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Seymour LiptonDibujo preliminar de la escultura Diadema1957
1957
Acerca del artículo
Dibujo preliminar de la escultura Diadema
Crayón negro sobre papel, 1957
Firmado y fechado abajo a la izquierda
Dibujo preliminar de la escultura del mismo nombre de 1957, en la colección del Museo de Arte de Baltimore (43 pulgadas de altura). Hay una versión más pequeña de esta obra, ofrecida por Graham Sahay y fechada en 1960 (30 cm de alto).
Un raro dibujo AbEx de los años 50
Nota: Lipton realizó un gran número de dibujos preliminares que constituyeron la base de muchas de sus esculturas. Sus hijos y herederos, Michael y Alan, donaron varios dibujos similares al Museo de Arte Moderno (MOMA), el Museo Metropolitano, la Galería Nacional de Arte, el Instituto Smithsoniano, los Museos de Arte de Harvard y el LACMA.
Procedencia:
Propiedad del artista
Michael y Alan Lipton (hijos)
Universidad de Wilkes, Wilkes Barre, PA, De-evaluada en 2017.
- Creador:Seymour Lipton (1903 - 1986, Americana)
- Año de creación:1957
- Dimensiones:Altura: 27,94 cm (11 in)Anchura: 21,59 cm (8,5 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:
- Ubicación de la galería:Fairlawn, OH
- Número de referencia:Vendedor: FA103371stDibs: LU14013725282
Seymour Lipton
Seymour Lipton fue un escultor expresionista abstracto estadounidense. Fue miembro de la Escuela de Nueva York que obtuvo un amplio reconocimiento en la década de 1950. Sus primeras elecciones de medio pasaron de la madera al plomo y luego al bronce, y es más conocido por su trabajo en metal. Realizó varias innovaciones técnicas, como la soldadura de varillas de níquel-plata en láminas de Monel para crear formas resistentes a la oxidación. A través de la escultura de metal, Lipton se esforzó por retratar las complejidades internas de la psique humana mediante formas que se encierran y se oponen entre sí, interrelacionando formas convexas y cóncavas, sólidas y huecas. Aunque su imaginería se basaba a menudo en estímulos visuales, sus expresivas abstracciones nunca fueron traducciones literales del mundo visible. Alteraba y ordenaba las formas para crear esculturas que simbolizaran conceptos intangibles y universales absorbidos de la sociología, la psicología y el mito.
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5,0
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Procedencia: Patrimonio del artista
Estate of the artist (Estate No. 745)
Estado: Excelente
Tamaño de la imagen/hoja: 5 3/4 x 4 pulgadas
Sam Spanier (1925-2008)
Nacido en Brooklyn, Nueva York, Sam Spanier estudió pintura con Hans Hofmann (1949-50) y también en la Escuela de Arte del Valle de Taos (1951). Sus años de formación como artista en activo los pasó en París (1951-52), donde también se involucró con la obra de G. I. Gurdjieff, a través de su discípula, Mme. Jeanne de Salzmann.
En 1953, la obra de Spanier ya había empezado a recibir elogios de la crítica. Ese año realizó su primera exposición individual en una galería y fue seleccionado por Milton Avery y Hans Hofmann para recibir el prestigioso premio Lorian Fund. Su segunda exposición individual, en 1955, fue comisariada por el renombrado director del museo, Gordon Washburn. Los primeros trabajos de Spanier fueron reseñados por Dore Ashton, Donald Judd, Fairfield Porter, Stuart Preston e Irving Sandler, entre otros críticos significativos de la época.
El camino espiritual de Spanier se convirtió cada vez más en el eje central tanto de su vida como de su arte. En 1960 conoció las enseñanzas de Sri Aurobindo, que le llevaron a visitar el Ashram de Sri Aurobindo en Pondicherry, India, en 1962 y 1964, durante las cuales se sintió inspirado para abandonar la ciudad de Nueva York y fundar Matagiri (en 1968) -un centro espiritual en Woodstock, Nueva York- con su compañero de toda la vida, Eric Hughes. El trabajo que emprendió allí bifurca su vida como artista, lo separa del mundo del arte de Nueva York y altera radicalmente la trayectoria de su carrera. A partir de ese momento, sería difícil, quizá imposible, considerar su esfuerzo artístico al margen de la vida de dedicación que había emprendido y con la que seguía comprometido.
Ya en 1954, Dore Ashton había reconocido en Sam Spanier a un "visionario háptico"; en 1960, Irving Sandler escribió que las personas de los cuadros de Spanier "parecen haber sido testigos de algún acontecimiento transfigurador". En sus últimos cuadros - generalmente trabajados en pastel al óleo sobre tabla o papel - realizados durante periodos creativos intermitentes, desde mediados de los 70 hasta los últimos años de su vida, la vida interior del artista sigue siendo siempre evidente en su temática; y desde los retratos y las figuras y cabezas abstractas tipo Buda, hasta los paisajes de fantasía, los cuadros están impregnados de una rica intensidad de color y luz que sólo puede describirse como inspirada.
Las obras de Sam Spanier forman parte de las colecciones del Museo de la Sociedad Histórica de Woodstock y de la Asociación y Museo de Artistas de Woodstock. Recibió el Premio a la Trayectoria de la Asociación de Artistas de Woodstock en 2007.
Exposiciones individuales seleccionadas:
Galería Urban, Nueva York (1954, 1955, 1956); Galería Wittenborn, Nueva York (1958); Galería Mayer, Nueva York (1958, 1959, 1960); Galería Unison, New Paltz (1986, 1995, 2009); Galería Limner, Nueva York (1988); Galería Fletcher, Woodstock, Nueva York (1999).
Exposiciones colectivas seleccionadas:
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