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UnknownIm Stil von Henry Moore, Mutter und Kind im Schaukelstuhlc.1950er Jahre
c.1950er Jahre
1.923,78 €
Angaben zum Objekt
Dies ist eine Metallguss-Skulptur einer Frau mit Kind, Mutter und Baby in einem Schaukelstuhl. Es hat eine Patina auf einem weißen Metall. Ich bin nicht sicher, ob es Stahl oder Aluminium ist. Es ist eine ältere Vintage-Stück und hat Verschleiß an Patina, wo es sitzt und schaukelt auf dem Tisch. Sie ist weder signiert noch nummeriert, und es gibt keine Gießereimarke. Daher wird es als ein Werk nach oder in der Art von Henry Moore verkauft.
Henry Spencer Moore (1898 - 1986)
Moore wurde in Castleford als Sohn eines Bergarbeiters geboren. Er wurde durch seine in Marmor gehauenen und abstrakten Bronzeguss-Skulpturen in größerem Maßstab bekannt und war maßgeblich an der Einführung einer besonderen Form des Modernismus im Vereinigten Königreich beteiligt. Später stiftete er die Henry Moore Foundation, die weiterhin die Bildung und die Förderung der Künste unterstützt.
Nach dem Ersten Weltkrieg erhielt Moore ein Stipendium für ehemalige Soldaten, um seine Ausbildung fortzusetzen. 1919 wurde er Student an der Leeds School of Art (heute Leeds College of Art), die eigens für ihn ein Studio für Bildhauerei einrichtete. An der Hochschule lernte er Barbara Hepworth kennen, eine Kommilitonin, die ebenfalls eine bekannte britische Bildhauerin werden sollte, und es begann eine Freundschaft und leichte berufliche Rivalität, die viele Jahre andauerte. In Leeds hatte Moore auch Zugang zu den modernistischen Werken in der Sammlung von Sir Michael Sadler, dem Vizekanzler der Universität, was sich stark auf seine Entwicklung auswirkte. 1921 erhielt Moore ein Stipendium für ein Studium am Royal College of Art in London, zusammen mit Hepworth und anderen Zeitgenossen aus Yorkshire. Während seines Aufenthalts in London vertiefte Moore sein Wissen über primitive Kunst und Skulptur und studierte die ethnografischen Sammlungen des Victoria and Albert Museum und des British Museum.
Moores Vertrautheit mit dem Primitivismus und der Einfluss von Bildhauern wie Constantin Brâncuși, Jacob Epstein, Henri Gaudier-Brzeska und Frank Dobson führten ihn zur Methode des direkten Schnitzens, bei der die Unvollkommenheiten des Materials und die von den Werkzeugen hinterlassenen Spuren Teil der fertigen Skulptur werden. Nachdem Moore geheiratet hatte, zog das Paar in ein Studio in Hampstead, 11a Parkhill Road NW3, und schloss sich einer kleinen Kolonie von Avantgarde-Künstlern an, die sich dort niederließen. Kurz darauf zogen Hepworth und ihr zweiter Ehemann Ben Nicholson in ein Studio um die Ecke von Moore, während Naum Gabo, Roland Penrose, Cecil Stephenson und der Kunstkritiker Herbert Read ebenfalls in der Gegend wohnten (Read bezeichnete die Gegend als "ein Nest der sanften Künstler"). Dies führte zu einer raschen gegenseitigen Befruchtung von Ideen, die Read veröffentlichte und so dazu beitrug, Moores Bekanntheitsgrad zu erhöhen. Das Gebiet war auch ein Zwischenstopp für viele geflüchtete Künstler, Architekten und Designer aus Kontinentaleuropa auf dem Weg nach Amerika, von denen einige später Werke bei Moore in Auftrag gaben.
Nach einer sechsjährigen Lehrtätigkeit am Royal College trat Moore 1932 eine Stelle als Leiter der Abteilung für Bildhauerei an der Chelsea School of Art an. In künstlerischer Hinsicht entwickelten Moore, Hepworth und andere Mitglieder der Seven and Five Society immer abstraktere Werke, teilweise beeinflusst durch ihre häufigen Reisen nach Paris und ihre Kontakte zu führenden progressiven Künstlern wie Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Arp und Alberto Giacometti. Moore liebäugelte mit dem Surrealismus und schloss sich 1933 der modernen Kunstbewegung "Unit One" von Paul Nash an. 1934 besuchte Moore Spanien; er besuchte die Höhle von Altamira (die er als "Königliche Akademie für Höhlenmalerei" bezeichnete), Madrid, Toledo und Pamplona. Moore besuchte zum ersten Mal Amerika, als im Museum of Modern Art in New York City eine retrospektive Ausstellung seiner Werke eröffnet wurde[28].
Vor dem Krieg war Moore von dem Pädagogen Henry Morris angesprochen worden, der mit seinem Konzept des Village College das Bildungswesen reformieren wollte. Morris hatte Walter Gropius als Architekten für sein zweites Village College in Impington bei Cambridge engagiert und wollte, dass Moore eine große öffentliche Skulptur für den Ort entwirft.
In den 1950er Jahren erhielt Moore zunehmend bedeutende Aufträge. Er stellte die Reclining Figure: Festival auf dem Festival of Britain 1951 aus und fertigte 1958 eine große Liegefigur aus Marmor für das UNESCO-Gebäude in Paris. Mit der zunehmenden Zahl öffentlicher Kunstwerke wuchs auch der Umfang von Moores Skulpturen beträchtlich, und er beschäftigte immer mehr Assistenten, die mit ihm in Much Hadham arbeiteten, darunter Anthony Caro und Richard Wentworth.
Moore schuf im Laufe seiner Karriere mindestens drei bedeutende Beispiele für architektonische Skulpturen. Trotz seiner selbst beschriebenen "extremen Vorbehalte" nahm er 1928 seinen ersten öffentlichen Auftrag für West Wind für das Londoner U-Bahn-Gebäude am Broadway 55 in London an und schloss sich damit der Firma von Jacob Epstein und Eric Gill an. In einer Einführungsrede in New York City anlässlich einer Ausstellung eines der bedeutendsten Bildhauer der Moderne, Alberto Giacometti, sprach Sartre vom "Anfang und Ende der Geschichte". Moores Vorstellung von England, das aus einer Belagerung unbesiegt hervorgeht, führte dazu, dass er sich auf Werke konzentrierte, die von Beständigkeit und Kontinuität geprägt sind.
Dennoch hatte Moore einen direkten Einfluss auf mehrere Generationen von Bildhauern mit britischem und internationalem Ruf. Zu den Künstlern, die Moores Bedeutung für ihr Werk anerkennen, gehören Sir Anthony Caro,[ Phillip King und Isaac Witkin, alle drei waren Assistenten von Moore. Andere Künstler, die von ihm beeinflusst wurden, sind Helaine Blumenfeld, Drago Marin Cherina, Lynn Chadwick, Eduardo Paolozzi, Bernard Meadows, Reg Butler, William Turnbull, Robert Adams, Kenneth Armitage und Geoffrey Clarke.
Moore schenkte der Tate Gallery im Jahr 1978 36 Bronze- und Marmorskulpturen sowie Zeichnungen, Maquetten und andere Werke. Er war beteiligt an das Programm "School Prints". Das kostspielige Unterfangen gipfelte 1949 in der prächtigen europäischen Serie, die durch die tragbaren Plastikplatten möglich wurde und in der neben Moore auch Matisse, Picasso, Leger, Dufy und Braque vertreten waren.
Am Ende seiner Karriere war Moore der erfolgreichste lebende Künstler der Welt bei Auktionen. Im Jahr 2012 wurde seine zwei Meter hohe Bronze Reclining Figure: Festival (1951) bei Christie's für die Rekordsumme von 19,1 Millionen Pfund verkauft, was ihn zum zweitteuersten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts nach Francis Bacon macht.
- Entstehungsjahr:c.1950er Jahre
- Maße:Höhe: 35,56 cm (14 in)Breite: 34,29 cm (13,5 in)Tiefe: 15,88 cm (6,25 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:guter zustand mit geringen altersbedingten abnutzungserscheinungen. einige abnutzungen an der patina, wo sie den tisch berührt.
- Galeriestandort:Surfside, FL
- Referenznummer:1stDibs: LU38213922102
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Abstrakte Neo-Dada-Skulptur: Assemblagen
Die abstrakte Bildhauerei hingegen nahm einen etwas anderen Verlauf. Statt sich auf ungegenständliche Themen zu konzentrieren, konzentrierte sie sich auf MATERIAL, woraus die Assemblage-Kunst entstand - eine Form der dreidimensionalen visuellen Kunst, die aus alltäglichen, angeblich vom Künstler "gefundenen" Gegenständen (objets trouves) besteht. Die in den 1950er und 1960er Jahren in Amerika populäre Assemblage schloss die Lücke zwischen Collage und Skulptur, während die Verwendung von kunstfremden Materialien - ein Merkmal der Neo-Dada-Kunst - die Verwendung von Massenprodukten in der Pop-Art vorwegnahm. Die Assemblage-Skulptur wird durch die Werke von Louise Nevelson (1899-1988), wie Mirror Image 1 (1969, Museum of Fine Arts, Houston), und von Jean Dubuffet (1901-85) und seinem Monument with Standing Beast (1960, James R. Thompson Center, Chicago) veranschaulicht. Eine wichtige Ausstellung im Museum of Modern Art in New York im Jahr 1961 mit dem Titel The Art of Assemblage (Die Kunst der Assemblage) verlieh diesem Idiom erheblichen Auftrieb.
Weitere Beispiele für die neodadaistische "Junk Art" sind Hudson River Landscape (1951, Whitney Museum of American Art) und Australia (1951, MoMA, NY), beide von David Smith (1906-1965); Untitled (Holz, Metallteile, Nägel) (1960, Museum of Modern Art NYC) von Jesus Rafael Soto (geb. 1923); und bestimmte "Kombinationen" von Robert Rauschenberg (1925-2008), wie First Landing Jump (aus: Gemälde, Stoff, Metall, Leder, elektrisches Gerät, Kabel, Ölfarbe, Karton) (1961, MoMA, NY). Untitled (industrial felt) (1967, Kunsthalle, Hamburg) von Robert Morris (geb. 1931) ist ein weiteres Beispiel für die Verwendung ungewöhnlicher Materialien in der Bildhauerei, ebenso wie das minimalistische Monument For Vladimir Tatlin (neon-lighting tubes) (1975, Musee National d'Art Moderne, Centre George Pompidou) von Dan Flavin (1933-96).
DADA verherrlichte auch die Nonsens-Kunst, und was ist absurder als eine Skulptur, die sich selbst vernichtet? Zweifellos war dies ein wichtiges Element in der Philosophie des Werks von Jean Tinguely (1925-91), dem unübertroffenen Meister der selbstzerstörenden Skulptur, als dessen Meisterwerk allgemein die Hommage an New York (1960, Museum of Modern Art, New York) gilt.
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