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1 de 15

Amedeo Modigliani
Cariatida

1912

328.523,51 €

Acerca del artículo

"Cariatide" es una obra figurativa sobre papel en una paleta sutil de azul sobre papel buff del artista italiano Amedeo Modigliani. La obra está firmada a lápiz, abajo a la derecha, "Modigliani" La muerte prematura de Modigliani a causa de la tuberculosis en 1920, a la edad de 35 años, privó al mundo de uno de los padres del Arte Moderno. Su obra fue revolucionaria; vivir y trabajar en París durante el primer cuarto del siglo XX situó al joven artista en el centro del avance más significativo de la pintura desde el Impresionismo, varias décadas antes. Su corta y brillante carrera, repleta de sus característicos desnudos, no podría apreciarse completamente sin tener en cuenta el importante corpus de obras sobre papel. "Cariátide" se refiere a las esculturas arquitectónicas griegas, las Cariátides. Estas columnas talladas en figuras femeninas sostienen el entablamento de los templos. Modigliani llamó al tema su "columnas de ternura". Este dibujo ofrece un ejemplo temprano de las líneas curvas y las formas almendradas que marcan el estilo característico de Modigliani. Independientemente de quiénes fueran sus modelos o de lo conservadoras que vistieran, Modigliani se deleitaba exponiendo la sensualidad de sus modelos femeninas. A veces su enfoque era más explícito que otras. En este precioso retrato de una modelo anónima de 1919, el artista logra intimidad con ella por la forma en que aplica la pintura al lienzo. Representa su figura con pinceladas semitransparentes, casi vacilantes, que evocan la inocencia de esta joven. Las cualidades formales del óleo adquieren la luminiscencia de una acuarela, y el modelo es literalmente "despojado" de toda opacidad. Aunque sus retratos están considerados entre los mejores del siglo XX, los métodos de trabajo de Modigliani eran poco ortodoxos. Su buen aspecto y su temperamento bacanal intimidaban a veces a sus modelos, y sus payasadas poco profesionales daban lugar a una tarde animada, si no enervante, en el estudio. Lunia Czechowska, una de sus modelos más frecuentes, describió cómo la alegría de vivir del artista se apoderó de él la primera vez que pintó su retrato: "Poco a poco, a medida que avanzaba la sesión y pasaban las horas, dejé de tenerle miedo. Le veo todavía en mangas de camisa, con el pelo alborotado, intentando fijar mis rasgos en el lienzo. De vez en cuando extendía la mano hacia una botella de vino de mesa barato (vieux marc). Pude ver cómo el alcohol hacía efecto: estaba tan excitado que hablaba conmigo en italiano. Pintó con tanta violencia que el cuadro se le cayó sobre la cabeza cuando se inclinó hacia delante para verme mejor. Estaba aterrorizada. Avergonzado de haberme asustado, me miró dulcemente y se puso a cantar canciones italianas para hacerme olvidar el incidente" (citado en Pierre Sichel, A Bioghaphy of Amedeo Modigliani, Nueva York, 1967, p. 325). Aparte de las influencias históricas, Modigliani era muy consciente de la evolución artística de su propia época. Aunque nunca se adhirió por completo a la sintaxis del cubismo, adoptó algunos de sus recursos estilísticos, como la simplificación geométrica y la ruptura de las formas, y estuvo cerca de los escultores Ossip Zadkine y Jacques Lipchitz, ambos muy influidos por el cubismo. Aún más importante, quizá, fue su relación con Brancusi, a quien conoció en 1909. Brancusi no sólo le animó a tallar directamente en piedra, lo que le hizo abandonar prácticamente la pintura durante varios años, sino que también le dio la demostración más convincente de cómo las influencias de la más amplia gama posible de fuentes -tribales, arcaicas, asiáticas y africanas- podían transformarse en un lenguaje personal de la mayor originalidad. Aunque Modigliani nunca desarrolló un estilo tan cercano a la abstracción y tan alejado del mundo de las apariencias naturales como el de Brancusi, estuvo muy influido por las formas simplificadas de Brancusi, reduciendo los rostros de sus modelos a unos pocos rasgos muy estilizados.

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