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Herbert FerberHerbert Ferber, Estudio escultórico expresionista abstracto firmado y enmarcado Procedencia1968
1968
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Acerca del artículo
Herbert Ferber
Sin título, 1968
Único Tinta y aguada de color sobre papel
Firmado a mano y fechado por el artista en el anverso
Enmarcado con la etiqueta original de la Galería Knoedler (bajo la dirección del respetado director Larry Rubin)
Excelente dibujo escultórico sin título realizado por el célebre escultor y pintor expresionista abstracto Herbert Ferber. Firmado a mano y fechado por el artista en el anverso. Enmarcado y listo para colgar y en buen estado vintage. La obra lleva la etiqueta original de la galería Knoedler, de la prestigiosa dirección de Lawrence Rubin.
Medidas:
Marco:
16 1/4 x 16 1/4 x 1/2 pulgadas
Hoja:
11 x 14 pulgadas
Procedencia:
Lleva la etiqueta de Knoedler and Company en el reverso. De la galería Knoedler original, a cargo de Larry Rubin.
Biografía de Herbert Ferber
(1906-1991)
Herbert Ferber, uno de los pocos artistas del Expresionismo Abstracto que trabajaban en tres dimensiones, exploró las preocupaciones de su época en esculturas dinámicas y visualmente interesantes a lo largo de una carrera que expresa de forma única el vocabulario artístico colectivo de mediados de siglo. En una obra que abarca varias décadas, la práctica escultórica de Ferber se desarrolla lenta y reflexivamente para incorporar elementos del surrealismo, el realismo social y el expresionismo.
Tras unos primeros trabajos con talla directa en madera, Ferber fue "más allá del monolito" a principios de la década de 1940, en forma de bronce modelado. (1) Esto permitió al artista explorar formas más atenuadas y expresionistas y abrió su práctica a parte de la influencia surrealista en la que también estaban interesados sus contemporáneos. En este periodo Ferber también se adentró en la abstracción total, y sus formas adelgazadas se parecían cada vez más a dibujos en el espacio. De hecho, el dibujo era un componente importante del proceso de Ferber, y varios trabajos preparatorios sobre papel precedían a cada obra escultórica. El dibujo "permitió a Ferber aflojar y abrir sus formas y liberarse de una imagen específica y literal para avanzar hacia la simplificación y la fluidez" en la escultura. (2)
En los años 50 y 60, Ferber exploró la relación entre la línea orgánica y la geométrica, sobre todo en su serie de esculturas "jaula". Estas obras a gran escala presentaban amplias formas orgánicas contenidas en marcos estrictamente rectilíneos. El artista también juega con los límites del equilibrio y el contrapeso en esculturas grandes y pequeñas. Esta obra sin título de 1966 encarna ambas direcciones en la obra de Ferber. La forma orgánica del círculo arremolinado se ve interrumpida por la agresividad geométrica de las líneas de Ferber en el espacio. Además, toda la forma se inclina dinámicamente hacia un lado, contrarrestada por la pequeña base sobre la que se asienta.
Nacido en Nueva York en 1906, Ferber asistió al City College de Nueva York desde 1923 hasta 1926, especializándose en ciencias y desarrollando al mismo tiempo un interés por las bellas artes y las humanidades. Pasó a estudiar odontología y cirugía oral en la Universidad de Columbia, donde se doctoró. Durante sus estudios de medicina, Ferber tuvo que hacer dibujos anatómicos; aquí descubrió por primera vez su habilidad como artista. Mientras estudiaba odontología, se matriculó en el Instituto de Diseño Beaux Arts de 1927 a 1930. De hecho, Ferber ejerció como dentista durante varios años y también enseñó odontología a tiempo parcial en Columbia hasta mediados de la década de 1970, cuando se dedicó plenamente a la escultura.
En los años 1930-1931, Ferber realizó sus primeras esculturas en madera, y a finales de 1932 ya había alcanzado su plenitud en este medio. Sus primeras obras eran representativas, a menudo de la forma humana, lo que probablemente sea una respuesta directa a sus dibujos de anatomía como estudiante de medicina. Su obra se hizo cada vez más abstracta con el paso de los años. Tras su estricto periodo representativo, Ferber desarrolló una creciente preocupación por las causas sociales. Su obra tomó un giro especialmente social-realista con su interés por el cambiante clima social, político y económico de los años treinta. Fue en esa misma época, hacia 1936, cuando se afilió al Club John Reed y al Sindicato de Artistas. Mientras participaba en estas organizaciones, asistió a charlas de los influyentes muralistas social-realistas mexicanos José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, que visitaban Nueva York para dar a conocer el arte social-realista. Sin embargo, a finales de la década de 1930 Ferber se había desilusionado con la política estalinista y empezó a separarse de John Reed y del Sindicato de Artistas. Los temas social-realistas siguieron algo presentes en su obra en adelante, pero de forma menos literal. Su primera exposición individual estaba compuesta por obras en madera y se celebró en 1937 en la Midtown Gallery de Nueva York. Antes de que acabara la década de 1940, había abandonado la madera como medio, insistiendo en que había hecho todo lo que podía con el material.
Como para muchos artistas estadounidenses que pasaron sus años de formación a este lado del Atlántico, el primer viaje de Ferber a Europa fue especialmente influyente. En 1938 visitó numerosas iglesias y catedrales de Francia e Italia, y se sintió especialmente influido por la escultura románica, sobre todo la de Moissac, Souillac y Carcassone. Entre 1938 y 1945, su obra se vio muy afectada por lo que él denominaba la "falsa perspectiva" de los capiteles románicos.
A medida que la carrera de Ferber avanzaba, experimentaba cada vez más con distintos tipos de metal y diferentes maneras de conseguir una forma estructural sólida. Para Ferber, sin embargo, los materiales eran una cuestión de pragmática. A menudo se pronunció enérgicamente contra la fetichización de los materiales, su mayor crítica a la Bauhaus. He creía que las ideas estaban en el corazón del arte
la fabricación, no las técnicas ni los materiales (3). Una parte notable del proceso de Ferber, producto directo de su influencia de Henry Moore, es la fase de dibujo. Becario William C. Agee
llega a calificar a Ferber de "dibujante compulsivo", cuyos estudios son dibujos lavados en toda regla que se asemejan a pinturas. Agee cita el proceso de dibujo de Ferber como una tensión significativa en su identidad como artista. Su interés por el dibujo, unido a su afecto por Miró y Picasso, indica que Ferber, Alexander Calder, David Smith y otros artistas de aquella generación ya no deseaban trazar una línea divisoria entre pintura y escultura (4). Ferber, Smith, Calder y Theodore Roszak empezaron como pintores antes de pasar a las tres dimensiones, por lo que eran más propensos a ignorar las barreras entre los medios. Hay pruebas de este enfoque de la escultura en obras de Ferber como Metamorfosis I, que tiende a una línea más atenuada, y a una apertura y una delgadez que, por lo demás, parecen pintadas en el espacio.
En 1946, Ferber se había sumergido tardía pero profundamente en el Surrealismo. Este cambio de estilo y poética fue el resultado del contacto de Ferber con los artistas de la Galería Betty Parsons, a la que se unió ese mismo año. Estos artistas y otros de la Galería Kootz, como Jackson Pollock, William Baziotes, Mark Rothko y otros, exploraban las posibilidades del Surrealismo en sus obras. El nuevo interés de Ferber por ideas surrealistas como el impulso, el inconsciente y las mitologías alteró radicalmente su creación artística. Agee cita las pinturas surrealistas de Rothko de 1944-1946 como influencias importantes en la propia obra de Ferber en aquella época.
Entre 1949 y 1950, Ferber había reafirmado su interés por la obra de Julio González, mentor de Picasso en escultura y figura influyente en los primeros años escultóricos de Ferber. Volvió a ser más consciente de los elementos formales de la creación artística y se alejó lentamente de sus tendencias surrealistas más radicales. Este enfoque más comedido forzó también un cambio físico en la estética, y su obra se orientó más hacia la verticalidad y la abstracción. El artista experimentó entonces con la escultura mural, pero pronto se sintió atraído por las posibilidades del espacio. El Minimalismo, un movimiento contemporáneo, también se preocupaba por la relación del espectador con el espacio y por el modo en que la forma construida afectaba a esa relación. Aunque la obra de Ferber difícilmente podría calificarse de minimalista, dialogaba con conceptos fenomenológicos similares. El siguiente paso en su interés por el espacio fue la integración de un armazón y, más tarde, de una estructura de "techo y pared" como parte de la escultura. Esta sugerencia de una habitación cerrada fue un subproducto del interés del artista por crear un entorno del tamaño de una habitación (5).
En 1958, Ferber estaba en estrecho contacto con el crítico e historiador de arte E.C. Goossen. Juntos desarrollaron una creciente preocupación por emular el efecto que produce en el espectador la pintura a gran escala en tres dimensiones. Goossen escribió sobre el tema en un artículo titulado "El Gran Lienzo". Los dos compartían la firme creencia en la intimidad que se experimenta al comprometerse con una pintura, especialmente a gran escala. Aunque Ferber afirma que nunca dejó de pintar, este año marca una importante integración del medio en su propia creación artística. El trabajo a partir de este momento muestra una mayor conciencia de inyectar de algún modo una presencia pictórica en sus esculturas. Seguía trabajando para diluir la línea de demarcación entre los dos medios.
La obra de Ferber se encuentra en las colecciones de la Galería de Arte Albright-Knox, Búfalo; el Centro de Arte Cantor, Universidad de Stanford, Palo Alto; el Museo de Arte de Dallas; el Museo de Arte de Honolulú; la Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.; el Museo de Newark; la Academia de Bellas Artes de Pensilvania; el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; el Museo Judío, Nueva York; y la Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, entre otros. Ferber murió en 1991 en North Egremont, Massachusetts
- Creador:Herbert Ferber (1906-1991, Americana)
- Año de creación:1968
- Dimensiones:Altura: 41,28 cm (16,25 in)Anchura: 41,28 cm (16,25 in)Profundidad: 1,27 cm (0,5 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:En buen estado vintage. Pequeñas ondulaciones, pero por lo demás en muy buen estado. En marco antiguo; los marcos no están garantizados.
- Ubicación de la galería:New York, NY
- Número de referencia:1stDibs: LU1745215023482
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Por Ron Gorchov
Ron Gorchov
Obra expresionista abstracta sin título de principios de los 60, 1962
Tinta y acuarela sobre papel
Firmado y fechado en tinta negra en el anverso inferior izquierdo
Bastidor incluido:
elegantemente flotado y enmarcado en un marco de madera de calidad de museo con plexiglás UV
Acuarela y tinta sobre papel de principios (mediados de siglo) de Ron Gorchov. Firmado a mano y fechado en el anverso. Elegantemente flotado con bordes biselados y enmarcado con marco de madera. Obra única.
No salen al mercado muchas de las primeras obras del artista; son raras y deseables.
Medidas:
Enmarcado 16,25 Vertical por 13,5 Horizontal x 1
Hoja: 11 pulgadas vertical x 8,25 pulgadas horizontal
Acompañado de un Certificado de Garantía expedido por la Galería Alpha 137
Más sobre Ron Gorchov
Ron Gorchov fusiona de forma única elementos de la escultura y la pintura abstracta: Sus lienzos característicos son curvos, como sillas de montar o escudos, y presentan formas biomórficas sobrias y coloridas, a menudo emparejadas y pintadas sobre campos de color. Sus superficies parecen atrevidas, crudas y bruscas, con un borde caricaturesco. El gusto de Gorchov por los lienzos con formas le colocó en la misma posición que otros artistas como Frank Stella, Blinky Palermo, Elizabeth Murray y Ellsworth Kelly, aunque sus singulares geometrías gemelas le diferenciaron. La obra de Gorchov se ha expuesto en Nueva York, Londres, Bruselas, París y Los Ángeles. Sus obras se han vendido hasta por seis cifras en subasta y forman parte de las colecciones del Metropolitan Museum of Art, el Museum of Modern Art, el Whitney Museum of American Art, el Guggenheim Museum, el Detroit Institute of Arts y el Everson Museum of Art.
Más sobre Ron Gorchov
"Mis cuadros están hechos sobre todo de ensueño, y de suerte".
- Ron Gorchov de la entrevista con Robert Storr y Phong Bui, septiembre de 2006
Nacido en Chicago en 1930, Ron Gorchov fue un artista estadounidense conocido por sus obras de superficie curvada. El artista ayudó a encabezar el movimiento de los lienzos moldeados. Con sus bastidores de madera arqueada tensados con lino o lienzo, tendía un puente único entre la escultura y la pintura abstracta.
Los óleos sobre lino de Gorchov emparejan una o dos formas biomórficas coloreadas con fondos de distintos colores. Los patrones de estas pinturas se asemejan a organismos vivos, contando la historia del comienzo de un determinado estado formativo. Estas cuestiones de forma y existencia se materializan mediante el uso de pinceladas audaces, que proporcionan contrastes cromáticos.
El artista colgó la obra en un bastidor de lienzo perfilado que es a la vez cóncavo y convexo, similar a escudos o monturas. Gorchov aprovechó la capacidad de la forma curva para captar la atención inmediata del espectador más rápidamente que el rectángulo tradicional. Mientras los propios cuadros juegan con la simetría y la asimetría, los bordes deformados de los lienzos de Gorchov crean nuevas dimensiones y profundidad, desorientando la percepción del espectador.
Los distintivos y asertivos bastidores en forma de silla de montar de Gorchov se crearon a finales de la década de 1960 como alternativa al omnipresente formalismo greenbergiano de la época, evidenciado en el predominio de la escultura minimalista. An He creó su primera obra sobre lienzo con forma en el estudio de Mark Rothko. An He pertenece a una generación de artistas de Nueva York de los años 60 y 70, entre los que se encuentran Frank Stella, Richard Tuttle, Blinky Palermo y Ellsworth Kelly, que llevaron la pintura al extremo. Gorchov era único en su capacidad de unir forma y contenido preservando sus tensiones.
Tras su primera exposición individual en la Galería Tibor de Nagy de Nueva York en 1960, las obras de Gorchov se han expuesto desde entonces en destacados museos y galerías de todo el mundo. Sus obras se han expuesto en Nueva York en el Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney de Arte Americano, el MoMA PS1, el Museo de Arte de Queens y el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo. También ha sido objeto de exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis ('14) y en el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran...
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