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Stefanie Schneider
Rodeo Grounds - Hasta que la muerte nos separe - díptico, 128x150cm y 128x126cm
2010

Name: Rodeo Grounds - Hasta que la muerte nos separe - díptico, 128x150cm y 128x126cm
Brand: Stefanie Schneider
Rating: 4.9 (36 reviews)

Acerca del artículo

Rodeo Grounds" (Hasta que la muerte nos separe) 2010, díptico 128x150cm y 128x126cm juntos 126x286cm incluyendo un espacio de 10 cm entre ambas piezas, Edición 1/5, impresión analógica C-Print, impresa a mano por el artista, basada en 2 Polaroids, Certificado y Etiqueta de firma Inventario del artista nº 4300.01, No está montado. Stefanie Schneider: Una visión alemana del Oeste americano Las obras de Stefanie Schneider evocan la obsesión de Ed Ruscha por la experiencia americana, la riqueza de los desiertos de Georgia O'Keefe y la soledad de los inquietantes cuadros de Edward Hopper. Entonces, ¿cómo se convirtió exactamente este fotógrafo alemán en uno de los artistas más importantes de la narrativa estadounidense de los siglos XX y XXI? Nacida en Alemania en 1968, la fotógrafa Schneider solía dividir su tiempo entre Berlín y Los Ángeles desde los años 90 hasta establecerse definitivamente donde comienza su proceso en el Oeste americano, en lugares como las llanuras y los desiertos del sur de California, donde fotografía a sus sujetos. En Berlín, Schneider desarrolló y amplió sus obras a mano. El tema de la conservación y el deterioro es una parte esencial de la obra de Schneider. En una entrevista concedida en octubre de 2014 a Artnet, la artista explicó cómo le inspiran sus propias experiencias de dolor y pérdida. mi obra se parece a mi vida: El amor, perdido y no correspondido, deja su huella en nuestras vidas como un dolor sin sentido que no tiene cabida en el presente.'' el ex amante experimenta los residuos del amor como un amputado experimenta la sensación de un miembro fantasma'' - Stefanie Schneider Los sujetos de Schneider suelen aparecer en escenarios apocalípticos: llanuras desérticas, parques de caravanas, campos petrolíferos, moteles destartalados y playas vacías, solos o, si no, sin conexión entre sí. es la experiencia tangible de la "ausencia" lo que ha inspirado mi obra", explica Schneider. Barnebys, 3 de mayo de 2017 Stefanie Schneider entrevistada por el cineasta holandés Willem Baptist ¿Cuándo decidió trabajar con Polaroids? ¿Por qué las Polaroid parecen sintonizar tan bien con nuestros sentidos (artísticos), nuestra percepción y nuestra mente? Empecé a utilizar película Polaroid caducada en 1996. Tiene la calidad más hermosa y resume perfectamente mi visión. Los colores por un lado, pero luego el momento mágico de presenciar cómo aparece la imagen. El tiempo parece detenerse, y el acto de ver cómo se desarrolla la imagen puede compartirse con las personas que te rodean. Capta un momento, que se convierte en pasado tan instantáneamente que la decadencia del tiempo es aún más evidente; - confiere a la imagen un cierto sentimentalismo. El momento Polaroid es siempre original. Un artefacto. ¿Por qué utilizar un medio del pasado? Para mí, lo analógico siempre ha estado ahí, en el presente. Para la nueva generación, lo analógico es interesante porque es nuevo para ellos. Entiendo que las personas que crecen en una era digital se pregunten sobre su utilidad, pero es algo que pueden recuperar si quieren. Cuando empecé a trabajar con Polaroid, no era el pasado. Era un medio parcialmente olvidado, pero existía. Es mío por elección, ya que no hay sustituto para la belleza tangible. ¿Es imperfecto? La perfección imperfecta en una especie de "wabi-sabi". Wabi-sabi (侘寂) representa una visión global del mundo o estética japonesa centrada en la aceptación de la fugacidad y la imperfección. A veces se describe la estética como una belleza imperfecta, impermanente e incompleta. si un objeto o una expresión puede provocar en nosotros una sensación de serena melancolía y un anhelo espiritual, entonces puede decirse que ese objeto es wabi-sabi". el wabi-sabi nutre todo lo auténtico al reconocer tres simples realidades: nada dura, nada está acabado y nada es perfecto" ¿Es la fotografía Polaroid reconocible o incluso a veces tópica? ¡Claro que sí! Hay algo de cliché en la forma de mostrar el Sueño Americano. Yo mismo lo vivo, intentando encontrar la perfección en un mundo imperfecto. Alcanzar el horizonte. El sueño se rompe; el cliché se derrumba. Hay diferentes maneras de implicar al público. Se podrían hacer películas como "Gummo", de Harmony Korine, una obra maestra en mi opinión, pero que probablemente alejaría a una gran parte del público. Una cierta formación cinematográfica es un requisito previo. O puedes empezar con clichés, el público se siente seguro, lo que le atrae a la profundidad de tu mundo sin que se dé cuenta o sin que entienda a dónde le estás llevando exactamente. Apelar a las emociones y al subconsciente. Normal, cambio, nueva normalidad. En su obra revisita continuamente el paisaje del Oeste americano. ¿Qué le atrae de esta escena? El sur de California representa un sueño para mí. El contraste entre el norte de Alemania, donde crecí, y el sol infinito de Los Ángeles fue lo primero que me atrajo. El Oeste americano es mi sueño preferido. Los espacios amplios y abiertos ofrecen perspectivas que articulan emociones y deseos. El aislamiento alimenta sentimientos de libertad o, a veces, la reflexión sobre tu pasado. El Alto Desierto de 29 Palmeras tiene una luz muy clara y viva, que es vital. La película Polaroid caducada produce "imperfecciones" que, en mi opinión, reflejan el declive del sueño americano. Estas llamadas "imperfecciones" ilustran la realidad de ese sueño convertido en pesadilla. La desintegración de la sociedad occidental. ¿Juega con la temporalidad del material y el valor del momento en sí? El valor del momento es primordial, porque es ese momento el que intentas transformar. Todo lo material es temporal, es relativo, y el tiempo es eterno. ¿Por qué la película analógica es más pura e intuitiva? Es tangible y brillante y representa un único momento. El momento digital puede quedarse en la caja (el disco duro / la cámara / el ordenador, etc.) para siempre, que nunca se tocará, ni se pondrá en un álbum de fotos, ni se enviará en una carta, ni se colgará en una pared. La impresión lo convierte en un logro. El mundo analógico es más selectivo porque es real. El cine es una elección. El clic digital mundial destruye este momento. La generación sin recuerdos debido a la sobrecarga de información y a los fallos de los discos duros. Los álbumes de fotos son cosa del pasado. ¿Por qué se siente así? Así funciona el instinto humano. Cuando era niña, cada foto que me hacían era un momento especial. Tanto la película fotográfica analógica como el material Super-8 eran tesoros caros. Los recuerdos de mi familia se crearon eligiendo ciertos momentos en el tiempo. Había un esfuerzo detrás de la foto. El rollo de película podía esperar meses dentro de la cámara antes de ser utilizado en su totalidad. A partir de ahí, había que revelar la película, lo que llevaba más tiempo, y finalmente, cuando se recogían las fotos en la tienda, se volvían a visitar los recuerdos en familia. Quién iba a decir entonces lo fugaces que eran estos tiempos. Compartir recuerdos era un ritual. ¿Cuál es su filosofía detrás del arte de las fotos Polaroid? Lo "obsoleto" es cualquier cosa menos obsoleto. Las cosas no son siempre lo que parecen, y hay mensajes ocultos. Nuestros recuerdos y nuestros sueños están infravalorados. Es ahí donde comienza el verdadero aprendizaje y la comprensión, abriéndose a diferentes perspectivas. Quiénes somos y de dónde venimos es importante. Una Polaroid es un testimonio de nuestra existencia. Pero nuestro tiempo se agota rápidamente. ¿Qué le inspiró a utilizar la cinematografía stop motion? Mi trabajo siempre se ha parecido a fotogramas de películas. Recuerdo la primera vez que llevé una caja de Polaroids y las deslicé sobre la mesa de Susanne Vielmetter (mi primera galería). Al instante, se hizo evidente que había una historia que contar. Las historias crecían. Para mí era innegable que la historia emergente era el lugar al que estaba destinado a ir. He rodado cuatro cortometrajes antes de mi último largometraje, The Girl behind the White Picket Fence. Esta película dura 60 minutos y contiene más de 4.000 Polaroids editadas. Recuerda que nuestro subconsciente rellena los espacios en blanco, las partes que faltan en la historia entre fotogramas permiten una experiencia más profunda y personal para el espectador. Es decir, si te rindes y confías en mí como director para que te lleve a algún lugar en el que quizás nunca hayas estado antes. ¿Por qué cree que es importante poseer arte? 'Tenemos arte para no morir de verdad' Nietzsche Las nuevas obras fotográficas de Stefanie Schneider cuentan historias fantásticas sobre su hogar californiano de adopción. Busca mitos americanos desvanecidos y destila una realidad cargada de aura de una forma muy personal y sorprendente. Utiliza película Polaroid obsoleta, y las imperfecciones causadas por la degeneración de la película se incluyen en la composición de forma pictórica. Los errores de exposición y los efectos de películas de bajo presupuesto se combinan con un efecto alienante. Todo brilla y parpadea ante nuestros ojos. El artista juega con la auténtica poesía del aficionado, mezclando puestas en escena extrañamente oníricas con acontecimientos fotoquímicos aleatorios. En la obra en 16 partes Frozen, que se caracteriza por un ambiente extrañamente trascendente en la iluminación, grupos pictóricos similares a fotogramas de películas se unen para formar una historia misteriosa, con la propia artista como protagonista solitaria. la estética recuerda a las primeras películas de Lynch. Los componentes de los actos, elípticamente coreografiados, son escenas de un paisaje invernal encantado y resplandeciente, junto con "instantáneas escenificadas" de una joven pálida en ropa interior, que irradia la realidad turbadora de un espejismo con su presencia sonámbula. La historia se presenta a modo de flashbacks cinematográficos o secuencias oníricas. La sangre del escenario y un cuchillo sirven para evocar un crimen pasional cuyo atractivo surrealista se deriva de la franqueza escénica de lo que se muestra. El uso deliberado de viejas fotos instantáneas establece de forma rica la cualidad efímera de la vulnerabilidad y la fugacidad dentro de una realidad que es frágil desde el principio. Las barras y estrellas americanas, recientemente actualizadas como epítome absoluto de un significante patriótico, son el tema de la obra en 9 partes Primary Colors (2001). La visión tranquilizadoramente europea de Schneider, exenta de excesiva emoción, presenta el motivo de las barras y estrellas de una forma extrañamente alienada: muestra fotogramas con fases de ondear violentamente al viento, incluso rasgados en algunos casos, y el pobre material cinematográfico enfatiza aún más la fragilidad del icono. FlashART - Sabine Dorothee Lehner (traducido del alemán por Michael Robinson)

Creador:
Stefanie Schneider (1968, Alemán)
Año de creación:
2010
Dimensiones:
Altura: 128 cm (50,4 in)Anchura: 286 cm (112,6 in)Profundidad: 1 mm (0,04 in)
Medio:
Impresión C,Polaroid
Movimiento y estilo:
Contemporáneo
Época:
2010-
Estado:
Ubicación de la galería:
Morongo Valley, CA
Número de referencia:
1stDibs: LU652310425132

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