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Simon Richard HalimiAt the Bordelle, At her Limit - Abstraktes Gemälde Lila Rot Weiß Braun Grün2019
2019
24.000 €Einschließlich MwSt.
Angaben zum Objekt
"An der Bordelle An ihrer Grenze" ist ein abstraktes und figuratives Gemälde des französischen Künstlers Maestro Simon Richard Halimi.
Durch seine Kunst hat er einen sehr scharfen und einzigartigen Stil des hellen und bunten Ausdrucks.
Das Gemälde ist ungerahmt. Acryl auf Leinwand,
Liebe Kunstliebhaber,
wenn Ihnen die Kunst von Maestro Halimi gefällt, klicken Sie bitte auf den Link, um diesem Künstler und der Kunstgalerie Snow Pearl zu folgen und alle unsere Künstler und schönen Kunstwerke zu entdecken.
Vielen Dank! Wir freuen uns über Ihr Interesse an unserer Arbeit.
Das Gemälde ist ungerahmt
Maestro Simon Richard Halimi wurde am 2. Februar 1943 in Tunis geboren.
20 Jahre später verließ er sein Heimatland und ging nach Frankreich.
Im Jahr 1974 wurde er in die Elfenbeinküste ausgebürgert und reiste häufig nach Zentralafrika und in den Westen. Dies erfordert, dass er den Kontakt zu seiner Familie und seiner Malerei aufrechterhält und viele Reisen zwischen Afrika und Frankreich unternimmt.
Er malt seit den 1960er Jahren und hat bereits Tausende von Werken geschaffen.
Seit Februar 2003 hat er Afrika verlassen und sich ganz seiner Kunst gewidmet.
EINIGE AUSZEICHNUNGEN:
Lauréat du prix International Victor Choquet
Lauréat im Salon Populiste Musée d'Art Moderne
Grand prix Interministériel au musée de la Monnaie
Grand Prix C3D im Musée de la Monnaie
Lauréat et diplômé de l'Académie Internationale de Lutèce
Lauréat et diplômé de l'Académie Internationale d'Art Contemporain
Diplômé de la Fédération Nationale de la Culture Française en qualité
de "Créateur d'aujourd'hui".
Prix du salon des Artistes Français 2004, décerné par l'Académie des
Beaux-Arts
Prix Paul Chabas, Institut de France, Académie des Beaux-Arts
Médaille du mérite et dévoument aux Arts, Académie Mazarine
Prix Michel Ange pour l'ensemble de l'oeuvre, Académie Mazarine
Fédération Nationale de la Culture Française (Sélection du monde
des Arts Plastiques).
Académie des Beaux-Arts de Saint Louis (Titre d'Académicien Associé).
Grand Baz'Art, Prix de l'Humanité et de la Générosité.
Kollektiv-Ausstellungen
Salon des Artistes Français
Salon d'Automne
Salon des Artistes Indépendants
Salon d'Hiver
Salon Populiste (Musée d'Art Moderne)
Salon Interministériel (Musée de la Monnaie)
Großer Preis Victor Choquet (Musée de la Monnaie)
Großer Preis C 3 D (Musée de la Monnaie)
Salon International de Lutèce
Salon international d'Art Contemporain (I.A.C.)
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Salon d'Art Singulier
Salon Violet, Prestige der zeitgenössischen Kunst
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Diverse Gruppenausstellungen in der Allemagne, Italien und Belgien,
Espagne, Afrique, Chine ...
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Galerie Zafira rue Mazarine in Paris
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Gallerie "Art Passion" - Montpellier
Gallerie 27 - Londres (Retrospektive).
Gallerie Hughes Pénot, La Baule
Singul'Art - Lyon
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GF & CO Galerie - Vienne - Autriche
TREFFEN MIT DEM KÜNSTLER:
Ein Kunstwerk muss sich in aller Ruhe betrachten lassen, indem man seine Gedanken schweifen lässt und sich auf die
sich selbst zu träumen.
Alle Formen des kreativen und freizeitorientierten kulturellen Ausdrucks sind oder sollten eine Einladung zum Reisen sein. Musik, Literatur, Poesie, Theater, Kino, Malerei, Bildhauerei, Fotografie usw. sind keine Ausnahmen von dieser Regel
regel, wenn sie den Stempel der Aufrichtigkeit tragen.
Ein Akt der Meinungsäußerung kann nur dann authentisch sein, wenn er nicht durch die Zwänge von Verpflichtungen motiviert ist,
durch Anerkennung.
Die Malerei ist, wie andere Ausdrucksmittel auch, ein Schrei, ein Gefühl, ein Hörprozess, Schmerz, Freude... eine Erkenntnis oder ein
epiphanie, die ich mit meiner Familie, meinen Freunden und den Besuchern meiner Ausstellungen teilen kann.
Im ersten Fall erlebe ich einen echten Moment des Teilens, eine Art Osmose.
Ein Werk - egal, was es enthält - ist als Ausdrucksakt nur dann erfolgreich, wenn es Leben enthält, etwas zum Nachdenken anregt, Gefühle, einen Weg zum Austausch, eine Einladung an es und den Betrachter.
Wenn diese Gemeinschaft stattfindet, dann ist die Arbeit gut.
Wenn die Architektur eines Werks, sein Thema, das Gleichgewicht der Formen und Farben, die Beweglichkeit oder Freiheit des Auges, des Sehens und des Denkens in einer Art Harmonie vorhanden sind, gibt es keine Hindernisse mehr zwischen einem Werk und uns. Nachdem ich mehr als 50 Jahre gemalt habe, hatte ich im Laufe meiner Ausstellungen viele Gelegenheiten, mich mit Besuchern auszutauschen, die durch den Spiegel der Kunst gehen wollten
der erste visuelle Eindruck eines Gemäldes. Ich finde ihre Unsicherheiten und ihren Wunsch zu wissen - mehr als nur
ansicht - berührend. Andere Besucher sehen sich um, manchmal auch sich selbst, und gehen dann weiter durch eine Galerie
gemälde auf ihre eigene Art und Weise "gelesen" haben.
Manche Leute werfen einen desinteressierten Blick im Vorbeigehen und setzen ihren Weg selbstbewusst fort.
Diese Menschen sind manchmal in der Mehrheit. Nachdem sie mit mehreren Galeristen zusammengearbeitet hat,
bei meiner Arbeit in Frankreich und im Ausland habe ich nie einen Vertrag unterschrieben.
Ich äußere mich nie zu einem vorgegebenen Thema, arbeite auftragsbezogen oder in einem bestimmten Tempo.
Kunst lässt sich nicht diktieren, sie lässt sich nicht anordnen. Das Leben, die Zeit, die Freundlichkeit, die Liebe, der Wahnsinn, die Freiheit, das Geld, die Politik, der Verstand, das Herz, sein Gegenteil, die populäre und ehrliche Kunst, alle Facetten des Lebens wurden mein Leben. In Bezug auf den Inhalt meiner Bilder sind sie meine Reflexions- und Beobachtungsfläche.
Entwicklungen, Variationen von Formen haben stattgefunden, aber nie in Bezug auf die Grundlagen meines Prozesses. Auf
auf dieser Reise stieß ich auf den "Sand", der sich auf der Oberfläche meiner Gemälde von 1966 bis heute wiederfindet
1998 - und gelegentlich nach 1998.
Wir sind aus Staub gemacht und müssen zum Staub zurückkehren.
Bescheidenheit ist ein Schlagwort, das auf die eine oder andere Weise in meinen Bildern in Form von Zeichen enthalten ist
oder von kleinen Sätzen, und das ist vor allem bei den Themen der Begehrlichkeit der Fall,
versuchung, Gier, Egoismus, Heuchelei, Erfolg um jeden Preis, Lüge, Macht, Geld, Kunst für
um des Geldes willen, und so weiter. Ich habe sehr lange gezögert, bevor ich über mein Gemälde geschrieben habe.
Ich war der Meinung, dass dies ein wenig so aussah, als würde man die Rolle der "Beobachter" an sich reißen, also derjenigen, die es vorziehen, die
haben ihre eigene Interpretation und ziehen es vor, den Wälzer zu nehmen, um in den Mäandern meiner Handschrift und meinen kurzen Sätzen die Schlüssel, die entscheidenden Details und Symbole in meinen Werken zu entdecken - das, was sich hinter dem ersten Bild verbirgt.
Wenn man ein gutes Buch liest oder Musik hört, trifft man seine Entscheidung nicht aufgrund des Titels des Buches oder der ersten Note der Musik - man kann sich nicht in drei Minuten verlieben, und die Liebe dauert nicht drei Minuten, sie muss verschlungen, geteilt werden. Für mich war ein Gemälde nie ein dekoratives Objekt, ich weiß nicht, wie man es herstellt
gemälde wie dieses. Andere Leute können diese Art von Malerei viel besser, als ich es jemals könnte.
Sie befinden sich auf einer anderen Reise. Ein erfolgreich abgeschlossenes Werk weckt die Sinne und das Bewusstsein. Einen großen Teil meiner Arbeit - eigentlich fast alles - verdanke ich anderen. Ich habe keine Phantasie,
Ich beobachte das Leben, und vor allem höre ich zu. Der Ausgangspunkt ist oft das Zuhören. Er kommt durch die Ohren, geht in das Herz, dann durch den Kopf und erreicht schließlich sein Ziel in der Hand.
Wenn das passiert, ist das Bild fertig, es muss nicht mehr gesucht werden, das Werk kommt fast mechanisch auf die Leinwand, ohne dass man nachdenkt. In meiner Malerei gibt es keine zweiten Chancen, mein
die Malerei basiert oft auf dem ersten Impuls, dem ersten Instinkt, der mich überkommt.
entwicklung ist dadurch entstanden, dass ich mir Zeit genommen habe, mein Wortschatz ist reicher geworden, Linien und Symbole
sind jetzt immer absichtlich, es gibt nichts Zufälliges in meinen Bildern, meine Arbeit ist nicht figuration libre (frei)
figuration), sondern vielmehr um den ''singulären Expressionismus'', ''l'' (die Kunst des Erzählens).
Ein Gemälde ist ein Blick, ein Musikstück, ein Film... usw... bis auf die Tatsache, dass ein Gemälde einzigartig ist und nicht
vervielfältigt werden - ich male keine Serien von Bildern. Ein fertiges Gemälde weicht dem nächsten, man braucht mehrere
leben, um Ausschnitte aus dem Leben nachzuerzählen.
Für jedes Kunstwerk der Snow Pearl Galerie wird ein Echtheitszertifikat ausgestellt.
Die Werke des Künstlers befinden sich weltweit in Privatsammlungen.
- Schöpfer*in:Simon Richard Halimi (1943, Tunesisch)
- Entstehungsjahr:2019
- Maße:Höhe: 93 cm (36,62 in)Breite: 72 cm (28,35 in)Tiefe: 2 cm (0,79 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Sofia, BG
- Referenznummer:1stDibs: LU98138459662
Simon Richard Halimi
Der Maler Simon Richard Halimi bringt fünf Jahrzehnte meisterhaften Könnens in seine Kunst ein und schafft Werke, die den Betrachter zu tiefer Kontemplation anregen. Lebendige Farben tanzen auf seinen Leinwänden in ungewöhnlichen, ineinander verwobenen Formen, die jedem Werk eine gefühlvolle Dimension verleihen. Halimi arbeitet fast ausschließlich im "Griotismus", einem Kunststil, der als visuelle Darstellung des westafrikanischen Griot dient, eines traditionellen Sängers, Dichters und Geschichtenerzählers.
Halimi wurde 1943 in Tunesien geboren und begann in den 1960er Jahren zu malen. Von 1968 bis 1974 war er ehrenamtlich als Kunstbotschafter und Kritiker tätig. Er besuchte verschiedene Häuser und Schulen, um junge Maler zu ermutigen und zu unterrichten. Im Jahr 1974 zog er nach Côte d'Ivoire.
Sein Stil entwickelte sich im Laufe der Jahre. Zu Beginn seiner Karriere malte er in einem freien, figurativen Fluss und ließ Szenen und Farben spontan entstehen. Mit der Ausweitung seines Werks wurden seine Formen immer bewusster, wobei jede Form zu einer visuellen Erzählung beitrug.
Im Jahr 2003 siedelte Halimi von Afrika nach Frankreich über, wo er seine lebendige Malerei weiter betreibt.
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Diese lebendige abstrakte gemischte Medien Malerei ist 36 Zoll im Quadrat. Die erste Farbschicht wird mit Sprühfarbe aufgetragen. Acrylfarbe mit fließender Textur wird in einer kontrollierten Bewegung mit einem Hauch von Spontaneität aufgetragen und verleiht diesem originellen Kunstwerk ein dreidimensionales Gefühl von angedeuteter Bewegung. Teile der mit Acrylfarbe bemalten Flächen sind scheinbar unzusammenhängend, was die vergehende Zerbrechlichkeit der Natur zum Ausdruck bringt. Die Seiten sind gestrichen, und es ist keine Rahmung erforderlich. Es ist verdrahtet und bereit zum Aufhängen. Dieses Gemälde ist auf der Rückseite signiert. Kostenlose Lieferung im Großraum Los Angeles. Erschwinglicher kontinentaler US-Versand und weltweiter Versand möglich. Ein von der Kunstgalerie ausgestelltes Echtheitszertifikat liegt bei.
Geboren und aufgewachsen in Los Angeles, Kalifornien, erwarb Ges einen Abschluss in Psychologie sowie in Visual Public Art an der California State University, Monterey Bay. Im Laufe der Entwicklung seines Stils begann er, sein Psychologiestudium in seine Arbeit einfließen zu lassen, um die Grenzen seiner Abstraktion zu erweitern.
"Meine Kunst dreht sich um die Schnittmenge der menschlichen Psyche. Die Kreativität treibt mich an, und jedes Stück ist anders als das nächste. Bei meinem Ansatz geht es vor allem um den Prozess und das Eintauchen in meine Arbeit. Farbe ist für mich ein grundlegendes und zugleich unabdingbares Instrument. Ich bemühe mich, eine integrative Atmosphäre zu schaffen, in der mehrere Perspektiven und verschiedene Einflüsse akzeptiert werden."
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