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Atribuido a Domenico di Paris - Madonna y El Niño, siglo XV

Acerca del artículo

Atribuido a Domenico di Paris, también llamado Domenico del Cavallo ( Monselice, documentado en Ferrara entre 1442 y 1501) La Virgen y el Niño Estuco policromado y dorado 47,5 x 37,5 cm Exposiciones : - Il tesoro d'Italia, a cura di Vittorio Sgarbi, Expo 2015, 22 maggio-31 ottobre 2015, Silvana Editoriale, pp. 162-163, Emilia n. 4 Modelada de medio cuerpo, La virgen, sosteniendo tiernamente a su Hijo, se alza de la cabeza de un ángel, sobre un fondo azul estrellado. El Niño se agarra con una mano al velo de su madre y con la otra a su espalda. El grueso manto y la túnica de María y el velo más ligero la envuelven y ofrecen protección al Niño, que entrelaza el velo con sus manos. Esta Virgen está representada con rasgos agradables y juveniles; sostiene con ternura al Niño Jesús y acuna ligeramente su pie, que sostiene entre dos dedos; una invención iconográfica graciosa y conmovedora. El artista estaba claramente interesado en una representación naturalista del tema, como se aprecia en los detalles pintados de los cabellos y los rostros y en el cuidadoso modelado de los ropajes. La destacada policromía original del siglo XV es el elemento más fascinante de este altorrelieve en estuco. Los detalles pictóricos, muy refinados, se representan con una habilidad gráfica conmovedora, como en los rasgos faciales y en la refinada decoración del velo de la Virgen y de las ropas del Niño, así como en las alas del ángel. Este elegante relieve es el ejemplo por excelencia de las obras que los artistas italianos del Renacimiento producían para la devoción doméstica. Tan populares eran las imágenes de la Virgen y el Niño que los artistas trataban de variar y pulir su composición. Es una representación contundente del tema, pero dos cualidades muy distintas, la intimidad y la escala modesta, son las que hacen que este tipo de relieve tenga tanto éxito. Este estuco muestra una composición íntima y bella, un peculiar aire doméstico, un atractivo naturalismo que sugieren que se inspiró en un modelo ilustre; el dominio de la técnica indica un artista familiarizado con la refinada elegancia de los talleres toscanos. La iconografía de la Virgen sosteniendo el pie de Cristo y de Cristo agarrando el velo de su madre, popular en la pintura sobre tabla italiana del Renacimiento, así como en la escultura, deriva de los iconos bizantinos. Pero parece que Luca della Robbia ensayó por primera vez la Virgen de medio cuerpo con el Niño en brazos en una obra de estuco (Museo Jacquemart-André, París) hacia 1430. En cuanto a la moldura, como señaló Enzo Carli, es de un modelo que se remonta a una tipología bien conocida, difundida a través de numerosas réplicas realizadas tanto por el propio maestro como por otros, de la Madonna Corsini de Luca della Robbia, fechable en la quinta o sexta década del siglo XV. Especialmente el ímpetu y las maneras rápidas del Niño, que dan testimonio de las experiencias aún frescas de Masaccio y Donatello, confirman que este estuco puede estar inspirado en el prototipo de Luca Della Robbia. El reverso de este estuco es macizo y plano como el de la Virgen de Friedrichstein, fundida a partir del mismo molde, de la Virgen con el Niño en un nicho, del tipo conocido como "Madonna Bliss": éstas se encuentran en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y en el Museo de Bellas Artes de Boston, y también son fechables en la misma época. La Virgen de Búfalo, que se distingue por un modelado más detallado, una ejecución técnica más precisa (véase, por ejemplo, la forma en que el reverso del panel está acabado con los bordes achaflanados) y una paleta más delicada en el vidriado, podría ser una obra totalmente autógrafa (su gran calidad y su reivindicación de este estatus han sido refrendadas por Avery 1976 y Pope-Hennessy 1980, tras verlo con sus propios ojos en abril de 1976), mientras que la versión berlinesa podría ser una réplica delegada en un ayudante, como el joven sobrino de Luca, Andrea della Robbia (Florencia, 1435-1525), de quien se tiene constancia que trabajó en el taller de Luca a partir de 1451. Otra posibilidad, reconociendo la fase experimental inicial del arte de Della Robbian, es que la Virgen del Búfalo fuera ejecutada por Luca algún tiempo después, con una técnica perfeccionada y revisiones de algunos detalles del modelado. Sin embargo, no es imposible que los distintos destinos hayan podido explicar esas variaciones. Sin embargo, no cabe duda de la responsabilidad de Luca en este conmovedor modelo, que demuestra claramente la "humanidad familiar, agradable, pero suspendida y silenciosa" que distingue la mejor obra del maestro hacia mediados de siglo. " L'acentuata toscanità " (El acentuado carácter toscano) de nuestro relieve en estuco indica que el autor estaba familiarizado con las innovaciones iconográficas propuestas en Florencia; mientras tanto, este estuco muestra algunas afinidades significativas, sobre todo en la policromía, con el refinado ambiente artístico de la corte este. Como sugirió por primera vez Giancarlo Gentilini, esta obra podría ser obra de un artista activo en Ferrara como Antonio di Cristoforo (Gentilini, 2008). De hecho Los centros al norte del Arno, en los que se practicaban las artes plásticas, eran Bolonia y Padua, siendo esta última la ciudad en la que Donatello, durante una estancia de más de diez años, consiguió asentar firmemente la tradición de los florentinos. El restringido círculo de alumnos y otros colaboradores adaptaron el estilo de Donatello de forma personal, más o menos acertada, y así lo establecieron en muchas provincias, tanto en la vecindad inmediata de Padua como más allá. Ferrara, vecina cercana de Padua, naturalmente no podía permanecer independiente del efecto de los largos años de trabajo del gran florentino en la vecindad. Aunque en la ciudad de Este se han sacado a la luz muy pocas esculturas de las primeras décadas del siglo, demasiado pocas para dar una impresión clara de la existencia de una escuela autóctona de tallistas, desde principios de los años cuarenta nos encontramos con una personalidad tangible que lleva el nombre de Niccoló Baroncelli. Este artista era natural de Florencia y, según Vasari, había sido alumno de Brunelleschi. Sus obras actuales indican un largo aprendizaje con Donatello. Baroncelli, que, por su compromiso al servicio de la corte estense, permaneció en Ferrara hasta su muerte en 1453, debió de ser un activo trabajador, pero, por desgracia, la mayor parte de su obra se ha perdido. En ellos encontramos pruebas de hasta qué punto su alumno aventajado y yerno, Domenico di Paris, paduano de nacimiento, obtuvo de él su educación artística. Domenico, documente como " maestro de figura de terra et de metallo " (maître des sculptures en terre-cuite et métal) desempeñó un papel destacado en la escultura ferraresa de la segunda mitad del siglo XV. Nacido en Monselice, se formó en Padua, donde se familiarizó con las obras de Donatello. Hacia 1442 Domenico di Paris está documentado en Ferrara, junto con su cuñado, el escultor florentino Niccoló Baroncelli, que había sido invitado a la ciudad para realizar el monumento ecuestre de Borso d'Este (destruido en 1796) y un conjunto de cinco esculturas de bronce para la catedral. Tras la muerte de Baroncelli en 1453, Domenico completó todos los encargos. En 1467 Domenico fue contratado como " intarsiator lignaminis " en la ejecución del techo de la " Camera Superioris " del palacio Schifanoia. Los grandes encargos ducales de monumentos de bronce en honor de Niccoló III (1443-1451) y Corso (1451_1457) llevaron a Ferrara a tres artistas que " combinaron la Florencia de los humanistas y la Padua de los anticuarios, influyendo profundamente en el arte ferrarés en la dirección de Donatello: Antonio di Cristoforo, Niccoló Baroncelli y Domenico di Paris " (cit. exposición permanente en el recién reabierto Palacio Schifanoia, 2020). En el presente relieve que representa a la Virgen y al Niño, la influencia de las obras paduanas de Donatello se ve filtrada por una visión más suave, en parte deudora de los modelos florentinos; el estilo está lejos de las irregularidades expresionistas de sus contemporáneos que trabajaban en Ferrara. Un relieve muy similar de la Colección Dogliani, de calidad inferior, muestra la misma composición de nuestro relieve. Fechada en 1480, esta cronología es indicativa también de la producción de nuestro estuco. La finura decorativa, la riqueza de la policromía y la atención naturalista de esta Virgen y El Niño muestran afinidades con las Virtudes de la sala de estuco de Schifanoia, última obra documentada de Domenico di Paris. El acentuado carácter toscano y las afinidades estilísticas con los relieves del Palacio Schifanoia, así como las notables similitudes con algunas esculturas atribuidas a Baroncelli, llevaron a la historiadora del arte Paola Ranzolin a atribuir esta obra a Domenico di Paris y a publicarla en la exposición comisariada por Vittorio Sgarbi en 2015 (Exposición Internacional - " Il Tesoro d'Italia ") en la que se presentó una selección de tesoros del patrimonio artístico italiano según un enfoque regional destinado a realzar la riqueza y la individualidad de las distintas provincias de la Península. Este estuco es una de las 27 obras seleccionadas para representar la evolución del rico patrimonio artístico de Emilia Romaña.

Dimensiones:
Altura: 47,5 cm (18,71 in)Anchura: 37,5 cm (14,77 in)Profundidad: 3 cm (1,19 in)
Estilo:
Renacimiento (Del período)
Materiales y técnicas:
Estuco,Policromado
Lugar de origen:
Italia
Época:
siglo XV y antes
Fecha de fabricación:
Siglo XV
Estado:
Desgaste acorde con la edad y el uso.
Ubicación del vendedor:
Bruxelles, BE
Número de referencia:
1stDibs: LU6666239212722

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