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Simone Cantarini
Estudios para el Juicio de Salomón, dibujo a doble cara de Simone Cantarini

hacia 1643-1648

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Acerca del artículo

En este estudio de tiza roja de doble cara, Simone Cantarini nos ofrece una doble reflexión sobre el tema del Juicio de Salomón. Esta lámina revela su estilo preciso y su sentido del detalle, que combina aquí con una verdadera inspiración barroca en la composición. 1. La tumultuosa vida de Simone Cantarini, de Las Marcas al estudio de Guido Reni en Bolonia. Simone Cantarini nació en 1612 en Pesaro, en las Marcas, región que fue encrucijada de artistas de muchas partes de Italia. Cantarini comenzó su formación artística bastante joven, probablemente entre 1623 y 1625, en el taller de Giovanni Giacomo Pandolfi (?1570-1640?), pintor de obras religiosas que combinó el naturalismo local con el estilo manierista de finales del siglo XVI. Tras un breve viaje a Venecia, Cantarini se trasladó al taller de Claudio Ridolfi (?1570-1644), alumno de Paolo Veronese (1528-1588). De Ridolfi recibió formación en la manera veneciana, que también era una fuerte corriente en la tradición local, así como un profundo aprecio por el arte de Federico Barocci (1535-1612), con quien Ridolfi había trabajado en Urbino. Hacia 1629, Ridolfi abandonó Pesaro, obligando a Cantarini a continuar sus estudios por su cuenta. Además de los grabados de los Carracci, el joven artista se fijó cada vez más en Barrocci y también en el arte caravaggesco, aunque muy personal, de Orazio Gentileschi, que ejecutó varias obras en las Marcas durante la década de 1610, y de Giovan Francesco Guerrieri (1589-1657), de la cercana Fossombrone. Como cuenta Malvasia , el acontecimiento más significativo de la juventud de Cantarini fue la llegada, probablemente en 1632, de la Virgen y el Niño con los santos Tomás y Jerónimo de Guido Reni (1575-1642) a la catedral de Pesaro (hoy Pinacoteca Vaticana). No contento con estudiar el estilo de Guido sólo a partir de esta obra, Cantarini fue a la iglesia de San Pietro in Valle, en la cercana Fano, para copiar y dibujar a partir de la Entrega de las llaves a Pedro de Guido (actual Louvre, París), terminada en 1626, y la Anunciación de 1620-21. El joven artista asimiló rápidamente el estilo de Guido y pronto recibió importantes encargos. El deseo de Cantarini de ir a Bolonia para estudiar en el taller de Guido recibió un impulso adicional por un atentado contra su vida resultante de hazañas amorosas, que, según da a entender Malvasia, se inspiraron en un estudio demasiado minucioso de los grabados lascivos de los Carracci. A su llegada a Bolonia, probablemente en 1634 o 1635, Cantarini se presentó en el taller de Guido como pintor de escasa formación. Sus habilidades pronto se hicieron evidentes. Aunque Guido reconocía que Cantarini era ya un pintor plenamente formado, convirtió al joven en su alumno de mayor confianza y le consiguió numerosos encargos. Con el tiempo, sin embargo, el infame orgullo y la lengua desenfrenada de Cantarini salieron a relucir y distanciaron al maestro y a todo el estudio. Un punto de fricción fue la negativa de Cantarini a utilizar su considerable talento como grabador para propagar los diseños de Guido, alegando que los suyos eran igualmente dignos de publicación. La ruptura decisiva se produjo en 1637. A partir de ese momento, las relaciones de Cantarini con sus mecenas también se deterioraron rápidamente, hasta el punto de que sus encargos disminuyeron casi por completo. En 1639, Cantarini aparece documentado en la boda de su hermana en Pesaro. Debió de ser poco después, en 1640 o 1641, cuando realizó un breve viaje a Roma. Tras la muerte de Guido en 1642, Cantarini regresó a Bolonia, donde mantuvo un exitoso estudio hasta su muerte en 1648, tras una estancia en Mantua. Su comportamiento y sus críticas a la colección Gonzaga crearon un escándalo y se sospecha que fue envenenado por un rival enfadado. 2. El juicio de A. Solomon Esta escena del Antiguo Testamento se describe en el Primer Libro de los Reyes (3, 16-28). Dos mujeres habían dado a luz a un niño cada una, pero una de ellas murió asfixiada. Luego se pelearon por el hijo superviviente. Para resolver la disputa, Salomón pidió una espada y ordenó que cortaran al niño en dos. Una de las mujeres declaró que prefería entregar al niño antes que verlo morir, y Salomón reconoció así a la verdadera madre del niño, a quien se lo habían confiado. La lección magistral de este juicio es desprenderse de la igualdad aparentemente satisfactoria para buscar la verdadera justicia. El análisis de las emociones que llevaron a la disputa (celos en el caso de la no-madre, instinto maternal en el caso de la madre) es más importante que las pruebas materiales. El apaciguamiento de las partes, consecuencia de la verdadera justicia, se basa en el análisis de las emociones subyacentes. La verdadera madre conserva a su hijo, la celosa es castigada: las malas intenciones son derrotadas, el amor es recompensado. Esta historia se utilizaba a menudo para ilustrar el precepto de que la justicia no es igualdad, a veces en entornos laicos. 3. Descripción del dibujo Aunque consideramos que las dos escenas tienen el mismo interés, el dibujo procede de una colección anterior en la que había recibido un montaje de ventana. El desgarro desigual de este montaje (que se ha conservado) a la derecha indica que este dibujo se presentaba entonces con la cara firmada en el anverso, por lo que hemos conservado esta denominación, aunque el dibujo del reverso pueda parecer más logrado (¡y mejor centrado!). Lo fascinante de este dibujo es que tiene dos caras, "pivotando" (como veremos) en torno a la figura de la madre celosa, que está representada de frente, con los brazos extendidos hacia su izquierda. Esta misma figura está a la izquierda del soldado que sostiene al niño en la composición del anverso, y a la derecha de Salomón en el reverso. Nos parece que estos dos estudios son como dos momentos de una misma narración: en el primer caso (verso), las dos mujeres se encuentran ante el rey Salomón, sentado en su trono, con los brazos extendidos en un gesto imperioso. La mujer que está de pie adopta una postura acusadora, mientras que la otra, agachada con una rodilla en el suelo, está en posición de humilde súplica. La diferencia entre las posturas de estas mujeres arroja luz sobre la naturaleza de las protagonistas, y reconocemos en este humilde gesto a la verdadera madre del niño, dispuesta a todo para salvar a su hijo mientras la otra madre la calumnia. En la escena representada en el anverso, la cabeza del recién nacido ha sustituido a la mano de Salomón en el centro de la composición. Es sujetado por una pierna por un soldado representado en contrapposto. Aún arrodillada, la madre real se encuentra ahora frente al soldado, cuyo brazo detiene, al tiempo que lanza una mirada suplicante a Solomon, a su derecha. El significado de esta mirada sólo puede entenderse en referencia a la escena anterior (hubiera sido más lógico que ella mirara al soldado), y podemos imaginar que el artista buscaba el trazado de una gran composición en la que este grupo de dos mujeres con movimientos simétricos hubiera quedado enmarcado a su izquierda por el soldado y a su derecha por Salomón. 4. Obras de arte relacionadas Desgraciadamente, nuestras investigaciones no han permitido encontrar ninguna otra obra de Cantarini que trate el mismo tema, ya que los temas del Antiguo Testamento son bastante raros en su obra gráfica. La gran soltura del artista en este dibujo nos lleva a considerarlo una obra de madurez (hacia 1643 - 1648), cuando, habiendo regresado a Bolonia tras la muerte de Guido Reni, dirigía un próspero taller. Este dibujo refleja perfectamente la resonancia cruzada, destacada por Marina Cellini en su libro sobre los dibujos del Álbum Horne , entre la herencia barroca y la influencia de Rafael, cuyos dibujos coleccionaba. La influencia de Rafael es perceptible aquí en la figura "angelical" del soldado. La figura de Salomón y la torsión de la espalda de la mujer a los pies del soldado, con un hombro desnudo, pueden evocar el Juicio de Salomón de Valentin de Boulogne (10ª foto de la galería), pintado hacia 1627 -1629 (existen dos versiones: una en el Louvre, la otra en la Galería Barberini de Roma), que Cantarini pudo haber visto durante su estancia en Roma. 5. La obra gráfica de Simone Cantarini Simone Cantarini fue un prolífico dibujante, y sus numerosos dibujos se conservan en importantes colecciones públicas de todo el mundo. La técnica de la tiza roja utilizada en el dibujo que aquí presentamos es típica del artista, como ilustra el dibujo de Venus y Adonis del Museo del Louvre que reproducimos a continuación (última foto de la galería). Una particularidad de los dibujos de Cantarini es que a menudo se conservaban en álbumes, como la hoja que presentamos aquí. Los dibujos de su taller boloñés fueron adquiridos en bloque por varios coleccionistas locales, mientras que otros fueron heredados por su familia en Pesaro y luego vendidos en grupo a coleccionistas locales. Estas colecciones han sido desmembradas posteriormente. ¡En su libro sobre el Álbum Horne (un conjunto de 44 dibujos, en su mayoría de Cantarini, comprados probablemente en Inglaterra hacia 1818-1820 al marqués Antonio Antaldi y reunidos desde entonces en un único álbum que ahora posee la Fundación Horne de Florencia), Marina Cellini menciona varias colecciones históricas importantes que han sobrevivido en parte en colecciones públicas: la de la biblioteca de Pesaro (de la que también se dice que procedía de la del marqués Antaldi), la del Museo de Río de Janeiro (!), comprada en bloque por José da Costa e Silva a la familia Fava de Bolonia, o la de la Pinacoteca Brera de Milán, que procedía del coleccionista Filippo Acqua (1737-1808), quien a su vez las adquirió a uno de los herederos de Cantarini. Nuestra hoja presenta varias anotaciones en los márgenes superiores, que pueden arrojar luz sobre su procedencia mediante la comparación con otros dibujos con anotaciones similares (lamentablemente, hasta la fecha no se ha digitalizado ninguna de las colecciones mencionadas). 6. Encuadre Este dibujo a la tiza roja se ha enmarcado en un marco boloñés del siglo XVII. La montura es de doble cara, lo que permite exponer el dibujo por el anverso o por el reverso, mientras que la cara no expuesta, también protegida por cristal, puede verse en la parte posterior del marco.
  • Creador:
    Simone Cantarini (1612 - 1648, Italiano)
  • Año de creación:
    hacia 1643-1648
  • Dimensiones:
    Altura: 46,99 cm (18,5 in)Anchura: 43,03 cm (16,94 in)
  • Medio:
  • Movimiento y estilo:
  • Época:
    1640-1649
  • Estado:
    Dimensiones : 222 x 193 mm (enmarcado 47 x 43 cm) Firmado al pie con tinta "Pesares". Marco: Marco boloñés del siglo XVII en madera tallada y dorada.
  • Ubicación de la galería:
    PARIS, FR
  • Número de referencia:
    1stDibs: LU1568216519142

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