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William ZorachFirst Steps, Bronzeskulptur des frühen 20. Jahrhunderts, Cleveland School1918
1918
Angaben zum Objekt
William Zorach (Amerikaner 1891-1966)
Erste Schritte, 1918
Bronze
8,5 x 5 x 4 Zoll, einschließlich Sockel
William Zorach wurde 1887 in Litauen geboren und wanderte im Alter von vier Jahren mit seiner Familie in die Vereinigten Staaten ein, wo er sich in Cleveland, Ohio, niederließ. Zorach zeigte schon in jungen Jahren eine außergewöhnliche künstlerische Begabung und begann auf Empfehlung seines Lehrers in der siebten Klasse, abends an der Cleveland School of Art Lithografie zu studieren. Es dauerte nicht lange, bis er in einem Lithografieunternehmen in Cleveland in die Lehre ging. Dort wurde ihm klar, dass er Künstler werden wollte - um dem kommerziellen Bereich zu entkommen, in den er plötzlich eingetaucht war.
1907 sparte Zorach genug Geld, um nach New York zu ziehen und an der National Academy of Design Kunst zu studieren, wo er mehrere Auszeichnungen für seine Gemälde und Zeichnungen erhielt. 1910 setzte er sein Studium in Paris bei La Palette fort. Dieses Auslandsjahr sollte sich als sehr fruchtbar erweisen, da er in Paris stark von den kubistischen und fauvistischen Bewegungen beeinflusst wurde und mehrere Gemälde auf dem Salon d'Automme ausgestellt wurden. Dieser Einfluss und der anschließende Erfolg beflügelten seine Karriere zurück in den USA, wo er mit seiner ersten Einzelausstellung geehrt wurde. Aufgrund dieser neu gewonnenen Stabilität heiratete er eine junge Frau, die er in Paris an der Schule kennengelernt hatte, und sie zogen nach New York, wo sie ein Studio eröffneten. Kurz darauf wurden ihre Werke in die berühmte Armory Show von 1913 aufgenommen.
In den folgenden neun Jahren betrachtete sich Zorach weiterhin als Maler, obwohl er bereits mit der Bildhauerei zu experimentieren begonnen hatte. Er hatte bescheidene Erfolge mit seiner Malerei und zögerte daher, sie ganz aufzugeben. Es drängt ihn jedoch zur Bildhauerei, und 1922 malt er sein letztes Ölgemälde.
Zorachs Beschäftigung mit der Bildhauerei begann eher zufällig. Während er an einer Serie von Holzschnitten arbeitete, interessierte sich Zorach plötzlich mehr für die Butternussplatte als für den Druck und verwandelte die Platte in ein geschnitztes Relief. Ohne eine formale Ausbildung als Bildhauer waren Zorachs erste Skulpturen aus Holz und seine Schnitzwerkzeuge waren primitiv, wie zum Beispiel ein Klappmesser. Seine frühen Werke haben ein gewisses stilisiertes Aussehen, das auf den Einfluss verschiedener primitiver Künste wie der afrikanischen und amerikanischen Folklore schließen lässt.
Zorach hat seine bildhauerische Richtung instinktiv gefunden, ohne jedoch zu verkennen, was andere Bildhauer im In- und Ausland taten. Bald verbündete er sich mit einer wachsenden Zahl moderner Bildhauer, die an die ästhetische Notwendigkeit glaubten, ihre eigenen Entwürfe direkt in den Stein- oder Holzblock zu meißeln, anstatt sie in Ton zu modellieren. Von Anfang an empfand er eine tiefe Befriedigung in dem langsamen und geduldigen Prozess der Befreiung des Bildes aus seiner Blockade, in dem er beobachtete, wie sich die Formen herausbildeten und erschienen.
"Der tatsächliche Widerstand des zähen Materials ist ein wunderbarer Leitfaden", sagte Zorach 1930 in einem Vortrag über direkte Bildhauerei. Der Bildhauer "kann nicht ohne weiteres Änderungen vornehmen, was heute weggeschnitten wurde, kann er morgen nicht wieder einsetzen. Seine Sinne sind ständig wachsam. Wenn etwas schief geht, muss man versuchen, den Rhythmus zu korrigieren. Und langsam wächst die Vision mit dem Fortschreiten der Arbeit". Zorach stellte auch fest, dass das MATERIAL selbst eine sich ständig verändernde Wirkung auf die Vision des Künstlers hat. Die Maserung des Holzes, die Markierungen im Stein, die Form des Baumstamms oder des Felsblocks setzen Grenzen und zeigen Möglichkeiten auf. Er war stets sensibel für die charakteristischen Eigenschaften seines MATERIALs und ließ sie gelegentlich eine wichtige Rolle bei der Bestimmung seiner Formen spielen. Bei solchen Arbeiten bleibt die Haptik des ursprünglichen Materials in der fertigen Arbeit erhalten und wird oft dadurch verstärkt, dass Teile der ursprünglichen Oberfläche unberührt bleiben und andere Bereiche durch die Werkzeuge des Bildhauers grob markiert werden.
1923 kaufte Zorach eine Farm in Maine, wo er und seine Familie die Sommer verbrachten. Er setzte seine Arbeit als Bildhauer fort und wurde bald als einer der führenden Künstler des Landes anerkannt, der mit zahlreichen Aufträgen im ganzen Land und Ausstellungen unter anderem im Art Institute of Chicago, dem Dallas Museum of Fine Art, dem McNay Art Institute und dem Whitney Museum of American Art geehrt wurde. Heute befinden sich seine Werke in so renommierten Museen wie dem Metropolitan Museum of Art, dem Museum of Modern Art, dem Whitney Museum of American Art, dem Art Institute of Chicago, dem Boston Museum of Fine Art, dem Los Angeles Museum of Art, dem Brooklyn Museum und dem Cleveland Museum of Art.
Alles in allem ist die Skulptur von Zorach äußerlich nicht amerikanisch. Es geht um die universellen Themen des Lebens. Er spielte schließlich eine wichtige Rolle bei der Befreiung der amerikanischen Bildhauerei von den neoklassischen Tendenzen und der illustrativen Modellierung, die sie um die Jahrhundertwende beherrschten. Er trug zur Entwicklung einer isolierten Avantgarde in diesem Land bei, was zum Teil darauf zurückzuführen ist, dass er sich nicht nur auf universelle Themen konzentrierte, sondern auch auf die eigentliche Schönheit seines MATERIALs, die sinnlichen taktilen Werte, die Subtilität der Modellierung und die Vielfalt der Bildsprache.
- Schöpfer*in:William Zorach (1887 - 1966, Amerikanisch)
- Entstehungsjahr:1918
- Maße:Höhe: 21,59 cm (8,5 in)Breite: 12,7 cm (5 in)Tiefe: 10,16 cm (4 in)
- Medium:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Beachwood, OH
- Referenznummer:1stDibs: LU1768215320252
William Zorach
Der 1887 geborene Künstler war 1930 einer der bedeutendsten amerikanischen Bildhauer des 20. Jahrhunderts und wurde mit zahlreichen Aufträgen und Ausstellungen geehrt, u. a. im Art Institute of Chicago, im Dallas Museum of Fine Art und im Whitney Museum of American Art sowie in zahlreichen anderen Museen. Er studierte in New York City an der National Academy of Design und in Paris unter der Leitung von Jacques-Emile Blanche. Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts kreuzten sich in Paris Zorachs Wege mit Marguerite, seiner zukünftigen Frau. Sowohl Marguerite als auch William waren auf der bahnbrechenden Armory Show von 1913 vertreten. In den nächsten zwei Jahrzehnten malt William weiter, experimentiert aber zunehmend mit der Bildhauerei. Mitte der 20er Jahre schuf er bereits bedeutende Werke in Marmor und Stein. In den frühen 30er Jahren gab er die Malerei zugunsten einer neuen Kunstform, der Bildhauerei, auf. In der Bildhauerei fand Zorach seine wahre Stimme als Künstler und erzielte beachtliche Erfolge. "Die Bildhauerei, das direkte Schnitzen, war für mich ein sich erweiterndes Universum, eine Befreiung und eine natürliche Ausdrucksform." erklärte Zorach. Museum Collections: Amon Carter Museum für amerikanische Kunst
Kunstmuseum der Arizona State University
Boca Raton Museum für Kunst
Butler-Institut für amerikanische Kunst
Cleveland-Künstlerstiftung
Colorado Springs Zentrum der schönen Künste
Cornish Colony Museum
Dallas Museum of Art
Delaware Kunstmuseum
Edwin-Ulrich-Museum für Kunst
Farnsworth Kunstmuseum
Flint Institut der Künste
Frederick R Weisman Kunstmuseum
Kunstmuseum von Georgia
Herbert F. Johnson Museum für Kunst
Jack S. Blanton Museum für Kunst
Kunstmuseum der Universität LaSalle
Los Angeles County Museum für Kunst
Lowe Kunstmuseum
Marion Koogler McNay Kunstmuseum
Memorial Art Gallery
Metropolitan Museum of Art, NYC
Kunstmuseum des Middlebury College
Minneapolis Institut der Künste
Mobiles Kunstmuseum
Museum of Fine Art-Boston
Pennsylvania Akademie der Schönen Künste
Kunstmuseum Portland
Smithsonian Museum für Kunst
Das Brooklyn Museum of Art
Das Canton Museum of Art
Das Kunstmuseum von Columbus-Ohio
Das Columbus-Museum-Georgien
Das Cummer Museum für Kunst und Gärten
Das Currier Museum für Kunst
Das Nelson-Atkins Museum für Kunst
Das Newark-Museum
Die Phillips Collection'S
Das Phillips Museum für Kunst
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Whitney Museum für Amerikanische Kunst
Worcester Kunstmuseum
Yosemite-Museum
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Alle anzeigenAktspaziergang, Bronzeskulptur des frühen 20. Jahrhunderts, Künstler der Cleveland School
Von Max Kalish
Max Kalish (Amerikaner, 1891-1945)
Akt im Gehen, 1930
Bronze
Signiert und datiert auf dem Sockel
17 x 9 x 4 Zoll
Der am 1. März 1891 in Polen geborene figurative Bildhauer Max Kalish kam 1894 mit seiner Familie in die Vereinigten Staaten und ließ sich in Ohio nieder. Als talentierter Jugendlicher schrieb sich Kalish als Fünfzehnjähriger am Cleveland Institute of Art ein und erhielt während seines Studiums bei Herman Matzen einen ersten Preis für das Modellieren der Figur. Nach seinem Abschluss ging Kalish nach New York City, wo er die nächsten zwei Jahre bei Isidore Konti und Herbert Adams studierte.
Im Jahr 1912 studierte Kalish bei Paul Bartlett an der Academie Colarossi in Paris, Frankreich. Im Jahr 1913 setzte er sein Studium bei Jean Antoine Injalbert an der Ecole des Beaux-Arts fort. Die finanzielle Unterstützung seines Bruders, seiner Familie und seiner Freunde hatte es Kalish ermöglicht, nach Europa zu reisen. Doch das Geld ging aus, und obwohl Kalish 1913 zwei Porträtbüsten im Pariser Salon ausstellte, war er gezwungen, nach Amerika zurückzukehren, wo er mit seinem ehemaligen Lehrer Isidore Konti an der Säule des Fortschritts für die Panama-Pazifik-Ausstellung 1915 in San Francisco, Kalifornien, arbeitete.
Zurück in Cleveland arbeitete er an Porträtaufträgen für zwei Senatoren der Vereinigten Staaten und den Bürgermeister. Als er 1916 in die Armee eintrat, schuf Kalish eine Reihe bronzener...
Kategorie
1930er, Amerikanische Moderne, Figurative Skulpturen
Materialien
Bronze
Vernal Equinox, Bronzefigur einer Frau aus dem 20. Jahrhundert, Künstlerin der Cleveland School
Edris Eckhardt (Amerikaner, 1905-1998)
Frühlings-Tagundnachtgleiche, ca. 1975
Bronze
Unterschrift auf der Basis
16,5 x 4 x 3 Zoll
Edris wurde am 28. Januar 1905 in Cleveland, Ohio, geboren und erhielt den Namen Edythe Aline Eckhardt. Nach ihrem Abschluss an der East High in Cleveland schrieb sie sich für das Malereiprogramm an der Cleveland School of Art ein. Während ihrer Schulzeit arbeitete sie in Teilzeit in der Cowan Pottery, wo sie Produktionstechniken und Brennpläne für verschiedene keramische Materialien erlernte. Sie wechselte an der CIA zur Bildhauerei und machte 1932 ihren Abschluss an der Kunstschule von Cleveland. Edythe änderte mit Mitte zwanzig ihren Namen in den nicht geschlechtsspezifischen Namen Edris, nachdem sie bei der Vergabe eines Stipendiums für ein einjähriges Bildhauerstudium in Europa übergangen wurde.
Nach seinem Abschluss studierte Edris Bildhauerei bei Alexander Archipenko in Woodstock, New York. Noch im selben Jahr kehrte sie nach Cleveland zurück. Sie wurde als Lehrkraft an der Cleveland School eingestellt und unterrichtete 30 Jahre lang an dieser Einrichtung.
Von 1935 bis 1942 war Frau Eckhardt Leiterin der Keramik- und Skulpturabteilung des Federal Art Project (später bekannt als Works Progress Administration - WPA) in Cleveland. In dieser Zeit gewann sie den ersten Preis der Mai-Ausstellung des Cleveland Museum of Art 1936 für ihre Alice im Wunderland-Figur, den dritten Preis der Mai-Ausstellung 1937 für eine Song of the South-Figur und stellte ihre Werke 1939 auf der Golden Gate Exposition in San Francisco und auf der New Yorker Weltausstellung 1939 aus. Eleanor Roosevelt beauftragte Edris, eine Figur von Huckleberry Finn zu formen. Sie wurde 1939 fertiggestellt und in der Nähe eines reflektierenden Teiches aufgestellt.
Das Cleveland College stellte Frau Eckhardt von 1940-1956 als Dozentin ein. Dies überschnitt sich mit ihren Lehrtätigkeiten von 1947-1957 an der Western Reserve University (Cleveland) und am Notre Dame College von 1950-1970. Sie teilte ihr Wissen über Keramik mit der breiten Öffentlichkeit, indem sie ab 1947 Vorführungen im Fernsehen präsentierte und bereits 1954 Artikel in der Zeitschrift Ceramics Monthly veröffentlichte.
Um 1953 begann Eckhardt, mit der Glasherstellung zu experimentieren. Der Studiokünstler und Lehrer, der für seine Keramik bekannt war, wurde in dieser Zeit als Studioglaskünstler bekannt. In einem Artikel über Gold Glass...
Kategorie
1970er, Amerikanische Moderne, Figurative Skulpturen
Materialien
Bronze
Bronzeskulptur aus dem späten 18. Jahrhundert nach dem Herkules von Farnese
Bronzeskulptur aus dem späten 18. Jahrhundert nach dem Herkules von Farnese
Grand-Tour-Bronze mit feiner Krustenpatina auf einem späteren Holzsockel
16 in. h., insgesamt
12,5 in. h.,...
Kategorie
Spätes 18. Jahrhundert, Figurative Skulpturen
Materialien
Bronze
Bronzefigur der kontinentalen Schule des 20. Jahrhunderts von Europa und dem Stier
Kontinentale Schule des 20. Jahrhunderts
Europa
Bronze auf Steinsockel
11 Zoll H. x 8,5 Zoll B. x 4,5 Zoll T., insgesamt
Inspiriert durch den griechischen Mythos Europa und der Stie...
Kategorie
20. Jahrhundert, Figurative Skulpturen
Materialien
Stein, Bronze
Nackter weiblicher Torso Bronzeskulptur, 20. Jahrhundert Zeitgenössischer amerikanischer Künstler
Alan Cottrill (Amerikaner, Ohio, geb. 1952)
Nackter weiblicher Torso, 1994
Bronze montiert auf grünem Marmorsockel
Signiert, datiert und nummeriert 14/20 verso auf dem Bein, mit Gieß...
Kategorie
1990er, Figurative Skulpturen
Materialien
Marmor, Bronze
Italienische Bronzeskulptur einer nackten Frau, Mitte des 20. Jahrhunderts
Mario Spampinato (Italiener 1912-2000)
Nackt
Bronze
Unterschrift auf der Basis
17.5 in. h. x 5.75 in. b. x 6 in. d.
Die Künstlerin ist in Italien geboren, aufgewachsen und ausgebild...
Kategorie
Mittleres 20. Jahrhundert, Figurative Skulpturen
Materialien
Bronze
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Stein, Bronze
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