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George AaronsEscultura de escayola Relieve Art Decó Placa WPA Artista Paz Espadas a Arados
Acerca del artículo
El tamaño incluye el montaje en madera.
George Aarons (nacido Gregory Podubisky, en San Petersburgo, Rusia, 1896 - fallecido en Gloucester, Massachusetts 1980) fue un distinguido escultor que vivió y enseñó en Gloucester, Massachusetts, durante muchos años hasta su muerte en 1980. Tuvo, muchos estudiantes en la zona y diseñó la Medalla Conmemorativa del 350 Aniversario de Gloucester.
Aarons se trasladó de Rusia a Estados Unidos cuando tenía diez años. Su padre era comerciante. Comenzó a tomar clases de dibujo por las tardes en la Escuela Pública Dearborn de Boston cuando era adolescente y llegó a estudiar en el Museo de Bellas Artes de Boston en 1916. Aarons se trasladó más tarde a Nueva York para estudiar con Jo Davidson y otros maestros formados en París en el Instituto de Bellas Artes. Con el tiempo regresó a la zona de Boston y estableció estudios en Brookline y Gloucester (Massachusetts). Durante su vida, fue reconocido internacionalmente y ganó varios premios prestigiosos. Aarons tenía estudios en Brookline (Massachusetts) y Gloucester (Massachusetts), donde producía grandes figuras de bronce y mármol y tallas de madera. Realizó varios proyectos para la Works Progress Administration, entre ellos un grupo de tres figuras para el Jardín Público (Boston), un estibador, un pescador y un trabajador de la fundición, así como un gran relieve (1938) para el Proyecto de Viviendas del Sur de Boston y la fachada del Edificio Congregacional Hebreo de Baltimore (1956).
Sus obras se encuentran en el Museo de Arte de Ein Harod (Israel), el Museo de Arte de Fitchburg (Massachusetts), el Museo de St. Denis (Francia), la Biblioteca Hilles del Radcliffe College de Cambridge (Massachusetts) y la Casa Hillel de la Universidad de Boston (Massachusetts).
Realizó relieves para la Sala Siefer de la Universidad Brandeis en Waltham, Massachusetts (1950); para Edward Filene (fundador de los Grandes Almacenes Filene's y filántropo) en el Boston Common; para el Monumento a los Bomberos en Beverly, Massachusetts; para un monumento a Mitchell Frieman en Boston; para la Oficina de Correos de EE.UU. en Ripley, Mississippi; y para el Edificio de Teléfonos de Cincinnati.S. Post Office en Ripley, Mississippi; y en el Cincinnati Telephone Building; el edificio de la Combined Jewish Philanthropies en Boston (1965); y una medalla conmemorativa del 350 aniversario de la ciudad de Gloucester, Massachusetts (1972).
Característico de su época, George Aarons fue uno de los escultores estadounidenses nacidos en el extranjero de principios del siglo XX que comenzaron sus carreras como académicos y evolucionaron hasta convertirse en modernistas y artistas cada vez más abstractos.
En esta exposición se presentaron más de treinta piezas que abarcan toda la carrera de este escultor, incluidas obras en bronce, madera y escayolas originales de diversos medios. Al igual que sus contemporáneos, Aarons experimentó con la talla directa en madera, y fue uno de los pocos escultores de formación académica que talló sistemáticamente sus propias obras en mármol. Sus primeros trabajos fueron obras figurativas de inspiración clásica, junto con sensibles retratos. Algunas de sus esculturas más poderosas proceden de su periodo intermedio, cuando trabajó su dolor emocional tras la comprensión global del Holocausto judío. He representó la profunda ansiedad de la humanidad ante esta tragedia con figuras que tienen a la vez una carga simbólica y una belleza conmovedora. La obra tardía de Aaron consiste en formas radicalmente simplificadas que siguen haciendo referencia a la forma humana y a menudo están talladas directamente en madera y piedra.
Aarons veraneó e impartió clases en Cape Ann durante muchos años, antes de trasladarse a Gloucester a tiempo completo con su esposa hacia 1950. Aunque Aarons es más conocido localmente por sus obras a escala doméstica, también ejecutó numerosos encargos públicos monumentales que pueden encontrarse por todo Estados Unidos en ciudades como Washington, D.C.; Baltimore, Maryland; y Cincinnati, Ohio; así como en Francia e Israel.
Como se señala en un artículo del Gloucester Daily Times, Aarons quería que sus esculturas honraran las luchas y la nobleza de las personas y arremetieran contra el mal que se les hacía. Por eso, aunque su obra se fue haciendo cada vez más abstracta, estilizada y simplificada, nunca abandonó la forma de la figura humana, que había sido su centro de atención desde sus primeras obras.
Aarons declaró al Gloucester Daily Times en septiembre de 1954 que le resultaba difícil recordar a qué edad empezó a estudiar arte, pero recordaba que el modelo desnudo tenía que vestirse parcialmente cuando estaba en clase porque era muy joven. Al principio estudió pintura y dibujo en la escuela del museo, pero una vez dijo que le fascinó la escultura cuando conoció a un escultor consagrado en la Sociedad Copley de Boston, que invitó a Aarons a su estudio y le ofreció arcilla para que "jugara" con ella.
Tras licenciarse, trabajó como aprendiz con los escultores Richard Brooks, Robert Baker y Solon Borglum. Trabajó como carpintero, constructor naval, friegaplatos y deshollinador. Realizaba decoraciones arquitectónicas, incluidas figuras para fuentes y, de vez en cuando, algún que otro retrato por encargo. Regresó a Boston a principios de la década de 1920 y empezó a exponer sus propias obras y a recibir encargos de retratos, fuentes y relieves.
Sus esculturas de esta época son soñadoras y románticas, en el estilo realista y académico de la época. Un retrato pintado del joven Aarons que se incluye en la exposición de la Asociación Artística de la Costa Norte muestra a un tipo decidido, con el pelo castaño oscuro, traje y pajarita. Sin embargo, en 1922, este joven y decidido artista vivía con sus padres en la calle Calder de Dorchester.
En los años 30, Aarons adoptó el estilo aerodinámico y monumental de las obras socialistas de la época. Aarons ganó dinero, como haría toda su vida, con encargos, vendiendo su obra personal y enseñando escultura, pero la Depresión de los años treinta fue dura para todos.
Así que Aarons encontró trabajo a través de la Works Progress Administration federal, uno de los programas del Nuevo Trato de Franklin Roosevelt. Recibió su primer encargo importante cuando le pidieron que creara una escultura pública para el proyecto de viviendas públicas South Boston Harbor Village, hacia 1937. Fue ascendido al puesto de supervisor del proyecto y recibió el correspondiente aumento de sueldo de 5 $, con lo que su salario semanal pasó a ser de 32 $. El aumento le convenció de que estaba en condiciones de casarse y le propuso matrimonio a Gertrude Band, una atractiva bailarina morena con la que llevaba saliendo más de un año. Se casaron antes de que se inaugurara el proyecto Harbor Village, el Día del Trabajo de 1938.
En el diseño de Aarons aparecían un pescador, un estibador y un obrero musculosos y de tamaño superior al natural, flanqueados por un niño y una niña en cada extremo para representar a los niños que vivirían en los apartamentos. Aarons eligió hacer la pieza en piedra fundida para emplear carpinteros y obreros, así como artesanos, para un total de 10 hombres.
En su escultura, Aarons se centró cada vez más en el tema de las personas oprimidas, ya que le preocupaba la expansión del fascismo y el nazismo durante los años 30, la Segunda Guerra Mundial y después. Había realizado obras a mediados de la década de 1930 sobre la opresión de los afroamericanos, entre ellas "Cabeza de negro", que se encuentra en la retrospectiva de la North Shore Art Association. Tras la guerra, también profundizó en temas judíos y se hizo cada vez más conocido como importante artista judío, lo que le valió encargos de organizaciones judías de todo el país y del extranjero.
"He gets into raw emotion. Algunos lo describen como expresionista por la emoción (de su obra)", dice Reynolds.
Pero Aarons también esculpió sensuales desnudos sexuales, como Adolescencia de 1948, también en el Museo Histórico de Cape Ann, y varios en la retrospectiva de la Asociación de Arte de North Shore.
Las esculturas de Aarons eran cada vez más estilizadas. Representaba a personas abatidas y retorciéndose de dolor, pero se centraba cada vez más en la forma abstracta y la estructura de las piezas. A menudo conservaba la forma del bloque original de madera, mármol o piedra caliza en las piezas acabadas.
En 1953, Aarons recibió el encargo de esculpir una serie de relieves en bloques de piedra caliza de la fachada de la Congregación Hebrea de Baltimore, en Maryland.
Lo más destacable de la obra es su representación de los Diez Mandamientos en dos tablillas altas. Simbolizó los cinco primeros, que tratan de los deberes de las personas para con Dios, con un grupo de llamas que subían por la tabla. Simbolizó los cinco mandamientos siguientes, que tratan de los deberes de las personas entre sí, con una textura parecida a un terrón a lo largo de la tablilla.
Aarons no era un hombre religioso, a pesar de los temas judíos de su obra.
"Hablo en madera, piedra o bronce". Su estatua de Thomas Jefferson decoraba la oficina del secretario del Tesoro en Washington D.C. Su monumento a Edward A. Filene se erigió en el Boston Common. La ciudad de Gloucester le encargó el diseño de una medalla para conmemorar el 350 aniversario de la ciudad en 1972. Había expuesto en el Museo de Bellas Artes de Boston, el Museo Whitney de Nueva York, el Museo de Arte de Dallas (Texas), el Museo de Arte de Cleveland (Ohio) y la Galería de Arte Corcoran de Washington D.C. Localmente, sus obras están expuestas en la Biblioteca Libre Sawyer de Gloucester y en el Ayuntamiento de Manchester.
- Creador:
- Dimensiones:Altura: 20,32 cm (8 in)Anchura: 25,4 cm (10 in)Profundidad: 2,54 cm (1 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
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- Ubicación de la galería:Surfside, FL
- Número de referencia:1stDibs: LU3829617992
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Materiales: Madera cubana (¿caoba?)
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Florencio Gelabert, con un estilo que recuerda al Art Déco y al Art Nouveau en una estilización expresionista latinoamericana. Escultura de madera tallada. Representa la forma estilizada modernista de un hombre en estilo streamline moderne.
José Florencio Gelabert Pérez (Caibarien, 1904 - La Habana, 1995) Músico, escultor, dibujante y profesor cubano. Se graduó en la Academia Nacional de Bellas Artes de San Alejandro en 1934. Recibió numerosos premios, menciones y reconocimientos en Salones y Círculos de Bellas Artes. Sus obras forman parte de la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes. Florencio Gelabert es un reconocido escultor, que realizó más de veinte exposiciones individuales a partir de 1929, varias en el Museo Nacional de Bellas Artes, y participó en más de treinta colectivas en Cuba, España y Brasil, esta última en la Bienal de Sao Paulo. viajó de Caibarién a Santa Clara en 1928 para audición para ingresar en la famosa Escuela de Bellas Artes San Alejandro de La Habana. He obtuvo una de las cinco vacantes. Ya en la capital cubana, combinó las bellas artes y la música. Cuando se licenció, fue profesor en San Alejandro y director de la academia en 1960.
Con una vocación común a los escultores de madera -que comenzó con sus clases de carpintería de talla en la escuela primaria y la vida activa de los astilleros de su ciudad natal-, sus cinceles y gubias convirtieron febrilmente la caoba, la "ácana" y el ébano en cabezas femeninas de rasgos negroafricanos que datan de 1930.
En 1938 utilizó sus ahorros para explorar Europa: Francia (París, Marsella), Italia (Nápoles, Roma, Florencia y Venecia), Bélgica (Malina). Su encuentro con las obras de Aristide Maillol, Auguste Rodin, Ossip Zadkine, Constantin Brancusi e incluso con Wifredo Lam, que también nació en otra zona costera cubana, Sagua la Grande, y su encuentro con la escultura de David desnudo de mármol. de Miguel Ángel marcaron puntos importantes en su desarrollo artístico.
Tras su periplo europeo, sus raíces caribeñas parecían intactas. La técnica llenó sus sentidos. "Era como plantar ideas", dijo el artista años después.
Gelabert viajó a Estados Unidos (Nueva York, Washington, Filadelfia) en 1940. Allí descubrió los incalculables valores del hormigón que recubría los grandes rascacielos. Más tarde, tuvo la certeza de que el material podía utilizarse para hacer esculturas. Años más tarde vivió en México, donde conoció al muralista Jose Clemente Orozco y realizó una exposición personal en el Palacio de Bellas Artes con 40 obras, algunas de ellas realizadas con la técnica de la cera perdida que aprendió en la nación latinoamericana. El Hotel Riviera de 1957 permitió al artista dar rienda suelta a su imaginería y demostrar lo bellas que podían ser las esculturas de hormigón, aunque prefirió hacer una serie de figuras de bronce para el vestíbulo del establecimiento. Con el océano como feroz telón de fondo, Gelabert diseñó una serie de esculturas para la entrada del hotel: un caballito de mar, una ninfa, un tiburón, delfines, realizadas en hormigón directo altamente resistente. Creó La Velocidad, que decora la entrada de la Estación de Autobuses de La Habana; la fuente del Hotel Atlántico en la playa de Santa María del Mar; el inmenso cangrejo a la entrada de su ciudad natal de Caibarién; el gran mural hecho con trozos de mármol en la confluencia de las calles Primelles y Santa Catalina de la capital cubana.
José Florencio Gelabert Pérez (Caibarién, 23 de febrero de 1904-La Habana, 30 de agosto de 1995) Músico, escultor, dibujante y profesor cubano. Se graduó en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro en 1934. Recibió numerosos premios, menciones y reconocimientos en Salones y Círculos de Bellas Artes. Obras suyas se encuentran en la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes. Florencio Gelabert es un escultor de reconocimiento.Realizó más de veinte exposiciones personales desde la temprana fecha de 1929, varias en el Museo Nacional de Bellas Artes, y participó en más de treinta colectivas en Cuba, España y Brasil, en esta última en la VI Bienal de Sao Paulo.
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