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Clarence Holbrook CarterVolcano and Arch, Taormina, Sizilien, Italien, Künstler der Cleveland School, Mitte des Jahrhunderts1961
1961
Angaben zum Objekt
Clarence Holbrook Carter (Amerikaner, 1904-2000)
Vulkan und Bogen, Taormina, 1961
Aquarell auf Scintilla-Papier
Signiert und datiert oben rechts
11 x 11 Zoll
"Mein letztes Jahr an der Kunsthochschule erleichterte mir den Einstieg in das Leben, das ich liebte: Freiheit der Gedanken, Freiheit des Reisens und (ein wenig) Freiheit vom Mangel. Bei der jährlichen Mai-Ausstellung im Cleveland Museum of Art wurden fünf Öl- und Aquarellbilder von mir angenommen. Ich gewann einen dritten Preis und verkaufte alle Bilder, dank des Interesses von William M. Milliken. Das reichte aus, um mich auf die Reise über den Atlantik nach Italien, Afrika, Frankreich, Belgien und England zu machen und die Gemälde und Kunstwerke zu sehen, die ich bei der Reproduktion so bewundert hatte. Es gab mir die Möglichkeit zu leben und zu denken und meine neuen Flügel auszuprobieren. Die Gruppe von Aquarellen, die ich aus Taormina, Sizilien, zurückgeschickt habe, gewann den ersten Preis, und das Cleveland Museum kaufte eines davon. Diese wurden alle verkauft. Diese waren für die damalige Zeit radikal, was mir nicht bewusst war. Ich habe nur so gemalt, wie ich es in dem Moment sah und reagierte. Jetzt hat mich die Zeit eingeholt und ich bin nicht radikal." -Clarence Holbrook Carter, Amerikanischer Künstler, November 1946
Clarence Holbrook Carter erlangte einen nationalen künstlerischen Erfolg, der unter den Künstlern der Cleveland School seiner Zeit nahezu beispiellos war. Er wurde von bedeutenden New Yorker Händlern vertreten, erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Einzelausstellungen und wurde von den führenden Kunstkritikern in Strömen gelobt. Im Laufe seiner mehr als 60 Jahre währenden Karriere entwickelte sich Carter von einem außergewöhnlich guten amerikanischen Szenenmaler, der in der Lage war, tiefe Stimmungen heraufzubeschwören, zu einem Abstraktionisten mit stark surrealistischen Zügen.
Obwohl seine beiden Werke aufgrund ihrer unterschiedlichen Formensprache auf den ersten Blick Welten voneinander entfernt zu sein scheinen, erforschen sie doch praktisch dasselbe Thema: den Zusammenhang zwischen Leben und Tod und den Übergang von der Erde zum Geist. Das frühe Werk erhält seine Ausdruckskraft durch bestimmte Menschen, Ereignisse und Landschaften - die meisten davon stammen aus seinen Erfahrungen, als er in der Flussstadt Portsmouth, Ohio, aufwuchs -, während das spätere Werk aus den 1960er Jahren durch reine flache Formen, Farben und Gestalten, die sich als universell lesen, starke Seinszustände hervorruft. Als Hauptform wählte er die eiförmige Form, die er mit unterschiedlichen Graden von Transparenz ausstattete. Allein oder zu mehreren bewegt sich das Ei durch Carters Landschaften und architektonische Szenarien wie ein Geist auf der Suche.
Geboren und aufgewachsen im südlichen Ohio an den Ufern des wechselhaften Ohio River und seiner tückischen Überschwemmungen, entwickelte Carter schon als Kind eine Vorliebe für das Zeichnen und wurde dabei von seinen beiden Eltern ermutigt. Er war selbstbestimmt, fand überall um sich herum Inspiration und wurde durch die Tatsache ermutigt, dass seine Arbeiten als Teenager immer wieder Kunstpreise auf Bezirks- und Landesmessen gewannen. Obwohl das Geld knapp war, nachdem sein Vater (ein Postbeamter) plötzlich an einem Schlaganfall gestorben war, unterstützte Carters Mutter seinen Wunsch, von 1923-27 an der Cleveland School of Art zu studieren, wo er bei den Malern Henry Keller, Frank Wilcox und Paul Travis lernte.
Im Sommer 1927 studierte Carter in Capri bei dem Modernisten Hans Hofmann, wo er kompositorische Übungen mit Kohle und Farbe durchführte und die luzide räumliche Ordnung von Treppen, Wänden, Dächern, Bögen und anderen Elementen der komprimierten Architektur der Insel festhielt. Als er 1929 nach Cleveland zurückkehrte, hatte Carter seine erste Einzelausstellung und unterrichtete mit Hilfe von Milliken von 1930-37 Studiokurse am Cleveland Museum of Art. Im Jahr 1934 arbeitete er unter der Schirmherrschaft des Public Works of Art Project und erhielt den Auftrag, zwei Wandgemälde im Public Auditorium von Cleveland zu malen. Im Jahr 1936 malte er ein Wandbild für das Postamt in Ravenna, Ohio, sowie eines für das Postamt in seiner Heimatstadt Portsmouth, wo sein Vater gearbeitet hatte. Danach leitete er die Abteilung Nordost-Ohio der Abteilung für Malereiprojekte der Works Progress Administration, einem späteren staatlichen Kunstprogramm. Im Jahr 1938 zog er nach Pittsburgh, um bis 1944 am Carnegie Institute of Technology zu unterrichten. Carters Gemälde der American Scene aus den 30er und 40er Jahren, die seinen künstlerischen Stern begründeten, sind die Werke, für die der Künstler nach wie vor am bekanntesten ist.
Während und unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg erkannte Clarence Carter, dass seine Vorliebe für kühne Muster, dramatische Perspektiven und auffälliges, scharfkantiges Design nicht zum vorherrschenden Stil des Abstrakten Expressionismus passte. Glücklicherweise wurden diese Merkmale seines Stils auch im Bereich der kommerziellen Kunst geschätzt. So wurde Carter von 1944 bis 1959 zu einem wahren "Mad Man [Madison Avenue Man]", der für große Unternehmen wie ALCOA und die National City Bank of New York (Citibank) ehrgeizige Werbeserien entwarf, die auf der Rückseite des Magazins Fortune und auf den Innenseiten von Time, Newsweek, Business Week und US News & World Report erschienen. Carter beschrieb diese Phase seines Lebens als eine Zeit unglaublichen Erfindungsreichtums und großer Phantasie. Das gab ihm die Freiheit, bei der Bildgestaltung weitaus experimenteller vorzugehen.
Um 1964 erkannte Carter die Notwendigkeit, die Grenzen der gegenständlichen Malerei zu überwinden. Nachdem Carter in dem Ei ein starkes Symbol gefunden hatte, nutzte er es, um für den Rest seines Lebens ein erstaunliches Bildmaterial zu schaffen. Zu den ehrgeizigsten seiner späteren Gemälde gehören die "Transections", ein theologischer Begriff, der so viel wie "Übergänge" bedeutet, insbesondere zwischen Leben und Tod.
- Schöpfer*in:Clarence Holbrook Carter (1904-2000, Amerikanisch)
- Entstehungsjahr:1961
- Maße:Höhe: 27,94 cm (11 in)Breite: 27,94 cm (11 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Beachwood, OH
- Referenznummer:1stDibs: LU1768214083612
Clarence Holbrook Carter
Clarence Holbrook Carter erlangte einen nationalen künstlerischen Erfolg, der unter den Künstlern der Cleveland School seiner Zeit nahezu beispiellos war. Er wurde von bedeutenden New Yorker Händlern vertreten, erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Einzelausstellungen und wurde von den führenden Kunstkritikern in Strömen gelobt. Im Laufe seiner mehr als 60 Jahre währenden Karriere entwickelte sich Carter von einem außergewöhnlich guten amerikanischen Szenenmaler, der in der Lage war, tiefe Stimmungen heraufzubeschwören, zu einem Abstraktionisten mit stark surrealistischen Zügen. Obwohl seine beiden Werke aufgrund ihrer unterschiedlichen Formensprache auf den ersten Blick Welten voneinander entfernt zu sein scheinen, erforschen sie doch praktisch dasselbe Thema: den Zusammenhang zwischen Leben und Tod und den Übergang von der Erde zum Geist. Das frühe Werk erhält seine Ausdruckskraft durch bestimmte Menschen, Ereignisse und Landschaften - die meisten davon stammen aus seinen Erfahrungen, als er in der Flussstadt Portsmouth, Ohio, aufwuchs -, während das spätere Werk aus den 1960er Jahren durch reine flache Formen, Farben und Gestalten, die sich als universell lesen, starke Seinszustände hervorruft. Als Hauptform wählte er die eiförmige Form, die er mit unterschiedlichen Graden von Transparenz ausstattete. Allein oder zu mehreren bewegt sich das Ei durch Carters Landschaften und architektonische Szenarien wie ein Geist auf der Suche. Geboren und aufgewachsen im südlichen Ohio an den Ufern des wechselhaften Ohio River und seiner tückischen Überschwemmungen, entwickelte Carter schon als Kind eine Vorliebe für das Zeichnen und wurde dabei von seinen beiden Eltern ermutigt. Er war selbstbestimmt, fand überall um sich herum Inspiration und wurde durch die Tatsache ermutigt, dass seine Arbeiten als Teenager immer wieder Kunstpreise auf Bezirks- und Landesmessen gewannen. Carter studierte von 1923-27 an der Cleveland School of Art, wo er unter den Malern Henry Keller, Frank Wilcox und Paul Travis ausgebildet wurde. Als er 1929 nach Cleveland zurückkehrte, hatte Carter seine erste Einzelausstellung und unterrichtete mit Hilfe von Milliken von 1930-37 Studiokurse am Cleveland Museum of Art. Im Jahr 1938 zog er nach Pittsburgh, um bis 1944 am Carnegie Institute of Technology zu unterrichten. Carters Gemälde der American Scene aus den 30er und 40er Jahren, die seinen künstlerischen Stern begründeten, sind die Werke, für die der Künstler nach wie vor am bekanntesten ist. Während und unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg erkannte Clarence Carter, dass seine Vorliebe für kühne Muster, dramatische Perspektiven und auffälliges, scharfkantiges Design nicht zum vorherrschenden Stil des Abstrakten Expressionismus passte. Glücklicherweise wurden diese Merkmale seines Stils auch in der kommerziellen Kunst geschätzt. Um 1964 erkannte Carter die Notwendigkeit, die Grenzen der gegenständlichen Malerei zu überwinden. Nachdem Carter in dem Ei ein starkes Symbol gefunden hatte, nutzte er es, um für den Rest seines Lebens ein erstaunliches Bildmaterial zu schaffen. Zu den ehrgeizigsten seiner späteren Gemälde gehören die "Transections", ein theologischer Begriff, der so viel wie "Übergänge" bedeutet, insbesondere zwischen Leben und Tod.
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