"Ostie" Gemälde, Öl auf Leinwand, „Ostia“, 1957

Charles Lapicque
"Ostie" Gemälde, Öl auf Leinwand, „Ostia“, 1957
1957

Name: "Ostie" Gemälde, Öl auf Leinwand, „Ostia“, 1957
Brand: Charles Lapicque
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LAPICQUE Charles, "Ostie" Öl auf Leinwand, 1957 Unten in der Mitte datiert und signiert, auf der Rückseite gegengezeichnet, betitelt und datiert. Herkunft : Private Sammlung Bibliographie: Bernard Balanci, "Lapicque, Werkverzeichnis der Gemälde und Skulpturen", Editions Mayer, Paris, 1972, dieses Originalwerk ist mit der Gemäldeserie zu vergleichen, die 1957 Ostia gewidmet wurde und mit den Nummern 363 bis 366 illustriert ist. CHARLES LAPICQUE (1898-1988) Charles Lapicque wurde 1898 in Theizé (Rhône) in einer Familie geboren, die sowohl die Künste als auch die Wissenschaften pflegte. Er war musikalisch und zeichnerisch begabt, machte 1921 seinen Abschluss an der École Centrale und arbeitete bis 1928 als Ingenieur, bevor er 1931 ein Labor an der Pariser Fakultät für Naturwissenschaften einrichtete, wo er Forschungen über die Wahrnehmung von Farben durchführte, die 1938 mit dem Titel eines Doktors der physikalischen Wissenschaften gekrönt wurden. So studiert er die Reaktionen des Auges vor einer intensiven Lichtquelle, die der Entstehung von Sternenbildern zugrunde liegt, die er in seinen Werken verwenden wird, und definiert eine Theorie der Staffelung von Farben im Raum, die die Regeln der Renaissance umstößt: "Ich hatte gezeigt, dass die klassische Regel, die von Vinci, die dafür plädiert, die Blautöne in die Ferne und die Rot-, Orange- und Gelbtöne in den Vordergrund zu stellen, falsch ist ein Unsinn; es ist sinnvoller und günstiger, das Gegenteil zu tun. "(In Rot und Blau in der Kunst, 1936) Um 1920 begann Charles Lapicque in der Bretagne, wo er seit seiner Kindheit jeden Sommer verbrachte, zu malen, zunächst als Motiv, dann in einem Atelier, das ihm sein Stiefvater Jean Perrin, Nobelpreisträger für Physik, 1927 bauen ließ; danach wandte er sich endgültig der Erinnerungsarbeit zu, in Übereinstimmung mit der Kunst der Musik, die er zutiefst liebte, und der Bergson'schen Erkenntnisphilosophie: "Es liegt an uns, der Wirklichkeit einen Anschein zu geben, den sie selbst nicht hat, eine Form, eine Gestalt (...)." Seine jugendliche Produktion offenbart sofort eine große Originalität, die zwischen Figuration und Abstraktion oszilliert, die manchmal ineinander übergehen: neben den synthetischen Gemälden mit ihrer vereinfachten Zeichnung und ihren flachen Farben entwirft er eine Hommage an Palestrina (1925), die aus einem vom Kubismus abgeleiteten, völlig abstrakten Raster besteht, das von einem Christus mit Dornen (1939) weitergeführt wird, nach einem Prinzip, das er nach 1939 im Einklang mit seinen optischen Entdeckungen entwickeln wird. Tatsächlich beginnt in den Kriegsjahren eine fast abstrakte Periode, die des engen blauen Rahmens, der auf gelbe bis rote Hintergründe aufgetragen wird und eine mehr oder weniger identifizierbare Welt offenbart (Jeanne d'Arc bei der Überquerung der Loire, 1940; Serie Rencontres, 1940-1945). Lapicque, der 1929 von der Galeristin Jeanne Bucherer ausgestellt wurde, gab 1943 seine wissenschaftliche Karriere auf, um sich ganz der Malerei zu widmen. Er setzte seine Arbeit fort, die 1946-1953 in Strukturen mit weißem Rahmen resultierte; ihre viel weicheren Linien führten ihn zum System der entweder schwarzes oder weißes Geflecht, das Bereiche reiner Farbe, meist in Volltonfarbe, umschließt. In Die Schlacht von Waterloo (1949) nutzt Lapicque noch immer die Optik - das Heranzoomen eines bestimmten Bereichs -, um Räume mit mehreren Perspektiven und dekomponierten Zeiten darzustellen. Dieses neue Interesse an der Lebendigkeit der Farbe entwickelt sich in der folgenden Periode, die man als extravagant oder barock bezeichnen kann (1954-1963): veranschaulicht insbesondere durch die Serien der bretonischen Lagunen und der Dämmerungs- oder Nachtansichten von Venedig im Licht. Sterne - die der Künstler selbst als "gewagte Bonbons" bezeichnet -, es beginnt mit dem Raoul-Dufy-Preis der Biennale von Venedig, der 1953 an den Künstler verliehen wird, der die Gelegenheit nutzt, seiner Leidenschaft für die Serenissima bis Juli 1956 freien Lauf zu lassen. Eine weitere Gemeinsamkeit mit seinem älteren Bruder ist der Ausdruck der Bewegung. Was 1949 mit der Schlacht von Waterloo und 1952 mit Dimanche aux regates begann, wurde ab 1964 zu einer Obsession, die sich in der Erkundung neuer Themen niederschlug, wie den verschiedenen Aufnahmen von Tennisspielern, die im Flug aufgenommen wurden (1965), den mythologischen Szenen und den Seestürmen. Diese schwindelerregenden Jahre gehen der letzten Periode des Künstlers voraus: Als er erwachsen wird, entdeckt er die Gelassenheit, die sich in einem Gemälde mit Acrylfarbe zeigt, das 1974 viel friedlicher war und am Ende seines Lebens sogar an eine kindliche Naivität grenzt. Sein gesamtes Werk umfasst eine erstaunliche Themenvielfalt, die auch durch seine Reisen (Rom 1957, Griechenland 1964, Holland 1974 ...) genährt wird, mit einer Vorliebe für das Meer, Felsen, Segelboote, Musik, Tennis, Pferde, wilde Tiere, aber auch für Geschichte und Mythologie, wie Ritter, Könige und alte Götter. Darüber hinaus setzt sie in völliger kreativer Freiheit eine Vielzahl von Stilen und Ausrichtungen ein. Er war einer der Pioniere der ungegenständlichen Kunst und hat damit Künstlern wie Manessier, Bazaine, Vieira da Silva, De Staël etc.etc. den Weg bereitet. - Charles Lapicque, ein Vertreter der neuen ungegenständlichen Pariser Schule der Nachkriegszeit, kehrte zur Figuration zurück, in einer "Neuinterpretation" des Erscheinungsbildes, auch wenn er sich immer wieder mit der Abstraktion anfreundete. "Die Zeichnung läuft nach der Farbe und die Farbe nach der Zeichnung." Als Erbe der Fauves spielt Charles Lapicque wie diese mit reinen Farben, deren Dissonanzen, verbunden mit einer völlig freien Gestaltung und einer überladenen Komposition in einem multiplen Raum, ihn zu einem Vorläufer der Neuen Figuration in all ihren Formen machen: der narrativen Figuration, die Anfang der 1960er Jahre in Frankreich entstand und insbesondere von Gérard Fromanger, Erró, Bernard Rancillac und Gérard Guyomard vertreten wurde; der freien Figuration, die Anfang der 1980er Jahre entstand und von Robert Combas, Hervé und Richard Di Rosa, Louis Jammes und François Boisrond geprägt wurde, und die wiederum das amerikanische Bad Painting eines Jean-Michel Basquiat oder eines Keith Haring beeinflusste, das bewusst vernachlässigt und expressionistisch war; Die "klassischen Sujets" von Lapicque konnten die kultivierte Malerei nähren, die Anfang der 1980er Jahre mit Jean-Michel Alberola, Patrice Giorda und Gérard Garouste aufkam, während die Gewalt ihrer Farben die Neuen Fauves vorwegnimmt. Deutsche und Österreicher wie Georg Baselitz und A.R. Penck. Auch der Einfluss von Lapicques schwarzem Geflecht auf die afrikanischen Gebilde von Jean-Michel Atlan scheint offensichtlich, ebenso wie der Weg, den die weißen Lapicque-Rahmen im 1962 erschienenen Zyklus Hourloupe von Jean Dubuffet eröffnen. Seine Werke befinden sich heute in mehreren öffentlichen französischen Sammlungen, insbesondere im Nationalen Museum für Moderne Kunst in Paris und im Museum der Schönen Künste in Dijon (Schenkung Granville), aber auch in Besançon, Grenoble und Nantes, sowie in Europa (Brüssel, Kopenhagen, Essen, München, Stuttgart) und in Nordamerika (New York, Ottawa, Toronto).

Schöpfer*in:
Charles Lapicque (1898 - 1988, Französisch)
Entstehungsjahr:
1957
Maße:
Höhe: 54 cm (21,26 in)Breite: 56 cm (22,05 in)Tiefe: 5 cm (1,97 in)
Medium:
Leinwand,Öl
Bewegung und Stil:
Abstrakter Expressionismus
Zeitalter:
Mittleres 20. Jahrhundert
Zustand:
Galeriestandort:
Paris, FR
Referenznummer:
1stDibs: LU131916284312

Nathalie Fontenoy
Nathalie Fontenoy, Französische Künstlerin, Gemälde auf Leinwand „Danse“, 2010

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