Objekte ähnlich wie hölzerner kerzenleuchter und bemaltes kreuz aus der renaissance - Umbrien, 16. Jahrhundert
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hölzerner kerzenleuchter und bemaltes kreuz aus der renaissance - Umbrien, 16. Jahrhundert
Angaben zum Objekt
Sockel eines geschnitzten Holzleuchters, polychrom und vergoldet; Kreuz auf beiden Seiten bemalt.
Umbrien oder Toskana, 16. Jahrhundert
136 x 43,5 x 30 cm
(Das Kreuz und der Sockel des Leuchters wurden später montiert)
Der Sockel des Kandelabers ist kunstvoll geschnitzt und mit polychromen und vergoldeten Oberflächen verziert. Die Schäfte haben die Form von Balustern, die an antike Säulen erinnern, und sind mit Laubdekorationen, Girlanden und geflügelten Cherubgesichtern verziert. Die Füße sind in Form von Löwentatzen gearbeitet. Der Sockel ist außerdem mit Darstellungen von vier heiligen Märtyrern verziert, darunter die Heilige Barbara und die Heilige Katharina von Alexandria. Die Plastizität der mit starken Konturlinien umrissenen Figuren, die klaren und leuchtenden Farben sind Stilelemente, die mit der umbrischen Tradition des 16. Jahrhunderts verbunden sind: Die genau definierte und elegante Zeichnung sowie die klare Farbpalette, die mit raffinierten Hell-Dunkel-Modulationen eingesetzt wird, werden zur Signatur eines Stils, der die folgende Epoche nachhaltig prägen wird. Dies zeigt sich in der Vorliebe für leuchtende, mehrfarbige Bilder, die in diesem Fall durch die Verwendung von Rot und Rosa in der Kleidung des Heiligen noch unterstrichen wird.
Ein bemerkenswerter Zusatz, der erst später eingeführt wurde, ist ein beidseitig bemaltes, vielgliedriges Kreuz. Auf der einen Seite wird die Kreuzigung anschaulich dargestellt: Die Behandlung des Leichnams selbst entspricht der hochmittelalterlichen Praxis und betont das Pathos durch die Darstellung des toten Jesus, dessen Arme vom Gewicht des Körpers herabhängen. Der obere Teil zeigt einen Pelikan, der an der Brust pickt, um seine Jungen mit seinem eigenen Blut zu ernähren; ein Symbol für das Opfer Christi am Kreuz, dessen Leib und Blut auch den Zelebranten während der Messe ernährt.
Der untere Teil stellt Golgatha dar. Auf der Rückseite ist die Auferstehung künstlerisch in einer Renaissance-Ikonographie dargestellt, die an die berühmte Komposition von Piero della Francesca erinnert, die sich heute im Stadtmuseum von Sansepolcro befindet. Was die Komposition betrifft, so war dieses Motiv mit der frontalen Darstellung von Christus, der das Banner hält, im 16. Jahrhundert in Mittelitalien von der Toskana bis Umbrien besonders verbreitet.
Die doppelseitige Konstruktion lässt vermuten, dass sie auch bei liturgischen Prozessionen getragen wurde. In Umbrien war seit dem 14. Jahrhundert die Verwendung von tragbaren, beidseitig bemalten Kreuzen weit verbreitet, um die klösterliche Kundschaft zu befriedigen, die durch die Gründung neuer religiöser Gemeinschaften stark zugenommen hatte.
Die frühesten erhaltenen toskanischen Kruzifixe stellen Christus als Christus Triumphans oder den "triumphierenden Christus" mit erhobenem Haupt und offenen Augen dar. Diese Form wurde im 13. Jahrhundert durch den Christus Patiens, den "leidenden Christus", ersetzt, der oft mit auf die Schulter gesenktem Kopf und geschlossenen Augen dargestellt wird, wie in unserem Kreuz. Die Ikonographie des leidenden Christus scheint sich aus einem neuen Interesse an der menschlichen Natur Christi, der Entwicklung des Fronleichnamsfestes und der zunehmenden Bedeutung der Eucharistie entwickelt zu haben. Der Prozess der Vermenschlichung der Christusfigur erreicht seinen Höhepunkt mit dem Verzicht auf alle bisherigen Ausdruckskonventionen zugunsten realistischerer Details, die wir auf diesem Kruzifix beobachten können, wie der geschwollene Bauch, die bis zum Muskelriss gestreckten Arme, der schwer nach vorne fallende Körper, das reichlich vorhandene Blut auf der Haut.
die Wunden und das Kreuz, das fest im Felsen von Golgatha verankert ist.
Es ist erwähnenswert, dass Kandelaber aus der Renaissance oft später verändert wurden, wie in diesem Fall durch das Hinzufügen des vielblättrigen Kreuzes. Durch diese Anpassung wurde zwar die ursprüngliche Schöpfung nachdatiert, der künstlerische Wert wurde jedoch nicht geschmälert. Stattdessen zeigten sie die sich entwickelnden Geschmäcker und Vorlieben der nachfolgenden Generationen und schufen einen Dialog zwischen verschiedenen Epochen und Geschmäckern.
Dieser Kerzenständer ist groß und reich geschnitzt und zeugt von großer Pracht und künstlerischem Geschick. Die Kombination aus rein dekorativem Rankenwerk und malerischer Form ist typisch für die Renaissance-Dekoration des 16. Jahrhunderts.
So sehr die Leuchter zur Heiligung christlicher Gegenstände verwendet wurden, so sehr wurden sie im fünfzehnten und sechzehnten Jahrhundert auch unverkennbar mit der Antike und dem heidnischen Kult in Verbindung gebracht.
Kandelaber sowohl zur Beleuchtung als auch zur Verbrennung von Weihrauch, waren in der Antike weit verbreitet und wurden, wie viele römische Dekorationsgegenstände, in sehr unterschiedlichen Formen hergestellt. Ein Spaziergang durch die Galleria dei Candelabri in den Vatikanischen Museen gibt einen Vorgeschmack auf diese scheinbar unendliche Vielfalt an Marmorleuchtern, die aus natürlichen und künstlichen Bestandteilen zusammengesetzt sind.
Im fünfzehnten Jahrhundert, als die Kandelaber Teil eines größeren Lexikons aller 'antica-Formen wurden, erscheinen sie am häufigsten in sakralen Räumen. Viele der frühesten erhaltenen Exemplare stammen von Künstlern aus der Toskana, und wahrscheinlich haben Maler und Bildhauer dort zum ersten Mal das Potenzial des klassisch inspirierten Leuchters umfassend erforscht.
Dieser Kandelaber mit seinen antiken, klassischen Formen verkörpert den Geist der Renaissance, indem er Innovation mit komplizierten, von der antiken römischen Ästhetik inspirierten Designs verbindet. Die Verwendung von klassischen Formen wie Balustern, Girlanden und Akanthusblättern spiegelt das bewusste Bemühen wider, die Grandeur der Antike zu beschwören.
Der mit klassischen Formen geschmückte Renaissance-Kandelaber zeugt von der Faszination dieser Epoche für die Vergangenheit und ihrem Engagement für künstlerische Exzellenz. Die nahtlose Integration klassischer Ästhetik in funktionale Objekte wie Kandelaber beleuchtete nicht nur Räume, sondern auch die anhaltende Anziehungskraft antiker Schönheit.
Bibliographie :
H. BELTING, L'arte e il suo pubblico. Funzione e forme delle antiche immagini della passione, introduzione di G. Cusatelli, Bologna 1986
WALTER A. DYER, Furniture of the Italian Renaissance, Arts & Decoration (1910-1918), Bd. 7, Nr. 3 (JANUAR, 1917), S. 131-134
Paul Davies und David Hemsoll, "Renaissance Balusters and the Antique, "Architectural History 26,1983
E. SANDERBERG VAVALÀ, La croce dipinta italiana, Verona 1929, II ed. Rom 1980,
Elvio Longhi, La passione degli umbri, Crocifissi di legno tra Medioevo e Rinascimento, 2021
- Maße:Höhe: 136 cm (53,55 in)Breite: 43,5 cm (17,13 in)Tiefe: 30 cm (11,82 in)
- Stil:Renaissance (Aus dem Zeitalter)
- Materialien und Methoden:
- Herkunftsort:
- Zeitalter:
- Herstellungsjahr:16. Jahrhundert
- Zustand:Abnutzung dem Alter und der Nutzung entsprechend.
- Anbieterstandort:Bruxelles, BE
- Referenznummer:1stDibs: LU6666238299302
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