Hebilla de cinturón de latón "Sol y corazón" firmada por Carol Summers

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Carol Summers
Hebilla de cinturón de latón "Sol y corazón" firmada por Carol Summers
1978

Name: Hebilla de cinturón de latón "Sol y corazón" firmada por Carol Summers
Brand: Carol Summers
Rating: 4.9 (63 reviews)

Acerca del artículo

Esta hebilla de cinturón es un ejemplo raro e inusual de la obra de Carol Summers, conocido sobre todo por sus grabados xilográficos. No obstante, la hebilla utiliza la misma estilización abstracta y los mismos motivos que el resto de su obra, es decir, el corazón central y las llamaradas rizadas que salen del centro del corazón. El mismo diseño aparece en un cartel serigrafiado que Summers diseñó en 1980 para la Sinfónica de San Francisco, donde el corazón funciona como el sol que brilla sobre un arco iris y un paisaje. 2,75 x 2,75 pulgadas Firma de Carol Summers en el reverso Grabado en relieve en el reverso "Latón macizo", "Fabricado en EE.UU." y "© 1978". Carol Summers ha trabajado como artista durante toda la segunda mitad del siglo XX y los primeros años del siguiente, sobreviviendo a la mayoría de sus compañeros modernistas de mediados de siglo. Formado inicialmente como pintor, Summers se sintió atraído por la xilografía en color hacia 1950, que se convirtió en su especialidad a partir de entonces. A lo largo de los años ha desarrollado un proceso y un estilo innovadores y fácilmente reconocibles. Su arte es conocido por su gran escala, sus campos saturados de colores vivos, el tratamiento semiabstracto de paisajes de todo el mundo y una calidad luminiscente conseguida mediante un proceso de grabado inventado por él. En una carrera que se ha prolongado durante más de medio siglo, Summers ha realizado a mano aproximadamente 245 xilografías en ediciones que han oscilado normalmente entre 25 y 100 ejemplares. Su talento era tanto heredado como aprendido. Nacido en 1925 en Kingston, una pequeña ciudad del norte del estado de Nueva York, Summers se crió en la cercana Woodstock con su hermana mayor, Mary. Sus padres eran artistas y se habían conocido en la escuela de arte de San Luis. Durante la Gran Depresión, cuando Carol estaba creciendo, su padre mantuvo a la familia como ilustrador médico hasta que pudo volver a pintar. Su madre era acuarelista y también una gran conocedora de los distintos tipos de papel que se utilizaban para pintar. Muchos años después, Summers pintaba o imprimía sobre papel de textura fina, coleccionado originalmente por su madre. De 1948 a 1951, Carol Summers se formó en bellas artes clásicas y artes de estudio en el Bard College y en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Estudió pintura con Steven Hirsh y grabado con Louis Schanker. Admiraba las formas y los colores de los primeros modernistas Paul Klee (Sueco: 1879-1940) y Matt Phillips (Am: n.1927- ). Tras licenciarse, Summers dejó de trabajar a tiempo parcial como carpintero y ebanista (con lo que había costeado sus estudios y sus gastos de manutención) para dedicarse a tiempo completo al arte. Ese mismo año, un primer abstracto, Puente nº 1, fue seleccionado para el Premio de Adquisición en un concurso patrocinado por el Museo de Brooklyn. En 1952, su obra (Catedral, Construcción e Ícaro) se mostró por primera vez en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en una exposición de xilografías americanas. En 1954, Summers recibió una beca del gobierno italiano para estudiar durante un año en Italia. Las xilografías realizadas poco después de su llegada eran casi todas ediciones de sólo 8 a 25 grabados, de pequeño tamaño, de contenido arquitectónico y en color blanco y negro. Los más conocidos son Paisaje sienés y Pequeño paisaje, que representaban la zona cercana a donde residía. Summers prolongó este viaje tres años más, una decisión que tendría importantes repercusiones en la elección de temas y colores en la década siguiente. Tras regresar de Europa, las imágenes de Summers siguieron presentando lugares y acontecimientos históricos de Italia, así como de Francia, España y Grecia. Sin embargo, como demuestran El Sueño de Aetna, Viento Mundial y Arco del Triunfo, se impuso un nuevo aspecto. Estas xilografías eran de mayor tamaño y color. Algunos incorporaron hojas de metal en la creación de un collage y Summers incluso experimentó con la serigrafía. Las ediciones eran ahora de entre 20 y 50 ejemplares. Lo más importante es que Summers empleó su técnica de frotado por primera vez en la creación de Jardín Fantástico a finales de 1957. Visión Oscura de Jerjes, un punto de referencia para Summers, fue la primera xilografía en la que Summers experimentó utilizando alcoholes minerales como parte de su proceso de grabado. Poco después le siguieron una beca Fulbright y becas de la Fundación Louis Comfort Tiffany y la Fundación Guggenheim, así como puestos docentes en facultades y universidades, principalmente de Nueva York y Pensilvania. Durante este periodo se casó con una bailarina llamada Elaine Smithers, con la que tuvo un hijo, Kyle. Por esa misma época, junto con su colega Leonard Baskin, Summers fue pionero en lo que hoy se conoce como xilografía "monumental". Este término se acuñó a principios de la década de 1960 para designar las xilografías que eran mucho más grandes que las creadas en años anteriores, cuyo tamaño estaba limitado sobre todo por el tamaño de las pequeñas prensas manuales. Mientras Baskin elegía temas figurativos, de naturaleza seria y representados con líneas gruesas y estriadas, Summers realizaba imágenes mucho menos sombrías y prefería destacar la forma y el color; su temática se acercaba a la abstracción, pero siempre estaba firmemente arraigada en el paisaje. Además de trabajar a esta nueva escala mayor, Summers perfeccionó al mismo tiempo un proceso de grabado que acabaría llamándose "Método Carol Summers" o "Técnica Carol Summers". Summers realiza sus xilografías a mano, normalmente a partir de uno o varios bloques de pino de un cuarto de pulgada, utilizando tintas de impresión al óleo y papeles porosos de morera. Sus xilografías revelan una sensibilidad hacia la madera, especialmente hacia sus cualidades absorbentes y las sutilezas de la veta. En varias de sus xilografías a lo largo de su carrera ha utilizado los patrones ondulantes y granulosos de un gran tablón de madera para representar un río que fluye o una cascada que cae. Los mejores ejemplos de ello son Sueño, realizado en 1965, y el posterior Flash Flood Escalante, de 2003. En la mayoría de sus xilografías, Summers hace los bloques ligeramente más grandes que el papel para que la imagen y el color se deslicen por el borde. Antes de imprimir, centra una hoja de papel seca sobre la parte superior del bloque o bloques de madera cortados, fijándola con pinzas gigantes. A continuación, pasa la tinta directamente por el anverso de la hoja de papel y presiona sobre el bloque de madera seco o el grupo de bloques reensamblados. Summers es técnicamente muy competente; las tintas se saturan completamente sobre la superficie del papel, pero no se corren unas contra otras. La precisión del entintado de color en El sueño de Constantino en 1969 y en Glaciar Arco Iris en 1970 ha sido mencionada en varios manuales del estudio. Summers se refiere a su propia técnica de impresión como "frotamiento". En la xilografía tradicional, incluido el método japonés, la tinta se aplica directamente sobre el bloque. Sin embargo, al seguir su propio método, Summers ha evitado la imagen invertida de una impresión convencional y le ha dado el control sobre la cantidad precisa de tinta que quiere en el papel. Después de aplicar la tinta en el anverso del papel, Summers la rocía con alcoholes minerales, que actúan como agente diluyente. Las fibras absorbentes del papel alejan la tinta diluida de la superficie, suavizando las formas y difuminando y atenuando los colores. Esto produce un brillo único que es un sello distintivo de la técnica de grabado de Summers. A diferencia de las obras de otros artistas del campo de color o modernistas de la época, esta nueva técnica hizo que la simplificación extrema y las zonas de color plano de Summers fueran cualquier cosa menos duras o fríamente impersonales. En la década de 1960, Summers había desarrollado una forma personal de colorear y estampar, y no le asustaba el trabajo duro, pues él mismo se encargaba de cortar, entintar y tirar. En 1964, a la edad de 38 años, la obra de Summers se expuso por segunda vez en el Museo de Arte Moderno. En esta ocasión, su obra se presentó en una exposición individual y, posteriormente, en una de las exposiciones itinerantes de dos años del MOMA, que recorrió todo Estados Unidos. En los años siguientes, las obras de Summers serían expuestas y adquiridas para las colecciones permanentes de múltiples museos de Estados Unidos, Europa y Asia. La familiaridad de Summers con los paisajes de todo el mundo es de primera mano. Como navegante-bombardero de los Marines en la Segunda Guerra Mundial, recorrió el Pacífico Sur y Asia. Tras la universidad, viajar por Europa y ocupar posteriormente puestos docentes, en 1972, después de 47 años en la Costa Este, Carol Summers se trasladó definitivamente a Bonny Doon, en las montañas de Santa Cruz, al norte de California. Allí conoció a su segunda esposa, Joan Ward Toth, artista textil fallecida en 1998; y allí nació su segundo hijo, Ethan. Durante los años que siguieron a este traslado, la temática elegida por Summers se hizo más diversa, aunque conservó la cualidad positiva, sobre todo de afirmación de la vida, que había existido desde el principio. Las imágenes incluían ahora lunas, cometas, cielos soleados y estrellados, corazones y flores, todo lo cual, de un modo u otro, seguía vinculado al paisaje. En la década de 1980, desde su casa y su estudio en las montañas de Santa Cruz, Summers siguió trabajando como artista, complementando sus ingresos impartiendo clases y talleres en universidades de California y Oregón, así como por todo el centro y suroeste del país. También viajó mucho durante este periodo haciendo senderismo y acampando, a menudo durante semanas, por el oeste de Estados Unidos y Canadá. A lo largo de la década, no era raro que Summers fuera de mochilero, solo o con un colega artista, a las montañas o al interior del país durante seis semanas o más cada vez. No es sorprendente que las obras de arte creadas durante este periodo rara vez se apartaran de las imágenes de la tierra, el mar y el cielo. Veranos realizados estos paisajes con un estilo más representativo que antes, aunque siempre los mantuvo un tanto abstractos mezclando formas geométricas con formas orgánicas, de contorno irregular. Algunas de sus obras más reconocidas por la crítica fueron creadas durante este periodo, como First Rain,1985 y The Rolling Sea, 1989. Summers recibió un doctorado honoris causa de su alma mater, el Bard College, en 1979, y fue seleccionado por la Agencia de Información de Estados Unidos para pasar un año dirigiendo talleres de pintura y grabado en universidades de toda la India. Desde aquel año sabático original, ha vuelto todos los años, pasando de cuatro a ocho semanas viajando por ese país. En la década de 1990, entre estos viajes a la India se intercalaron otros por carreteras secundarias y zonas montañosas de México, América Central, Nepal, China y Japón. Los viajes a estos lugares exóticos y lejanos influyeron profundamente en el arte de Summers. Los temas se volvieron más mundanos y no occidentales, como en De Humla a Dolpo, 1991, o Una vida anterior de Budha, 1996, por ejemplo. Las imágenes arquitectónicas, como Las columnas de Hércules , 1990 o La pajarera del Raja , 1992 se hicieron más comunes. Las imágenes de bodegones reaparecieron con Jungle Bouquet en 1997. También fue un periodo en el que Summers empezó a utilizar papel de tamaño extraño para aumentar el impacto de una imagen. La Noche de 1996, una vista de la Tierra y el horizonte como la vería un astronauta, mide más de dos metros de largo y sólo algo más de un metro y medio de alto. De 1999, Revuelta A Vida tiene forma de tarta y ocupa casi 18 pies cúbicos. Fue también en esta coyuntura cuando Summers empezó a experimentar con una paleta algo diferente, aunque conservó su amor por los colores saturados. El Lado Lejano del Tiempo de 2003 es un magnífico ejemplo de la nueva dirección tomada por este colorista. Con el cambio de milenio, en 1999, la Asociación de Artistas de Woodstock de Nueva York y el Museo de Arte e Historia de Santa Cruz (California) organizaron las exposiciones "Carol Summers Woodcuts, 50 Year Retrospective". Summers fue elegido Grabador del Año en 2004 por el Mid-America Print Council (surgido de la anterior Prairie Printmakers Association), que incluyó una exposición conmemorativa de su obra en el Centro de Arte de la Universidad de Nebraska. Desde el cambio de siglo, las xilografías de Summers han sido, en general, algo más pequeñas en escala, pero más complejas y más difíciles de crear técnicamente. Chamba Bamba, creada en 2004, y Los Volcanes de Día Y Noche, terminada en 2005, son ediciones más recientes de Summers que requirieron múltiples bloques, además de más tintas y trabajo de rodillo que muchas de las anteriores. En 2005, Carol Summers publicó el primero de dos catálogos en los que destacaba objetos de su extensa colección de tejidos populares de principios del siglo XX de la India Oriental, reunidos a lo largo de los últimos 35 años. A Treasury of Indian Folk Textiles irá seguido de un segundo catálogo de textiles que se publicará en 2006. Un vistazo a estos catálogos muestra por qué Summers se siente tan atraído por las telas, chales, colgaduras de pared, mantas y prendas de vestir de diversos pueblos de toda la India. Dice que considera estos objetos como obras de arte que rinden homenaje a la vitalidad e imaginación de sus creadores. También reconoce que en ellos ve sus propias preferencias por los campos de color, brillantes y profundamente saturados de formas y figuras que cuentan una historia.

Creador:
Carol Summers (1925 - 2016, Americana)
Año de creación:
1978
Dimensiones:
Altura: 6,99 cm (2,75 in)Anchura: 6,99 cm (2,75 in)
Medio:
Latón
Movimiento y estilo:
Contemporáneo
Época:
1970-1979
Estado:
Ubicación de la galería:
Milwaukee, WI
Número de referencia:
Vendedor: 6291d1stDibs: LU60535934352