte öffentliche Aktionen durch, um Big Pharma zur Rechenschaft zu ziehen und die Komplizenschaft von Institutionen aufzudecken, die solche Gelder annehmen. Diese Proteste haben dazu geführt, dass der Name Sackler aus dem British Museum, dem Solomon R. Guggenheim Museum, dem Musée du Louvre, dem Metropolitan Museum of Art, den Serpentine Galleries, der Tate und anderen Museen und Universitäten entfernt wurde. P.A.I.N. fördert lebensrettende Behandlungen für Drogenkonsumenten und setzt sich für eine öffentliche Politik der Schadensbegrenzung ein.
This Will Not End Well, eine Retrospektive, die sich auf Goldins Diashows und Videoinstallationen konzentriert, wurde 2022 vom Moderna Museet, Stockholm, organisiert und wird in das Stedelijk Museum Amsterdam, die Neue Nationalgalerie, Berlin, und den Pirelli HangarBicocca, Mailand, reisen, bevor sie in die Vereinigten Staaten kommt. All the Beauty and the Bloodshed (2022), ein Film unter der Regie von Laura Poitras, an dem Goldin mitgearbeitet hat, verwebt Erzählungen über das Leben, die Arbeit und den Aktivismus der Künstlerin. Er wurde bei den 79. Internationalen Filmfestspielen von Venedig mit dem Goldenen Löwen und bei den 38. Independent Spirit Awards mit dem Preis für den besten Dokumentarfilm ausgezeichnet und gewann die Preise der Filmkritikervereinigung für den besten Dokumentarfilm in New York, London, Los Angeles und Toronto. Der Film wurde bei den BAFTA-Filmpreisen und bei den 95. Academy Awards für den besten Dokumentarfilm nominiert.
Mit freundlicher Genehmigung der Gagosian Gallery
- Schöpfer*in:Brice Marden (1938, Amerikanisch)
- Entstehungsjahr:1996
- Maße:Höhe: 26,67 cm (10,5 in)Breite: 43,18 cm (17 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:New York, NY
- Referenznummer:1stDibs: LU1745214019762
Brice Marden
Der gefeierte amerikanische Künstler Brice Marden hat jahrzehntelang im abstrakten Modus gearbeitet. Er schuf üppige, monochromatische, mehrteilige Gemälde und Notizbücher voller faszinierender Zeichnungen, die von der Lyrik der Kalligrafie durchdrungen sind. Er galt als Meister des Minimalismus.
"Letztlich benutze ich das Gemälde als Resonanzboden für den Geist", sagte Marden einmal. "Man kann malen und sich an einen Ort begeben, an dem das Denken aufhört - wo man einfach sein kann und es einfach herauskommt."
Marden erhielt 1961 seinen BFA von Boston University College of Fine Arts und 1963 seinen MFA von Yale University's School of Art. Danach zog der aus Bronxville, New York, stammende Mann zurück nach New York City. Dort lernte er die Arbeiten von Jasper Johns kennen, während er als Wachmann im Jüdischen Museum arbeitete, und später die Kunst von Robert Rauschenberg, als er Rauschenbergs Studioassistent wurde.
Abgesehen von diesen ikonischen Künstlern und der Bewegung Abstrakter Expressionismus waren Mardens Inspirationen zahlreich und breit gefächert: Reisen zu den Hydra-Inseln in Griechenland seit den frühen 1970er Jahren (er hatte dort ein Haus), Barocke Meister wie Francisco Goya und chinesische Steinschnitzereien aus dem späten achten Jahrhundert. Jeder dieser Einflüsse führte zu einem Meilenstein in Mardens Karriere, sei es, dass er eine verehrte Gemäldeserie schuf oder eine neue Technik oder einen neuen Ansatz in eine Praxis einbrachte, die sich bereits seit Jahren weiterentwickelt hatte.
Marden ist auch dafür bekannt, dass er mit den Werkzeugen experimentierte, die er zum Malen seiner Netzwerke aus bunten, rhythmischen Linien verwendete. Manchmal ersetzte er die Pinsel durch Stöcke, deren Enden er in Tinte tauchte und so Kunstwerke schuf, die an chinesische Kalligrafie erinnern. In seiner Anfangszeit war Marden auch dafür bekannt, dass er mit Küchenspateln malte. Seine Hingabe an Geste und Linie war das Herzstück seiner Praxis.
Mardens Werke befinden sich in den Sammlungen der Tate Britain, des Art Institute of Chicago, der National Gallery of Art in Washington, D.C., und anderer Institutionen.
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