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1 von 6

Stefanie Schneider
Wonder Valley (29 Palms, CA) – analog, montiert, Installation, Musik, Video, Text

2008

Angaben zum Objekt

Wonder Valley (29 Palms, CA) Installation von Stefanie Schneider. Abmessungen: 250x400cm Video von Camille Waldorf. Song geschrieben und aufgeführt von Camille Waldorf. Inklusive Text, Lied und Video. Foto mit Abmessungen: Wundertal - 2008 125x154cm, Auflage von 5, analoger C-Print, handgedruckt vom Künstler auf Fuji Crystal Archive Papier, basierend auf dem Polaroid, verso signiert, Inventarnummer des Künstlers: 3648.02, Nicht montiert veröffentlicht in: STRANGER THAN PARADISE erschienen im Hatje Cantz Verlag, Ostfildern, 2006, (Monographie) Ausstellung: 2008: Les Rencontres d'Arles - Fotofestival Südfrankreich (G), nominiert für den Discovery Award / 29 Palms, CA, Galerie Spesshardt-Klein, Berlin (S) & Forum Expanded / Berlinale Präsentation / 2009: 29 Palms, CA, Mährische Galerie, (Museum für Angewandte Kunst), Brno, Tschechische Republik (S) / 2010: Mapping Worlds: Welten verstehen - Aufbruch in die Gegenwart, 8. Internationale Foto -Triennale Esslingen, Deutschland, kuratiert von Andreas Baur (G) mit Shirana Shahbazi, Roselyne Titaud, Olaf Unverzart, Lidwien van de Ven, Stephen Wilks (Katalog) / 2011 Mirror of broken Dreams, Galerie Robert Drees, Hannover, Deutschland, (S) Stefanie Schneider: Ein deutscher Blick auf den amerikanischen Westen Die Werke von Stefanie Schneider erinnern an Ed Ruschas Besessenheit von der amerikanischen Erfahrung, an den Reichtum der Wüstenbilder von Georgia O'Keefe und an die Einsamkeit der eindringlichen Gemälde von Edward Hopper. Wie genau wurde dieser deutsche Fotograf zu einem der wichtigsten Künstler der amerikanischen Erzählung des 20. und 21. Die 1968 in Deutschland geborene Fotografin und Künstlerin Schneider lebte ab Mitte der 1990er Jahre zwischen Berlin und Los Angeles, bis sie 2020 ihr komplettes analoges Labor dauerhaft dorthin verlegte, wo ihr Prozess beginnt: in den amerikanischen Westen. an Orten wie den Ebenen und Wüsten Südkaliforniens, wo sie ihre Motive fotografiert. In Berlin entwickelte und vergrößerte Schneider ihre Werke von Hand. Was an Schneiders Bildern zunächst auffällt, ist vielleicht einfach die Farbe ihrer abgelaufenen Polaroids. Schneiders Rolle bei der Bewahrung des Polaroidfilms ist ein Aspekt ihres Werks, der bei Zeitgenossen und Kritikern großen Respekt genießt, denn ihre Arbeit entstand zu einer Zeit, als das Polaroid, ein Symbol der amerikanischen Fotografie, auf dem Weg zum Aussterben war. Erst das Medium an seine Grenzen bringen und dann von den Toten auferstehen lassen. Dieses Thema der Bewahrung und des Verfalls ist ein zentraler Bestandteil von Schneiders Werk. In einem Interview mit Artnet im Oktober 2014 erklärte die Künstlerin, wie ihre eigenen Erfahrungen mit Schmerz und Verlust sie inspirieren. ''Meine Arbeit ähnelt meinem Leben: Die verlorene und unerwiderte Liebe hinterlässt ihre Spuren in unserem Leben als sinnloser Schmerz, der in der Gegenwart keinen Platz hat. Schneiders Motive sind oft in apokalyptischen Umgebungen zu sehen: Wüstenflugzeuge, Wohnwagenparks, Ölfelder, heruntergekommene Motels und leere Strände, allein oder, wenn nicht, ohne Verbindung zueinander. Es ist die greifbare Erfahrung der "Abwesenheit", die meine Arbeit inspiriert", erklärt Schneider. (Barnebys UK, 3. Mai 2017) Stefanie Schneiders neue fotografische Arbeiten erzählen fantastische Geschichten über ihre kalifornische Wahlheimat. Sie spürt verblasste amerikanische Mythen auf und destilliert die auratisch aufgeladene Realität auf sehr persönliche und überraschende Weise. Sie verwendet einen veralteten Polaroidfilm, und die durch das degenerierte Filmmaterial verursachten Flecken werden auf malerische Weise in die Komposition einbezogen. Fehler bei der Belichtung und Low-Budget-Filmeffekte werden zu einem verfremdenden Effekt kombiniert. Alles schimmert und flackert vor unseren Augen. Der Künstler spielt mit der authentischen Poesie des Amateurs, indem er seltsam verträumte Inszenierungen mit zufälligen fotochemischen Ereignissen mischt. In der 16-teiligen Arbeit Frozen, die sich durch eine seltsam transzendente Lichtstimmung auszeichnet, fügen sich filmstill-ähnliche Bildcluster zu einer geheimnisvollen Geschichte zusammen, in der die Künstlerin selbst die einsame Protagonistin ist. Die Ästhetik erinnert an die frühen Lynch-Filme. Bestandteile des elliptisch choreographierten Geschehens sind Szenen aus einer verwunschenen, schimmernden Winterlandschaft sowie "inszenierte Momentaufnahmen" einer blassen jungen Frau im Unterrock, die mit ihrer schlafwandlerischen Präsenz die beunruhigende Realität einer Fata Morgana ausstrahlt. Die Geschichte wird in der Art von filmischen Rückblenden oder Traumsequenzen präsentiert. Mit Bühnenblut und Messer wird ein Verbrechen aus Leidenschaft evoziert, dessen surreale Attraktivität sich aus der szenischen Offenheit des Gezeigten ergibt. Die bewusste Verwendung von altem Sofortbildmaterial verdeutlicht auf facettenreiche Weise die flüchtige Qualität von Verletzlichkeit und Vergänglichkeit innerhalb einer von vornherein brüchigen Realität. Die amerikanischen Stars and Stripes, die kürzlich als Inbegriff eines patriotischen Zeichens aktualisiert wurden, sind das Thema des 9-teiligen Werks Primary Colors (2001). Schneiders beruhigend europäischer Blick, frei von übermäßigen Emotionen, präsentiert das Stars-and-Stripes-Motiv in einer seltsam verfremdeten Form: Sie zeigt Stills mit Phasen heftigen Flatterns im Wind, in einigen Fällen sogar zerrissen, und das schlechte Filmmaterial unterstreicht die Zerbrechlichkeit des Symbols noch mehr. FlashART - Sabine Dorothee Lehner (übersetzt aus dem Deutschen von Michael Robinson)
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