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David Hare
Abstraktes Gemälde „Cronus Dining (Nacht)“ aus Acryl und Tinte auf Karton von David Hare

Angaben zum Objekt

David Hare Cronus Dining (Nacht), 1971 Acryl, Tinte, Papiercollage auf Papier auf Karton 39 1/2 x 29 5/8 Zoll "Freiheit ist das, was wir wollen", erklärte David Hare 1965 kühn, fügte dann aber den Vorbehalt hinzu: "und das, wovor wir am meisten Angst haben." Niemand könnte David Hare vorwerfen, solche Angst zu haben. Ohne sich um die Urteile der Kritiker zu scheren, durchlief Hare die meisten wichtigen Kunstentwicklungen der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts in den Vereinigten Staaten. Er wechselte mehrmals das Medium; gerade als sein Ruhm als Bildhauer um 1960 seinen Höhepunkt erreicht hatte, ging er zur Malerei über. Dennoch blieb er dem Surrealismus noch lange verbunden, nachdem er von der offiziellen Seite nicht mehr geschätzt wurde. "Ich kann nicht ändern, was ich tue, um mich dem anzupassen, was mich populär machen würde", sagte er. "Nicht aus moralischen Gründen, sondern einfach, weil ich es nicht kann; ich bin nicht daran interessiert. Hare wurde 1917 in New York City geboren; seine Familie war sowohl wohlhabend als auch mit der Welt der modernen Kunst vertraut. Meredith (1870-1932), sein Vater, war ein prominenter Unternehmensanwalt. Seine Mutter Elizabeth Sage Goodwin (1878-1948) war eine Kunstsammlerin, die 1913 die Armory Show finanziell unterstützte und mit Künstlern wie Constantin Brancusi, Walt Kuhn und Marcel Duchamp befreundet war. In den 1920er Jahren zog die gesamte Familie nach Santa Fe, New Mexico, und später nach Colorado Springs, in der Hoffnung, dass der Wechsel der Höhenlage und des Klimas zur Heilung von Merediths Tuberkulose beitragen würde. In Colorado Springs gründete Elizabeth die Fountain Valley School, wo David nach dem Tod seines Vaters 1932 die High School besuchte. Im Westen der Vereinigten Staaten entwickelte Hare eine Faszination für Kachina-Puppen und andere Aspekte der Kultur der amerikanischen Ureinwohner, die zu einer wiederkehrenden Inspirationsquelle in seiner Karriere werden sollte. Nach der High School besuchte Hare kurz das Bard College (1936-37) in Annandale-on-Hudson. Da er nicht wusste, was er als Nächstes tun sollte, nutzte er die Kontakte seiner Mutter, um ein kommerzielles Fotostudio zu eröffnen, und begann, sich in der Farbfotografie zu versuchen, die damals noch eine Seltenheit war [Kodachrome wurde 1935 eingeführt]. Im Alter von 22 Jahren hatte Hare seine erste Einzelausstellung in der Walker Gallery in New York City; zu seinen 30 Farbfotografien gehörte auch ein Bild von Präsident Franklin Roosevelt. Als Fotograf experimentierte Hare mit einer automatistischen Technik namens "Heatage" (oder "geschmolzene Negative"), bei der er das Negativ erhitzte, um das Bild zu verzerren. Hare bezeichnete sie als "Antagonismen der Materie". Die Endprodukte waren in der Regel Abstraktionen, die in Richtung Surrealismus tendierten und den von Man Ray, Raoul Ubac und Wolfgang Paalen verwendeten Verfahren ähnelten. 1940 zog Hare nach Roxbury, CT, wo er sich mit benachbarten Künstlern wie Alexander Calder und Arshile Gorky sowie mit Yves Tanguy, der mit Hares Cousine Kay Sage verheiratet war, und dem Kunsthändler Julian Levy verbrüderte. Im selben Jahr erhielt Hare einen Auftrag des American Museum of Natural History zur Dokumentation der Pueblo-Indianer. Er reiste nach Santa Fe und machte mehrere Monate lang Porträtfotos von Mitgliedern der Stämme Hopi, Navajo und Zuni, die 1941 in Buchform veröffentlicht wurden. Der Zweite Weltkrieg stellte Hares Leben auf den Kopf. Er wurde zum Vermittler des künstlerischen und intellektuellen Austauschs zwischen amerikanischen Künstlern und den aus Europa geflohenen surrealistischen Emigranten. 1942 freundet sich Hare mit Andre Breton an, dem wichtigsten Theoretiker des Surrealismus. Als Breton eine Zeitschrift herausgeben wollte, um die Bewegung in den Vereinigten Staaten zu fördern, konnte er nicht als Herausgeber fungieren, weil er Ausländer war. Breton beauftragte Hare mit der Herausgabe der Zeitschrift VVV (Victory, Victory, Victory), die von Juni 1942 bis Februar 1944 in vier Ausgaben erschien (die zweite und dritte Ausgabe wurden in einem Band gedruckt). Jede Ausgabe von VVV befasste sich mit "Poesie, bildender Kunst, Anthropologie, Soziologie und Psychologie" und wurde von surrealistischen Künstlern wie Giorgio de Chirico, Roberto Matta und Yves Tanguy illustriert; Max Ernst und Marcel Duchamp fungierten als redaktionelle Berater. Auf Anregung von Jacqueline Lamba, der Frau von Andre Breton (der sich 1946 von Breton scheiden ließ und Hare heiratete), begann Hare mit der Bildhauerei. Seine ersten Skulpturen wurden von Alexander Calder inspiriert und bestanden aus Drahtgestellen, die er mit Ton oder Gips überzog. In vielen Fällen kombinierte Hare menschliche, tierische und mechanische Formen, um eigenartige Mischwesen zu schaffen. Seine symbolisch komplexen Arrangements abstrakter Formen machten ihn schnell zu einem der berühmtesten Bildhauer seiner Generation. Er stellte in führenden Galerien für moderne Kunst wie der Julian Levy Gallery, Peggy Guggenheim's Art of this Century, der Samuel Kootz Gallery und der Galerie Maeght in Paris aus. Peggy Guggenheim nannte ihn "den besten Bildhauer seit Giacometti, Calder und Moore". Eine Rezension im New Yorker von 1951 lobte Hare als "einen der Modernen, die sich weigern, die traditionellen Grenzen der Bildhauerei zu akzeptieren". Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs kehrten die meisten Surrealisten aus dem Exil nach Paris zurück und versuchten erfolglos, die Bewegung in Europa wiederzubeleben. In den Nachkriegsjahren zog Hare häufig zwischen New York und Paris hin und her und verkehrte weiterhin mit einflussreichen Künstlern und Denkern wie Arshile Gorki, Jean-Paul Sartre, Balthus, Isamu Noguchi, Mark Rothko und Pablo Picasso. In der Zwischenzeit gründete Hare zusammen mit Barnett Newman, William Baziotes, Mark Rothko und Robert Motherwell im Oktober 1948 die Subjects of the Artist School in der 35 East 8th Street. Die kurzlebige Schule hoffte, die Avantgarde-Kunst durch Vorträge von Künstlern wie Jean Arp, John Cage und Ad Reinhardt zu fördern, aber die Schule scheiterte finanziell und wurde 1949 geschlossen. Trotz des Scheiterns der Schule erwarb Hare als Mitglied der als New York School bekannten Künstlergeneration der 1950er Jahre einen internationalen Ruf. Hares Skulpturen aus der Blütezeit des abstrakten Expressionismus hatten einen etwas anderen Schwerpunkt als seine Werke der späten 1940er Jahre. Stahl und Bronze wurden zu seinen bevorzugten MATERIALEN, und er begann, ausrangierte Metallgegenstände wie alte Schaufeln, Rohrstücke und rostige Werkzeuge zu fantasievollen Formen zu kombinieren, die aus Träumen und Erinnerungen zu entspringen schienen. Mit Stahlstäben skizzierte er mehrdeutige Sonnenauf- und -untergänge in der Luft und hielt die Zyklen des Tages in Werken fest, die als "Himmelslandschaften" bekannt sind. Doch auch in dieser Zeit weigert er sich, in den Bann der absoluten Abstraktion zu geraten. "Ich bevorzuge das Figürliche", sagte er 1968, "weil ich mich mehr für die Kunst als Ergänzung zum Leben interessiere als für eine Sache, die für sich allein existiert". Er war stets der Meinung, dass Kunst einen Bezug zur physischen Welt haben sollte. Anfang der 1960er Jahre, auf dem Höhepunkt seines Ruhmes als Bildhauer, wagte der stets rastlose Hare den ungewöhnlichen Schritt, sich der Malerei zuzuwenden. Es war nicht so, dass ich das Interesse an der Bildhauerei verloren hätte", sagte er später, "aber ich war es leid, mich auf ein Objekt zu beschränken." Die zeitraubenden Aspekte des Schweißens und Gießens von Skulpturen frustrierten ihn. "Es gibt Dinge", sagte er, "die man in drei Dimensionen absolut nicht ausdrücken kann". Die Malerei war viel schneller und ein Medium, das gut geeignet war, mit dem ständigen Fluss von Hares Ideen Schritt zu halten. Hares Wahl der Themen für seine Gemälde war überraschend. In den 1960er und 1970er Jahren malte er häufig mythologische und legendäre Motive - wie Leda und der Schwan -, die die Surrealisten interessierten, weil sie ein Fenster zum universellen Bewusstsein zu bieten schienen. Diese Interessen hielt er mehr als 15 Jahre lang aufrecht, selbst als ein Großteil der Kunstwelt sich in andere Richtungen bewegte und der Surrealismus als überholte, elitäre, figurative Kunst abgetan wurde, die von "literarischen" Erzählungen durchdrungen war. Hare war besonders fasziniert von dem griechischen Mythos von Kronos, dem Titanen, der seinen Vater Uranus kastrierte und entthronte. Auch Kronos wurde gesagt, dass ihn eines seiner Kinder töten würde, und so versuchte er, sie alle zu essen. Doch Zeus entkam, wuchs heran und stürzte schließlich Kronus und sperrte ihn ein. Hare räumte ein: "Natürlich nehme ich mir bei diesem Mythos meine eigenen Freiheiten." Später sagte er, der Mythos sei einfach "ein Sprungbrett ... ein Symbol des Wachstums durch die Zeit". Fast ein Jahrzehnt lang war Hare besessen von Cronus, den er als "halb Mensch, halb Erde, halb Zeit" beschrieb. Der Höhepunkt dieser Arbeit war eine Einzelausstellung im Guggenheim Museum im Jahr 1977, die 18 Gemälde (viele davon in großem Maßstab), 10 Zeichnungen und 5 Skulpturen umfasste, die an Cronus erinnern. Nach der Guggenheim-Ausstellung zog sich Hare aus der Öffentlichkeit zurück. Er verließ sein New Yorker Studio und verbrachte viel Zeit in Idaho, wohin er 1986 dauerhaft zog. Bis zu seinem Tod 1992 in Jackson Hole, Wyoming, nach einer Notoperation wegen eines Aortenaneurysmas malte er weiter und schuf Skulpturen. David Hare war ein Experimentator, ein Suchender und ein Risikoträger mit einer eklektischen und rastlosen Fantasie. Obwohl er mit einer Vielzahl von Medien arbeitete, ist er im einundzwanzigsten Jahrhundert vor allem für seine abstrakten Skulpturen aus geschweißtem Metall bekannt. So wurde beispielsweise seine Skulptur "Figure in the Windows" [1955] im Jahr 2020 für 75.000 Dollar versteigert. Seine Gemälde werden jedoch nach wie vor nicht ausreichend gewürdigt und scheinen reif für eine Neubewertung zu sein.
  • Schöpfer*in:
    David Hare (1917-1992, Amerikanisch)
  • Maße:
    Höhe: 110,49 cm (43,5 in)Breite: 85,41 cm (33,625 in)
  • Weitere Editionen und Größen:
    Unique Preis: 40.000 $
  • Medium:
    Tinte,Acryl,Karton
  • Bewegung und Stil:
    Abstrakt
  • Zeitalter:
    1970–1979
  • Rahmen:
    Rahmenoptionen verfügbar
  • Zustand:
  • Galeriestandort:
    New York, NY
  • Referenznummer:
    1stDibs: LU1841214419142
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