Kat Flyn
Flashback-Flashback
2018

Name: Flashback-Flashback
Brand: Kat Flyn
Price: 4766.2 CHF
Availability: InStock
Rating: 5 (36 reviews)

5.104,40 €

Angaben zum Objekt

assemblage-Skulptur: Vintage-Holz-"Creeper", gerahmt mit dekonstruiertem Rahmen aus den 1970er Jahren, Vintage-Flaggen-Glockenhosen, Vintage-Turnschuhe von Peter Max, Fototransfer eines manipulierten Fotos auf Leinwand, alter Zylinder mit Zick-Zack-Mann und Anti-Kriegs-Button, Buch über Kriegsdienstverweigerer, Buch über Volkswagen-Reparatur für Idioten, alte Fotos, politische Anstecknadeln, Anstecknadeln aus den 1960er Jahren, Metallblumen-Anstecknadeln, alte Zick-Zack-Papierrollen --- KAT FLYN ist ein autodidaktischer Assemblagekünstler, der derzeit in San Diego arbeitet. Sie begann ihre Karriere als Kostümbildnerin in Südkalifornien. Im Laufe der Jahre sammelte sie eine Fülle von Artefakten und Sammlerstücken an, die sie in den 1990er Jahren für ihre Assemblage-Kunst zu verwenden begann. Im Jahr 2000 verkaufte sie ihr Geschäft und zog nach Cuyamaca, einer abgelegenen Gemeinde in den Bergen außerhalb von San Diego, um sich ausschließlich ihrer Kunst zu widmen. Im Jahr 2003 wurde ihre Arbeit unterbrochen, als das Cedar Fire durch den Landkreis San Diego fegte und den Wald, ihr Haus und ihr Studio sowie fast alle ihre Sammlungen und Kunstwerke zerstörte. Nach dem Brand zog sie nach San Francisco, wo sie sich ein Jahrzehnt lang auf ihre Kunst in ihrem Studio in SOMA konzentrierte und in Galerien in der Bay Area ausstellte. Im Jahr 2015 kehrte sie nach San Diego zurück und arbeitet nun in ihrem Studio in La Jolla, wo sie auch in Los Angeles ausstellt. Kat Flyn bezeichnet sich selbst als Assemblage-Bildhauerin und ihre Werke als politische Kunst oder Protestkunst. Sie unterscheidet sich von anderen Assemblage-Künstler*innen dadurch, dass sie in ihren Arbeiten nur "gerettete" und keine "gefundenen" Objekte verwendet und dass ihre Werke immer eine politische oder kulturelle Aussage haben, anstatt surreal oder abstrakt zu sein. Viele der Objekte, die sie in ihrer Kunst verwendet, baut sie auch um oder gestaltet sie um - eine Softdrinkschachtel in ein Mietshaus (Affordable Housing 2017), eine Schmuckschachtel in einen Rollstuhl (Last Lily Foot 2016), eine alte Schuhputzschachtel in einen Leichenwagen (Katrina 2018). Das Ergebnis ist ein Werk, das eher der Volkskunst als der Assemblagekunst ähnelt. ERKLÄRUNG DES KÜNSTLERS Streng genommen bin ich ein Assemblage-Künstler, aber in Wirklichkeit konstruiere ich mehr als dass ich meine Werke zusammensetze. Ich suche nach Sammlerstücken, Artefakten und Holzschnitzereien und baue dann Szenen, die etwas über die amerikanische Gesellschaft aussagen. Selbst wenn ich Artefakte aus früheren Jahrhunderten verwende, ist mein Thema fast immer das heutige Amerika. Soziale Ungerechtigkeit, Rassismus, Sexismus und Gewalt - Aspekte unserer nationalen Psyche - existieren in der Gegenwart, haben aber ihre Wurzeln in unserer Vergangenheit. Außerdem sollen die von mir verwendeten Artefakte oft die Bedeutung des Werks verstärken. So wurden beispielsweise die schwarzen stereotypen Holzfiguren, die ich in vielen meiner Stücke verwende, mit ziemlicher Sicherheit von einer weißen Person angefertigt. Wenn ich solche Artefakte verwende, frage ich: Was für eine Gesellschaft produziert solche Gegenstände überhaupt? In meiner Kunst unterscheide ich strikt zwischen gefundenen und gespeicherten Objekten. Ein gefundenes Objekt - das die meisten Assemblage-Künstler*innen in ihren Werken verwenden - hat keinen intrinsischen oder emotionalen Wert, da es von seinem*r Besitzer*in als wertlos oder kaputt weggeworfen wurde. Ein geretteter Gegenstand hingegen hat seinen Wert behalten, entweder weil er an sich wertvoll war oder weil ihm ein emotionaler Wert beigemessen wurde (z. B. ein Foto, ein alter Schuh, ein altes Spielzeug) und er deshalb gerettet und nicht weggeworfen wurde. Die Tatsache, dass ich nur "gerettete Objekte" verwende, führt oft dazu, dass die Betrachter*innen sich von den einzelnen Stücken in meinen Werken angezogen fühlen und nicht nur die Erzählung sehen, die ich darzustellen versuche. Die in dieser Ausstellung gezeigten Werke reichen von meinen frühen Arbeiten wie meiner Ghost Portrait Series - in der ich versuche, ein Gefühl dafür zu vermitteln, wie das Leben der in jedem Werk dargestellten Person ausgesehen haben könnte - bis hin zu meinen aktuellen Arbeiten, die ich locker als "Ripped From The Headlines" bezeichne - in denen ich mich mit aktuellen Themen wie Gefängnisreform, Klimawandel, Einwanderung, #MeToo und #Black Lives Matter auseinandersetze. Ich versuche, meine visuelle Darstellung etwas karikaturistisch zu halten, was angesichts der Ernsthaftigkeit des Themas - Rassismus, Armut, Einwanderung usw. - seltsam erscheinen mag. Ich habe jedoch festgestellt, dass die erste Reaktion der Betrachter*innen auf meine Arbeit positiver ausfällt, wenn ich mein Thema auf diese Weise visuell formuliere. Mein Ziel ist es, die Betrachter*innen dazu zu bringen, lange genug innezuhalten, um über die Kunst hinaus zu sehen und sich auf die Erzählung einzulassen, die durch meine Arbeit vorgebracht wird.

Schöpfer*in:

Kat Flyn (1946, Amerikanisch)

Entstehungsjahr:

2018

Maße:

Höhe: 172,72 cm (68 in)Breite: 33,02 cm (13 in)Tiefe: 25,4 cm (10 in)

Medium:

Mixed Media

Bewegung und Stil:

Zeitgenössisch

Zeitalter:

21. Jahrhundert