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Richard Durando-Togo, Women at the Market, Öl auf Leinwand, gerahmt und signiert.

Aufmerksamer Betrachter, darf ich Sie auffordern, einige ungewöhnliche Elemente in diesem Tafelbild zu finden? Ein Detail hat mit der symbolischen Verwendung von Farbe zu tun, das andere mit einer späteren Anpassung des Bildes. In der Tat! Die Heilige Jungfrau ist nicht wie üblich in ihren himmelblauen Mantel gekleidet, der auf ihre Reinheit hinweist, sondern in ein rotes Gewand. Im Spätmittelalter und in der Frührenaissance trug die Jungfrau oft ein solches rotes Gewand, um auf die Passion Christi hinzuweisen. Schließlich würde das segnende Christuskind mit seinem Reichsapfel sein Blut für die Erlösung der Menschheit vergießen. Das zweite merkwürdige Element fällt ins Auge, wenn man sich den kleinen Jesus näher ansieht. Es scheint, dass er ursprünglich völlig nackt dargestellt wurde, sich aber im Laufe der Zeit einen durchsichtigen Lendenschurz zulegte. In der Vergangenheit gab es mehrere Zeiten, in denen die Nacktheit in der Kunst in irgendeiner Form der Zensur unterlag. So wurde beispielsweise die Überwachung der christlichen Kunst durch das Konzil von Trient (1545-1563) stark gefördert. Diese Versammlung befasste sich mit der innerkirchlichen Reform der römisch-katholischen Kirche. Einer der wichtigsten Theologen, die den Richtlinien des Konzils folgten, war Joannes Molanus (1533-1585). Er hielt die Nacktheit des Christkinds nicht für erbaulich und wies darauf hin, dass Kinder auf diese Weise gefährdet werden könnten. Er könnte sich auf die Gefahren der Pädophilie bezogen haben. Im 19. Jahrhundert kam der Puritanismus auf. Ein berühmtes Beispiel für einen Moralprediger war Papst Pius IX. Im Jahr 1857 ließ er allen männlichen...

Vorbereitung auf den Karneval: ein dreitägiges Fest des unersättlichen Essens, Trinkens und Feierns, das der vierzigtägigen Fastenzeit vorausging, einer Zeit der Buße, in der die Fro...

Pieter Plas stellte sich mit dieser pastoralen Szene in die Tradition von Malern und Zeichnern des 17. Jahrhunderts wie Nicolaes Pietersz Berchem, Karel du Jardin, Marcus de Bye und Paulus Potter. Dennoch trägt das Werk die typischen Ideale der Romantik in sich. Die Romantiker wollten zu der von ihnen idealisierten Natur zurückkehren. Sie glaubten an eine Verbindung zwischen dem Individuum und der Natur. Die Harmonie zwischen der Hirtin und ihrer Schafherde ist Teil dieser Geschichte. Dieser Gedankengang muss vor dem Hintergrund der fortschreitenden Industrialisierung gesehen werden, die die traditionelle ländliche Gesellschaft unter Druck zu setzen begann. Plas lässt das Licht auf subtile Weise durch eine Türöffnung in die Scheune eindringen. Die Sonnenstrahlen, die die Schafe - in einer leicht diagonalen Linie - beleuchten, verleihen der Szene Tiefe und Lebendigkeit. Die Bäuerin trägt einen Eimer mit Milch. In der Region Alkmaar und Texel wurde Schafsmilch zur Herstellung von Käse verwendet. Natürlich lieferten diese Tiere auch das Rohmaterial für die Wolle. Das Heu wird auf den Holzbalken des Stalls gelagert. Es war ein Zusatzfutter für die Schafe. Pieter Plas (1810-1853) stammte aus einer bekannten Alkmaarer Künstlerfamilie. Sein Vater und erster Lehrer war der Wagen- und Landschaftsmaler Louwerencius Plas (1776-1847). Der Maler selbst war bis zum Alter von 24 Jahren auch Kutschenmaler. Nach zwei Jahren in Hilversum bei Willem Bodeman und bei dem Tiermaler Jan van Ravenswaay...

Um die Mitte des 19. Jahrhunderts beschrieben der Missionar Thomas Savage und der Anatom Jeffries Wyman in ihrem Artikel für das Journal of the Boston Society for Natural History ein...