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Krzysztof Gliszczyński
Cauda Pavonis, Synergic - Encáustica conceptual, pigmentos al óleo, lienzo sobre madera
2017

Name: Cauda Pavonis, Synergic - Encáustica conceptual, pigmentos al óleo, lienzo sobre madera
Brand: Krzysztof Gliszczyński
Rating: 5 (29 reviews)

Acerca del artículo

"Cauda Pavonis" pintura sinérgica: pigmentos, óleo, encáustica sobre lienzo tensado sobre madera, ∅ 80 cm, 2017. Krzysztof Gliszczyński es profesor de pintura en la Academia de Bellas Artes de Gdansk. Krzysztof Gliszczyński nació en Miastko en 1962. Se graduó en la Academia de Bellas Artes de Gdańsk en 1987 en el estudio del profesor Kazimierz Ostrowski. Entre 1995 y 2002 fue fundador y codirector de la Galería Koło de Gdańsk. lniciador del Premio Kazimierz Ostrowski, concedido por la Unión de Artistas y Diseñadores Polacos (ZPAP), sección de Gdańsk. Decano de la Facultad de Pintura de la Academia de Bellas Artes de Gdańsk en los años 2008-2012. Vicerrector de Desarrollo y Cooperación de la Academia de Bellas Artes de Gdańsk en los años 2012-2016. Obtuvo una cátedra en 2011. Actualmente dirige el Tercer Estudio de Pintura de la Facultad de Pintura de la Academia de Bellas Artes de Gdańsk. Ha participado en varias decenas de exposiciones en Polonia y en el extranjero. Ha recibido innumerables premios y galardones por su obra artística. Trabaja en el campo de la pintura, el dibujo, los objetos y el vídeo. Declaración del artista: En los años 90 empecé a coleccionar escamas de pintura, restos de mi trabajo. Yo pondría las frescas en encofrados de madera, las secas en recipientes de cristal. Constituían capas de investigaciones en el campo de la pintura, encerradas en cuboides fechados y numerados de 47 × 10,5 × 10,5 cm. Llamé a esos objetos Urnas. En 2016, las mostré en una exposición, moldeando un único objeto a partir de todas las urnas. Las Urnas me inspiraron para redefinir el estatus de mi trabajo como pintor. Para ello, llevé a cabo la desalentadora tarea de colocar las capas de pintura no en una urna, sino sobre un lienzo, presionando cada trozo fresco de pintura con el pulgar. En el ciclo de cuadros Autoportret a'retour, la materia se trasladó de cuadro en cuadro, ampliando el área de cada uno consecutivo. Juntos, los trozos, los residuos de pintura, mantenían vivo el recuerdo de las obras anteriores. Fue una etapa de atomización de la materia pictórica y de su alejamiento de los conceptos y relaciones estéticas tradicionales. Así se creó el ciclo de pinturas sinérgicas, como yo las llamaba, guiado por la sensación que evocaban en mí los copos de pintura que se intensificaban mutuamente. El resultado estético final del refinamiento de la materia digerida era consecuencia del automatismo del proceso de superponer, presionar con el pulgar y volver a raspar. Al igual que en una excavación arqueológica, se intenta unir y recuperar lo que se ha perdido. Este concepto vanguardista consiste en trasladar al ámbito de la pintura la materia, prácticamente degradada y no perteneciente al reino del arte. Sin embargo, la materia vuelve a entrar en él, adquiriendo un nuevo significado. La materia que creaba, acumulándose como la lava, se convirtió en mi nueva técnica. Lo llamé perpetuum pictura - pintura autoperpetuada. Los conceptos alquímicos me permitieron identificar el proceso inherente a la materia emergente, darle dirección y sentido. En cierto modo, creaba materia que me introducía en el mundo presimbólico, un mundo anterior a la forma, sin nombre. De este magma pictórico brotaron ideas, volvieron a manifestarse las viejas teorías del color y el enrevesado problema de la cuadratura del círculo. Al igual que la luz refractada por el cristal de Harriot en 1605, he intentado romper el color en el cuadro Iosis. Las pinturas se convertían en síntomas, como en la obra Pulp fiction, que en aquel momento era un gesto de fragmentación total de la materia y de trascender sus límites, mi diálogo con las obras de Jackson Pollock y la libertad que aportaba su arte. El cuadro Geometrica de physiologiam pictura contiene un diagrama en el que introduzco cuatro colores que constituyen una introducción a la protopsicología, la transmutación alquímica y la antigua teoría del color. En esta obra logré presentar la identificación de la esencia de la fisiología humana con el arte. Pero el aspecto esencial de mis consideraciones en mis cuadros más recientes es el análisis de la abstracción, el estudio de su significado para el lenguaje contemporáneo del arte y la búsqueda de las posibilidades de crear un nuevo mensaje. Para mí, la abstracción no es un fin en sí mismo, que responda a las expectativas, en gran medida previsibles, de los espectadores. Estudiar el límite entre visibilidad e invisibilidad, como en la obra Unsichtbar, es preguntarse por el estado de las posibilidades del lenguaje de la abstracción. El momento de fluidez que soy capaz de alcanzar resulta de la materia, una materia que sólo contiene un recuerdo de las obras anteriores y que, sin embargo, se convierte en el motivo para buscar el equilibrio entre las capas más profundas de la psique, que nunca son estáticas, sino que siempre están sujetas a cambios. Su contrapeso es la geometría, que representa la racionalidad y tiene la capacidad de organizar y definir la forma artística, como en la obra Memoria. Volviendo a la obra de El Greco y a su cuadro Toledo, pude estudiar una vez más la fuerza de la idea de la luz, que daba al cuadro su forma y la atmósfera apocalíptica que contenía. El Greco, redescubierto por Paul Cézanne, contribuyó enormemente a sentar las bases de la pintura moderna. La idea de El Greco me inspiró para pintar Toledo. En la obra Anamnesis, abordo la idea del recuerdo y su opuesto, el olvido, que, en el proceso creativo, permite deconstruir la racionalidad de la memoria. Historia del pintor de Borowy Młyn es una instalación que habla del proceso de pintar, del acto de creación, y hace referencia a la historia de mi padre, pintor de casas, y a sus traumáticas experiencias tras ser separado de su familia por los nazis en 1944. Enrollar pergaminos a partir de tiras de lienzos se convirtió en un acto simbólico de vendar una herida. Los pergaminos se enrollaban en un armazón de metal hasta el momento en que la carga resultaba demasiado pesada.

Creador:
Krzysztof Gliszczyński (1962, Polaco)
Año de creación:
2017
Dimensiones:
Altura: 80 cm (31,5 in)Anchura: 80 cm (31,5 in)
Medio:
Lienzo,Madera,Encáustica,Óleo,Pigmento
Movimiento y estilo:
Conceptual
Época:
2010-
Estado:
Ubicación de la galería:
Salzburg, AT
Número de referencia:
1stDibs: LU103538491102

5305 US$

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