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Henri Matisse
Le Turban von Henri Matisse – Porträt, Tuschezeichnung

1944

Angaben zum Objekt

*BITTE BEACHTEN SIE, DASS BRITISCHE KÄUFER NUR 5% MEHRWERTSTEUER AUF DIESEN KAUF ZAHLEN. Der Turban von Henri Matisse (1869-1954) Feder und Tusche auf Papier 51,5 x 39 cm (20 ¹/₄ x 15 ³/₈ Zoll) Signiert und datiert unten rechts, Henri Matisse 2/44 Dieses Werk wird von einem Echtheitszertifikat von Georges Matisse begleitet. Provenienz: Privatsammlung Privatsammlung, Maryland, von dort aus durch Abstammung Ausstellung: Montreal, Waddington Galleries, Henri Matisse Gemälde, Zeichnungen, Lithographien, Mimosa Rug, 3. April - 1. Mai 1976, Nr. 15, n.p. (illustriert) London, Victor Waddington, Henri Matisse Paintings, Drawings, Colour Crayons, 9. Juni - 18. Juli 1976, Nr. 15, n.p. (illustriert) Biographie des Künstlers: Henri Matisse wurde 1869 in Le Cateau-Cambrésis als Sohn einer Weberfamilie geboren und wuchs in Bohain auf. 1887 zog Matisse nach Paris, um Jura zu studieren, aber nach einer Blinddarmentzündung brachte ihm seine Mutter Kunstzubehör und er entdeckte "eine Art Paradies". Er beschloss, sich der Kunst zuzuwenden und studierte an der Académie Julian bei dem angesehenen symbolistischen Maler Gustave Moreau. Schon früh ließ sich Matisse von der asiatischen, insbesondere der japanischen Kunst, von den dekorativen Qualitäten der islamischen Kunst und der kantigen nordafrikanischen Skulptur inspirieren. Seine persönliche Sammlung von Stoffen und Teppichen aus Afrika und dem Nahen Osten hat seine Verwendung von Farben und Mustern in seinen Werken deutlich geprägt. Auch die Werke anderer moderner Künstler wie Manet und Cézanne haben ihn beeinflusst. Bei der Wahl seiner Sujets kehrte Matisse im Laufe seiner Karriere immer wieder zu Stillleben, Akten und der menschlichen Figur zurück, da er der Meinung war, dass die menschliche Form von den Impressionisten vernachlässigt worden war. Matisse war nicht nur einer der größten Koloristen des 20. Jahrhunderts, sondern auch ein großer Innovator. Sein Ziel war es, eine bildliche Harmonie zwischen Linie und Farbe zu schaffen, in der Hoffnung, eine Kunst zu schaffen, die "einen beruhigenden Einfluss auf den Geist hat, ähnlich wie ein guter Sessel". Die Beherrschung der Farbe durch Matisse wurde erstmals durch seine Rolle bei der Entstehung der fauvistischen Bewegung deutlich. Nach seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie Ambroise Vollard im Jahr 1904 verbrachte er die Sommer 1904 und 1905 in Südfrankreich, wo er zusammen mit Künstlern wie Signac, Henri Edmond Cross, André Derain und Maurice de Vlaminck Gemälde schuf, die von der gleißenden Sonne von Saint Tropez inspiriert waren und sich durch leuchtende, kontrastreiche Farben auszeichneten. 1905 stellte Matisse zusammen mit diesen Künstlern auf dem Salon d'Automne aus. Sie verwenden kräftige, unmodulierte Farben, um ausdrucksstarke und dekorative Kunstwerke zu schaffen. Eine Rezension des Kritikers Louis Vauxcelles, in der er einen "Donatello chez les fauves" (Donatello bei den wilden Tieren) erwähnte - in Anspielung auf eine Donatello-Skulptur, die sich einen Raum mit diesen Künstlern teilte - führte dazu, dass sie als Fauves bekannt wurden. Die Bewegung stieß auf Unbehagen, wie der Kritiker Camille Mauclair feststellte, der schrieb: "Man hat dem Publikum einen Farbtopf vor die Füße geworfen." Trotz dieser Zeit der Berühmtheit in Frankreich wurde Matisse im Ausland bewundert und revolutionierte die Verwendung von Farbe, wie sich sein Schüler, der schwedische Maler Henrik Sorensen, erinnerte: "Er gab uns den Sinn für Farbe als Mittel, um Tiefe, Distanz und Bewegung im Bild zu schaffen". Unbeeindruckt von der feindseligen Aufnahme des Fauvismus in Frankreich schuf Matisse in der Zeit nach dem Niedergang des Fauvismus 1906 und nach seinem Umzug nach Nizza 1917 einige seiner besten Werke. Diese Werke sind an ihren abgeflachten Formen und dekorativen Mustern zu erkennen. 1917 zog Matisse nach Cimiez, einem Vorort von Nizza, um. In dieser so genannten "Nizza-Periode" wird sein Werk weicher und kehrt zu traditionellen Formen der Figuration zurück. Er stellte oft luftige, sonnenbeschienene Innenräume dar und erfüllte damit sein Ziel, "eine Kunst des Gleichgewichts oder der Reinheit und Heiterkeit zu schaffen, die frei von beunruhigenden oder deprimierenden Themen ist". Eines seiner wiederkehrenden Sujets aus dieser Zeit war die Odaliske, oft in einem kunstvollen, orientalischen Interieur. Während diese Gemälde heute sehr geschätzt werden, wurden sie als oberflächlich und dekorativ abgetan. Nach einer Darmoperation im Jahr 1941 war Matisse auf einen Rollstuhl angewiesen, doch sein Wille, Kunst zu schaffen, blieb ungebrochen. Dieses letzte Lebensjahrzehnt von Matisse war eine Zeit der radikalen Neuerfindung und Vitalität. Er gab die Malerei ganz auf und begann "mit der Schere zu zeichnen", indem er Formen aus bemaltem Papier ausschnitt und Papiercollagen, so genannte Gouaches découpés, schuf. Bei der Erstellung dieser Scherenschnitt-Kompositionen wurde Matisse von Studio-Assistenten unterstützt, die Papierbögen mit leuchtenden Gouachefarben bemalten, bevor Matisse Laub, Früchte, Akrobaten, Tänzer und Schwimmer aus ihnen ausschnitt. Einer dieser Assistenten erinnerte sich, dass Matisse "wusste, was er suchte, aber wir nicht". Indem er direkt in die Farbe schneidet, findet Matisse die Harmonie zwischen Farbe und Linie, die er sich immer erhofft hatte. In diesen Ausschnitten vereinfachte er die Formen auf ihre absolute Essenz. Seine Serie Blue Nudes zeigt seine Fähigkeit, Farbe und Geometrie so einzusetzen, dass eine vollkommene Einfachheit entsteht. Die Zeitgenossen von Matisse taten diese Ausschnitte als Scherzartikel ab, aber Matisse bestand darauf, dass sein Werk, so unverständlich es für sein zeitgenössisches Publikum auch sein mochte, in die Zukunft weisen würde. Wie er vorausgesagt hatte, hat Matisse mit seinem Werk tatsächlich einen enormen Einfluss auf spätere Künstlergenerationen ausgeübt. Matisse hat mit seiner Farbreform den Weg für den amerikanischen Abstrakten Expressionismus in den 1940er und 1950er Jahren geebnet. Neben Persönlichkeiten wie Picasso und Marcel Duchamp gilt Matisse als einer der Künstler, die die Kunst in den ersten Jahrzehnten des 20. Aufgrund seiner persönlichen Beziehungen zu Kunstsammlern während seines Lebens, darunter der russische Kunstsammler Sergei Shchukin, die amerikanischen Sammler Gertrude, Leo und Michael Stein und ihre Freunde Clarabel und Etta Cone, befinden sich viele Werke von Matisse in diesen Sammlungen, wie die Shchukin- und Morozov-Sammlungen in Sankt Petersburg bzw. Moskau und die Cone-Sammlung im Baltimore Museum of Art. Die Werke von Matisse sind auch in den wichtigsten Galerien der Welt zu sehen, darunter das MoMA und das Guggenheim in New York, die Tate Modern in London und das Centre Pompidou in Paris.
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