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Bodegón cubista "Violín" de la modernista Agnes Weinrich, firmado y fechado en 1922
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Bodegón (Violín, Flores), Óleo sobre lienzo, de Agnes Weinrich, Firmado y fechado "22", Sin enmarcar: 20" x 16", Enmarcado 27,5 x 23".
Agnes Weinrich (1873-1946) fue una de las primeras artistas modernistas estadounidenses, en una época en la que había poco interés por el Arte Moderno en EE.UU. y en la que pocas mujeres eran artistas. Fue una pionera del arte moderno. El cuadro que se muestra es un importante ejemplo de la fase de madurez de su obra.
A continuación, una biografía extraída de la Wiki-pedia:
Agnes Weinrich (1873-1946) fue una de las primeras artistas estadounidenses en realizar obras de arte modernistas, abstractas e influidas por el estilo cubista. También fue una enérgica y eficaz defensora del arte modernista en América, uniéndose a otras personas de ideas afines para promover la experimentación como alternativa al arte generalmente conservador de su época.
Primeros años[editar]
Agnes Weinrich nació en 1873 en una próspera granja del sureste de Iowa. Tanto su padre como su madre eran inmigrantes alemanes y en casa se hablaba alemán. Tras la muerte de su madre en 1879, fue criada por su padre, Christian Weinrich. En 1894, a la edad de 59 años, se retiró de la agricultura y trasladó su hogar, incluidos sus tres hijos menores -Christian Jr. (24), Agnes (21) y Lena (17)-, a la cercana Burlington, Iowa, donde Agnes asistió al Burlington Collegiate Institute, del que se graduó en 1897[1][2][3] Christian llevó consigo a Agnes y Lena en un viaje a Alemania en 1899 para restablecer los vínculos con sus parientes alemanes. Cuando regresó a su país a finales de ese año, dejó a las dos mujeres en Berlín con algunos de estos parientes, y cuando, poco después de su regreso, él murió, ellas heredaron riqueza suficiente para vivir de forma independiente el resto de sus vidas.
Antes o durante su viaje a Alemania, Lena había decidido dedicarse a la música y, durante su estancia en Berlín, estudió piano en el Conservatorio Stern. Por su parte, Agnes estaba decidida a ser artista y al mismo tiempo empezó a estudiar con ese fin[1][4]. En 1904 las dos regresaron de Berlín y se establecieron durante dos años en Springfield, Illinois, donde Lena enseñaba piano en escuelas públicas y Agnes pintaba en un estudio alquilado. En ese momento Lena cambió su nombre por el de Helen. En 1905 se trasladaron a Chicago, donde Agnes estudió en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago con John Vanderpoel, Nellie Walker y otros[1].
En 1909, Agnes y Helen regresaron a Berlín y desde allí viajaron a Munich, donde Agnes estudió brevemente con Julius Exter, y luego a Roma, Florencia y Venecia antes de regresar a Chicago[5]. Viajaron a Europa por tercera y última vez en 1913, pasando un año en París. Allí entablaron amistad con artistas y músicos estadounidenses que se habían reunido en torno a la escena artística local. A lo largo de este periodo, la obra de Agnes fue hábil pero poco original: dibujos, grabados y pinturas en los estilos académico e impresionista dominantes[1].
A su regreso de Europa en 1914, continuó estudiando arte, durante los meses cálidos del año en Provincetown, Massachusetts,[1] donde era miembro de la colonia artística Provincetown Printers de Massachusetts,[6] y durante los más fríos en la ciudad de Nueva York. En Provincetown asistió a clases en la Cape Cod School of Art de Charles Hawthorne y, en Nueva York, en la Art Students League[1].
Dibujo de una anciana de Agnes Weinrich, grafito sobre papel, 11,5 x 7,5 pulgadas.
Hawthorne y otros artistas crearon la Asociación de Arte de Provincetown en 1914 y celebraron la primera de muchas exposiciones con jurado al año siguiente. Weinrich contribuyó a esta muestra con nueve cuadros, todos ellos representativos y de estilo algo conservador[1].
Un boceto a lápiz realizado hacia 1915 muestra una figura, probablemente una de las mujeres portuguesas de Provincetown. Weinrich era una dibujante meticulosa y este dibujo es típico del trabajo que realizó en estilo académico entre 1914 y 1920. También produjo obras más parecidas a las impresionistas, preferidas por Hawthorne y muchos de sus alumnos. Cuando en 1917 Weinrich expuso cuadros en un club femenino de Nueva York, el Club MacDowell, el crítico de arte del Brooklyn Daily Eagle dijo que mostraban una "fuerte nota de impresionismo"[7].
Broken Fence de Agnes Weinrich, xilografía de línea blanca realizada en 1917 o antes; a la izquierda: la xilografía en sí; a la derecha: una impresión extraída de la xilografía.
En 1916, Weinrich se unió a un grupo de grabadores que habían empezado a utilizar la técnica de la línea blanca, de la que fue pionero el artista de Provincetown B.J.O. Nordfelt. Ella y las demás integrantes del grupo, entre ellas Blanche Lazzell, Ethel Mars y Edna Boies Hopkins, trabajaron juntas, intercambiando ideas y resolviendo problemas[1][8] Un año después, Weinrich mostró uno de sus primeros grabados de línea blanca en una exposición celebrada por la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, en Filadelfia[9].
Broken Fence, en sus dos estados -el grabado y la xilografía a partir de la cual lo realizó-, muestra que Weinrich se aleja de la presentación realista y se acerca a un estilo que, aunque no es abstracto ni cubista, dirige la atención del espectador hacia el plano de la superficie plana de la obra, con sus formas yuxtapuestas y sus bloques de colores contrastados.
Vacas pastando en las dunas cerca de Provincetown, de Agnes Weinrich, xilografía en línea blanca, 10 x 10 1/2 pulgadas
Cuando en 1920 el grupo informal de grabadores de línea blanca organizó su propia exposición, Weinrich mostró una docena de obras, entre ellas una titulada Vacas pastando en las dunas cerca de Provincetown. Este grabado muestra una mayor tendencia a la abstracción que laValla rota o los grabados realizados por otros artistas de Provincetown de la época. Las vacas y las dunas son reconocibles, pero no se presentan de forma realista. Las líneas blancas sirven para resaltar los bloques de colores apagados que son los principales elementos pictóricos del grabado. Weinrich utiliza la textura de la superficie de madera para llamar la atención sobre el plano bidimensional -el papel sobre el que realizó el grabado-, en contraste con la profundidad implícita del primer plano y el fondo de vacas, dunas y cielo. Aunque la obra no es cubista, tiene un aire protocubista similar a algunas de las pinturas más abstractas de Paul Cézanne[10].
Hacia 1919 o 1920, aunque seguían pasando los inviernos en Manhattan y los veranos en Cape Cod, las hermanas empezaron a considerar Provincetown como su lugar de residencia oficial[1][11][12][13] Para entonces también habían conocido al pintor Karl Knaths. Como él mismo, un habitante del Medio Oeste de origen alemán que había crecido en un hogar donde se hablaba alemán, se instaló en Provincetown en 1919. Agnes y Knaths compartían inclinaciones artísticas y se influyeron mutuamente en el creciente uso de la abstracción en su obra[1][14].
Las hermanas y los Knath se convirtieron en compañeros íntimos. En 1922 Knaths se casó con Helen y se mudó a la casa que las hermanas habían alquilado. Él tenía entonces 31 años, Helen 46 y Agnes 49. Cuando, dos años más tarde, los tres decidieron residir todo el año en Provincetown, Agnes y Helen utilizaron una parte de su herencia para comprar terrenos y materiales para construir una casa y dependencias que compartirían los tres. El propio Knaths adquirió estructuras cercanas en desuso como fuentes de madera y, habiendo trabajado una vez como constructor de decorados para una compañía teatral, pudo construir su nuevo hogar[15].
Weinrich se adelantó en cierto modo a Knaths al adoptar un estilo modernista. Había visto arte de vanguardia durante su estancia en París y había conocido a artistas estadounidenses que habían empezado a apreciarlo. A su regreso a Estados Unidos, siguió discutiendo nuevas teorías y técnicas con artistas de Nueva York y Provincetown, algunos de los cuales había conocido en París. Este grupo poco unido se influyó mutuamente a medida que evolucionaban sus estilos individuales. Además de Blance Lazzell, ya mencionado, el grupo incluía a Maude Squires, William Zorach, Oliver Chaffee y Ambrose Webster. Algunos de ellos, como Lazzell y Flora Schofield, habían estudiado con influyentes modernistas en París y la mayoría había leído y discutido los influyentes escritos cubistas y futuristas de Albert Gleizes y Gino Severini[16][17].
Estilo maduro[editar]
Mujer con flores de Agnes Weinrich, hacia 1920, óleo sobre lienzo, 34 x 30 1/4 pulgadas, expuesto en la exposición de la Asociación de Arte de Provincetown de 1920, disponible por cortesía de la Asociación.
Dos cuadros de Weinrich, ambos realizados hacia 1920, marcan la aparición de su estilo maduro. La primera, Mujer con flores, es similar a una del artista francés Jean Metzinger titulada Le goûter (La hora del té) (1911)[18].
Casas rojas de Agnes Weinrich, hacia 1921, óleo sobre lienzo sobre tabla, 24,25 x 25,5 pulgadas; expuesto "Casas rojas" en la Quinta Exposición Anual de la Sociedad de Artistas Independientes.
Al igual que gran parte de la obra de Metzinger, Le goûter se analizaba en libros y revistas de la época, incluido uno titulado Cubismo, del que era coautor el propio Metzinger[19]. Dado que el grupo con el que se relacionaba Weinrich leía y analizaba el arte de vanguardia en general y el cubismo en particular, es razonablemente probable que Weinrich conociera la obra de Metzinger antes de iniciar la suya propia.
El segundo cuadro, Casas rojas, presenta una similitud general con los paisajes de Cézanne y Braque. Ambos cuadros son de estilo cubista. Sin embargo, con ellos Weinrich no anunció una conversión brusca al cubismo, sino que marcó un giro hacia una mayor experimentación. En su obra posterior no adoptaría un único estilo o tendencia estilística, sino que produciría tanto cuadros representativos como otros totalmente abstractos, mostrando siempre un fuerte sentido del plano bidimensional de la superficie del cuadro. Después de realizar estos dos cuadros, ni su temática ni los medios que utilizaba cambiarían drásticamente. Siguió empleando los temas que tenía a su disposición en su estudio de Provincetown y sus alrededores para producir bodegones, escenas de pueblo y pastorales, retratos y abstracciones en óleo sobre lienzo y tabla; acuarela, pastel, lápiz de color y grafito sobre papel; y grabados en madera[20].
Poseedora de una personalidad extrovertida y atractiva y de un enfoque activo y vigoroso de la vida, Weinrich promocionó su propia obra al tiempo que ayudaba a Karl Knaths a entablar relaciones con posibles mecenas, galeristas y responsables de la organización de exposiciones. Con él, se puso a la vanguardia de un movimiento informal hacia la experimentación en el arte estadounidense. Puesto que, debido a sus medios independientes, no estaba obligada a ganarse la vida vendiendo arte, era libre de utilizar las exposiciones y sus numerosos contactos con artistas y coleccionistas para fomentar el aprecio y la comprensión de las obras que no se ajustaban a la norma aún conservadora de los años 20 y 30.[1][21][22]
A principios de la década de 1920, los críticos empezaron a fijarse en su obra, reconociendo su alejamiento del realismo imperante entonces en galerías y exposiciones. Los cuadros que expuso en 1922 fueron calificados de "individualistas",[23] y en 1923 su obra fue elogiada por un crítico como "abstracta, pero al mismo tiempo no exenta de emoción"[24].
En 1925, Weinrich se convirtió en miembro fundador de la New York Society of Women Artists. Otros miembros de Provincetown fueron Blanche Lazzell, Ellen Ravenscroft, Lucy L'Engle y Marguerite Zorach. El número de miembros se limitaba a 30 pintoras y escultoras, todas las cuales podían participar en las exposiciones del grupo, cada una de las cuales obtenía el mismo espacio[23][25][26] El grupo proporcionó a sus miembros una plataforma para distinguirse del arte gentil y tradicionalista que se esperaba que mostraran las mujeres artistas en aquella época[27] y, por lo que cuentan algunos críticos, parece que sus exposiciones consiguieron este objetivo[1][28][29][30].
En 1926, Weinrich se unió a Knaths y a otros artistas locales en una rebelión contra el grupo "tradicional" que había dominado la Asociación de Arte de Provincetown. Durante la década siguiente, de 1927 a 1937, la asociación organizaría dos exposiciones anuales distintas, una de orientación conservadora y otra experimental o, como se decía, radical[31][32] Tanto Weinrich como Knaths participaron en el jurado que seleccionó las obras para la primera exposición modernista[11].
Naturaleza muerta de Agnes Weinrich, hacia 1926, óleo sobre lienzo, 17 x 22 pulgadas. Permiso de uso concedido por Christine M. McCarthy, Directora Ejecutiva de la Asociación de Arte y Museo de Provincetown. El cuadro fue un regalo de Warren Cresswell.
Es posible que el cuadro de Weinrich Naturaleza muerta, realizado hacia 1926, se expusiera en la muestra de 1927. Representativo de algunos aspectos de su estilo de madurez, es modernista pero no muestra influencia cubista. Los objetos representados son totalmente reconocibles, pero tratados de forma abstracta. Aunque el primer plano y el fondo se distinguen, los objetos, como formas coloreadas, constituyen un diseño de superficie interesante y visualmente satisfactorio.
En 1930, Weinrich organizó una exposición colectiva de modernistas en la Galería GRD de Nueva York. Era la primera vez que un grupo de artistas de Provincetown exponían juntos en Nueva York. Para ello seleccionó obras de Knaths, Charles Demuth, Oliver Chaffee, Margarite y William Zorach, Jack Tworkov, Janice Biala, Niles Spencer, E. Ambrose Webster y otros[1][23].
Años posteriores[editar]
Weinrich cumplió 60 años el 16 de julio de 1933. Aunque había llevado una vida plena y productiva dedicada al desarrollo de su propio arte y al avance del modernismo en el arte, no dejó de trabajar por ambos objetivos. Siguió trabajando con óleo sobre lienzo y tabla, pastel y lápiz de color sobre papel, y xilografía. Su producción siguió variando en temática y tratamiento. Por ejemplo, Naturaleza muerta con hojas, hacia 1930 (óleo sobre lienzo, 18 x 24 pulgadas) contiene paneles de colores contrastados con contornos similares al estilo de Knaths. Movimiento en do menor, hacia 1932 (óleo sobre tabla, 9 x 12 pulgadas) es totalmente abstracto. También se relaciona con la obra de Knaths, tanto en el tratamiento (de nuevo, paneles perfilados de colores contrastados) como en su aparente relación con la música, algo en lo que Knaths también estaba interesado. Chozas de pescado, hacia 1936 (xilografía monocroma) es muy abstracta y tiene un fuerte aire cubista. Abstracción sin título, hacia 1938 (óleo sobre lienzo, 12,25 x 12 pulgadas) es muy diferente de la obra abstracta de principios de la década de 1930. Se trata de una abstracción geométrica que muestra la influencia de Wassily Kandinsky[33] y que consiste en paneles rectilíneos de color en tonos fríos con paneles de contraste en ocre y rojo. Naturaleza muerta floral, hacia 1940 (Lápiz de color sobre papel, 7 x 9,5 pulgadas) contiene un marco dentro de otro marco, lo que acentúa drásticamente el plano de la superficie, y también es totalmente abstracto. Su composición consiste en formas estrelladas en azul y magenta en un animado dibujo sobre un fondo oscuro y texturizado.
Recepción crítica[editar]
A pesar de la calidad de su obra y de la energía y habilidad con que trabajó tanto para desarrollar su propio talento como para impulsar el movimiento progresista en el arte estadounidense, Weinrich recibió poco reconocimiento en vida y no ha recibido mucho más desde su muerte. La mayoría de los relatos sobre su vida y obra repiten algunos hechos destacados. No proporcionan citas y algunas de sus afirmaciones no pueden confirmarse[34][35] Sólo una persona, Louise R. Noun, la estudió en detalle. Consulta el catálogo de la exposición que coescribió y el artículo escrito por ella, ambos citados en la sección "Lecturas complementarias" más abajo.
No hay pruebas de que Weinrich estuviera nunca representada por una galería comercial y es probable que realizara sus ventas a través de exposiciones y fuera de su estudio. No solía indicar fecha, nombre, lugar ni tema en sus obras y conservaba pocos registros de lo que producía. Por estas razones, y porque (a) los marchantes no las inventariaron en vida y (b) hizo mucho arte que no se vendió, a menudo hay dudas sobre la procedencia de una pieza determinada.
Exposiciones[editar]
Ésta es una lista selectiva de las exposiciones en las que participó a lo largo de su vida. Su fuente principal es el artículo de Louise Noun sobre Weinrich en Woman's Art Journal,[1] complementado con noticias contemporáneas publicadas en The New York Times, Brooklyn Daily Eagle, New York Evening Post, The Philadelphia Inquirer y The Christian Science Monitor.
A partir de 1915: Asociación de Arte de Provincetown
1917: Academia de Bellas Artes de Pensilvania
1917: Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia
1917-23: Sociedad de Artistas Independientes, Nueva York
1919: Instituto de Arte de Chicago
1920: Club de las Artes de Boston
A partir de 1926: Sociedad de Mujeres Artistas de Nueva York
1928: Galería Grace Horn, Boston
1929: Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia
1932: Biblioteca Pública de Boston
1936: Galería Harley Perkins, Boston (solo)
1938: Sociedad de Artistas Independientes de Boston
1938: Biblioteca Pública de Washington, Washington, D.C.
1939: Bienal de la Galería Corcoran, Washington, D.C.
1939: Club del Siglo XX del Museo de Arte Fogg, Boston
1939: Galería Witherstine, Boston
1939: Instituto de Arte Moderno de Boston
1945: Galería Woljeska, Brooklyn, Nueva York
- Creador:Agnes Weinrich (Artista)
- Dimensiones:Altura: 40,64 cm (16 in)Anchura: 50,8 cm (20 in)Profundidad: 2,54 mm (0,1 in)
- Estilo:Moderno (Del período)
- Materiales y técnicas:
- Lugar de origen:
- Época:
- Fecha de fabricación:1922
- Estado:Reparado: reparación profesional de un pequeño corte. Desgaste acorde con la edad y el uso.
- Ubicación del vendedor:New York, NY
- Número de referencia:Vendedor: AW221stDibs: LU79359437933
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