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Mesas de madera y bronce atribuidas a Meret Oppenheim, Francia, 1930

Acerca del artículo

Tabla Material: madera y bronce Estilo: Art Deco País: Francia Si quieres vivir en los años dorados, éstas son las tablas que necesita tu proyecto. Estamos especializados en la venta de Art Decó y Art Nouveau y estilos Vintage desde 1982.Si tiene alguna pregunta estamos a su disposición. Pulsando el botón que dice "Ver todo del vendedor". Y puedes ver más objetos del estilo a la venta. Meret Oppenheim Meret Oppenheim - Mesa Tracia - La persona y la obra de la artista germano-suiza Meret Oppenheim (1913-1985) están asociadas para siempre al surrealismo y a la historia del arte del siglo XX. Meret Oppenheim, cuyo nombre completo es Meret Elisabeth Oppenheim (nacida el 6 de octubre de 1913 en Berlín, Alemania, y fallecida el 15 de noviembre de 1985 en Basilea, Suiza), artista suiza nacida en Alemania, cuya taza de té, platillo y cuchara cubiertos de piel se convirtieron en emblema del movimiento surrealista. La obra, creada cuando Oppenheim tenía sólo 23 años, se hizo tan famosa que eclipsó el resto de su carrera. El padre de Oppenheim era alemán y judío y su madre suiza. En 1914, al estallar la Primera Guerra Mundial, la familia se trasladó de Alemania a Suiza. Su padre y su abuela materna, la escritora e ilustradora Lisa Wenger-Ruutz, animaron a Oppenheim a dedicarse al arte. Así, en 1929 inició estudios de arte en la Kunstgewerbeschule de Basilea (hasta 1930). Después se trasladó a París y asistió brevemente a la Académie de la Grande Chaumière en 1932. Estar en París ofreció a Oppenheim la oportunidad de relacionarse con destacados artistas de vanguardia, lo que, más que la escolarización, le dio entrada en el mundo del arte. En 1933 conoció a Alberto Giacometti, Man Ray, André Breton y Jean (Hans) Arp. Oppenheim fue absorbido rápidamente por el círculo surrealista y expuso tres cuadros en el Salón de los Surindépendants de París en 1933. Poco después de conocer a Man Ray, se convirtió en su musa y modeló para imágenes como Érotique Voilée (1933; "Erótica velada"), en la que aparecía desnuda detrás de una gran rueda de imprenta, con el antebrazo y la mano izquierdos cubiertos de tinta negra y apoyados contra la frente. La imagen se publicó en la revista del movimiento surrealista, Minotaure, en 1934. Ese año también inició una relación sentimental con el artista Max Ernst, que duró sólo un año. En 1935 Oppenheim participó en exposiciones surrealistas internacionales en Copenhague y Tenerife, Islas Canarias, y un año después en Londres y Nueva York. Durante la década de 1930, Oppenheim creó ensamblajes de objetos cotidianos, muchos de los cuales evocaban el erotismo, como Mi enfermera (1936), un par de zapatos de tacón alto de mujer atados juntos como un ave de caza, con volantes de papel (coronas) en los talones, y colocados con la suela hacia arriba sobre una bandeja. En 1936 también creó su obra de arte más famosa. Tras hablar casualmente con Pablo Picasso y Dora Maar en un café de París sobre todas las cosas mundanas que podía cubrir con pieles y convertirlas en arte -como el brazalete que había hecho y que llevaba entonces-, Oppenheim eligió una taza de té, un platillo y una cuchara para cubrirlos con piel de gacela china. El resultado, Object, formó parte de la primera exposición surrealista celebrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), "Arte Fantástico, Dadá, Surrealismo", comisariada por Alfred H. Barr, Jr. en 1936, y se convirtió de la noche a la mañana en una sensación en el mundo del arte. El MoMA adquirió entonces Object, la primera adquisición del museo (en los siete años transcurridos desde su fundación) de arte realizado por una mujer. Más tarde, Breton bautizó el montaje como Le Déjeuner en fourrure ("Almuerzo en pieles"), en un guiño al emblemático cuadro de Edouard Manet Le Déjeuner sur l'herbe (1863; "Almuerzo en la hierba") y a la novela erótica del escritor austriaco Leopold von Sacher-Masoch Venus en fourrures (1870; título original Venus im Pelz; "Venus en pieles"). Cosechando los frutos de su nueva fama, Oppenheim celebró su primera exposición individual en 1936 en la Galería Marguerite Schulthess de Basilea. En 1937, Oppenheim regresó a Basilea y se matriculó en una escuela de formación profesional durante dos años para estudiar conservación y restauración de arte, habilidades que pensaba utilizar para ganarse la vida. Abrumado por la sensación causada por Object, Oppenheim se apartó de los surrealistas. También frustrada y temerosa de las limitaciones que su temprano éxito impondría a su carrera artística en desarrollo, se hundió en una profunda depresión y crisis creativa que duró casi dos décadas. Según cuenta ella misma, "recuperó [su] placer por hacer arte muy repentinamente a finales de 1954" y alquiló su propio estudio en Berna (Suiza). Durante ese periodo también empezó a escribir y a introducirse en otras formas de producción creativa. Creó el vestuario para una producción de Daniel Spoerri de la obra de Picasso Le Désir attrapé par la queue (1956; El Deseo Atrapado por la Cola). En 1959 creó una pieza escénica para un grupo de amigos íntimos en Berna: Festín de primavera ("Frühlingsfest"), un elaborado banquete que Oppenheim sirvió (sin cubiertos) sobre el cuerpo de una mujer desnuda dispuesto sobre una larga mesa. Breton le pidió que reprodujera la pieza para la Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme (EROS) de París (1959-60). Aunque participó, no le agradó que se criticara su obra por cosificar a la mujer, ya que su intención había sido reflejar la abundancia primaveral que ofrecía la Madre Tierra. Nunca volvió a exponer con los surrealistas. En 1967 Oppenheim fue reconocido con una gran retrospectiva en Estocolmo. En la década de 1970, su obra fue resucitada por estudiosas feministas que pretendían reintroducir en la historia del arte a mujeres artistas olvidadas. En 1975 ganó el Premio de Arte de la ciudad de Basilea y en 1982 el Gran Premio de Arte de la ciudad de Berlín. A lo largo de su vida, Oppenheim creó joyas, esculturas, pinturas, muebles, arte escénico y poesía. También diseñó varias fuentes públicas y privadas en sus últimos años. La controvertida fuente alta de piedra que diseñó para una plaza pública de Berna (1983), en la que gotea agua y crecen algas y musgo, fue considerada inicialmente una monstruosidad por los habitantes de la ciudad. Las exposiciones de finales del siglo XX y principios del XXI, incluidas las retrospectivas de Nueva York (1996; Guggenheim Museum), Berna (2006; Kunstmuseum) y Berlín (2013; Martin Gropius Bau), no la retrataron como la artista surrealista de un solo éxito en la que se había convertido en la década de 1930, sino como una artista polifacética con una obra variada e inspirada. ¿Por qué hay tantas antigüedades en Argentina? Entre 1880 y 1940 se produjo una gran oleada de inmigración alentada por los periodos de guerra que estaban teniendo lugar. la 1ª Guerra Mundial tuvo lugar entre 1914 y 1918 la 2ª Guerra Mundial tuvo lugar entre 1939 y 1945 Las opciones de los inmigrantes eran Nueva York o Buenos Aires. Los billetes eran baratos y en Buenos Aires les recibieron con los brazos abiertos, ya que era un país en el que todo estaba por hacer. Argentina era el país de las nuevas oportunidades, se necesitaba mano de obra y la libertad religiosa estaba asegurada, en muchos casos los de la familia viajaban primero hasta establecerse y luego se les unían el resto de los miembros de la familia. En el museo del inmigrante "Ellis Island Immigrant Building" de Nueva York se pueden ver los carteles promocionales de los barcos que les llevarían a una nueva vida. Entre los años 1895 y 1896, Argentina tuvo el mayor PIB (Producto Interior Bruto) per cápita del mundo según el índice Maddison Historical Statistics, esta situación se produjo debido a la gran cantidad de alimentos que se exportaban a los países europeos, que estaban en guerra. Los barcos argentinos partían del puerto de Buenos Aires con alimentos, pero regresaban con muebles, ropa y elementos de construcción, (es común ver en los viejos edificios del histórico barrio de San Telmo, las vigas con la inscripción "Made in England)", así como muchos mercados que se construyeron en Buenos Aires, como el Mercado de San Telmo, cuya estructura fue traída por barco y luego montada en la calle Defensa al 900. Con la gran influencia de inmigrantes europeos que vivían en el país, los hijos de las clases altas viajaron a estudiar a Francia, lo que dio lugar a la inauguración de "La Maison Argentinienne", el 27 de de junio de 1928, en la ciudad internacional de París, que acogió a muchos argentinos que estudiaban en Frace. Es la cuarta casa que se construye después de las de Francia, Canadá y Bélgica, siendo la primera de habla hispana. Sigue en pie hoy en día (17 Bd Jourdan, 75014, París, Francia). Muchos de los hijos de estas familias adineradas, que asistían a exposiciones internacionales de arte, museos y cursos de arte en el extranjero, se interesaron mucho por el estilo europeo. Por eso Buenos Aires fue denominada en su momento "El París de Sudamérica". Entre los años 1890 y 1920 se construyeron más de cien palacios en la Avenida Alvear, la más exclusiva de Buenos Aires. Hoy en día, algunos de estos palacios se han transformado en museos, hoteles y embajadas. En el año 1936 se inauguró el edificio Kavanagh, el edificio de hormigón armado más alto de Sudamérica. En 1994, la Sociedad Americana de Ingenieros Civiles lo distinguió como "hito internacional de la ingeniería", y ahora se considera Patrimonio Mundial de la Arquitectura Moderna. En esa época era común contratar arquitectos extranjeros como Le Corbusier, quien visitó Buenos Aires/Argentina en 1929 y en 1948 realizó los planos de una casa construida en la ciudad de La Plata (declarada Patrimonio de la Humanidad). En 1947, el arquitecto húngaro Marcelo Breuer diseñó el Parador Ariston en la ciudad costera de Mar del Plata. Después de que un estudiante argentino de la Universidad de Harvard le convenciera para venir a Argentina. Trabajó en un proyecto urbanístico en la Casa Amarilla, zona de La Boca. El arquitecto ucraniano Vladimiro Acosta llegó a Argentina en 1928 y trabajó como arquitecto hasta que se trasladó a Brasil. Antonio Bonet, arquitecto español que trabajó con Le Corbusier en París, llega a Argentina en 1937, donde realiza varias obras arquitectónicas y en 1938 diseña la conocida silla BFK. Andres Kálnay, de origen húngaro, realizó alrededor de 120 obras maestras de la arquitectura, entre las que destaca la antigua cervecería muniquesa, de la que incluso realizó el diseño del mobiliario. El arquitecto alemán Walter Gropius, director de la Bauhaus, vivió en Argentina, donde escribió artículos para la revista "Sur" y fundó en Buenos Aires, junto con el también arquitecto Franz Möller, un estudio de arquitectura en el que construyó dos casas. Al mismo tiempo, varios diseñadores famosos decidieron emigrar a Argentina, entre ellos se encuentra el conocido diseñador francés Jean-Michel Frank, que llegó al país en 1940 y también trabajó para la familia Rockefeller. Se fabricaron piezas especiales, que se vendieron en exclusiva en el país, como la conocida empresa alemana "WMF", que vendía sus productos por catálogo, que fueron elegidos por las damas de la alta sociedad en la lista de regalos de boda, así como las piezas diseñadas por Christofle. El escultor suizo Alberto Giacometti realizó piezas especiales para mansiones argentinas. En 1904 se estableció en Buenos Aires la primera sucursal de Jansen fuera de París, ya que la clientela argentina demandaba una gran cantidad de muebles, desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XX. En 1970, la marca Rigolleau Argentina fabrica piezas autorizadas por Lalique. Las marcas Maple y Thompson también se instalaron en el país. El artista plástico francés Marcel Duchamp se trasladó a Argentina en 1918-1919. Vidrio firmado Gallé, Charder, Leverre, Schneider, Muller y otras firmas francesas. Se compraban en floristerías y se regalaban a las damas con hermosos arreglos florales. Algunos fabricantes de muebles viajaban a ferias internacionales y compraban los patrones para producir los muebles en Argentina, como la firma de muebles Englander y Bonta, que compraba los patrones a Italia. Cabe destacar que en Argentina contamos con la mayor comunidad de italianos fuera de Italia, ya que se estima que el 70% de los habitantes tiene al menos un descendiente italiano, seguidos por los inmigrantes españoles. Las tiendas de muebles más importantes de Argentina: Comte se funda en 1934 (bajo la dirección directa de Jean Michel Frank en 1940). Nordiska (empresa sueca creada en 1934). Churba en 1960, una empresa que traía diseñadores extranjeros para presentar sus muebles en el país: Dinamarca: (Arne Jacobsen, Finn Juhl, Bender Madsen, Ejner Larsen, Poul Kjaerholm, Hans Wegner) Suecia: (Hans Agne Jakobsson, Gustavsberg) Estados Unidos: (Herman Miller) Finlandia: (Lisa Johansson, Folke Arstrom, Tapio Wirkkala, Alvar Aalto, Timo Sarpaneva) Fábrica sueca: (Orrefors) Italia: (Littala, Vico Magistretti, Emma Gismondi, Gae Aulenti, Angelo Mangiarotti, Elio Martinelli, Gianna Celada, Angelo Mangiarotti, Mario Bellini, Carlo Scarpa) Finlandia: (Olivia Toikka) Plata Lappas: orfebrería fundada en 1887 en Argentina por Alcibiades Lappas, de origen griego. En 2019, en Argentina tuvo lugar "el congreso mundial Art Decó", en el que participamos como anfitriones invitados por Geo Darder, fundador de la Fundación Copperbridge -, en el que asistieron destacadas personalidades de todo el mundo para conocer el Art Decó en Argentina. Argentina cuenta actualmente con más de 100 edificios Art Déco y otros 90 Art Nouveau repartidos por toda la ciudad de Buenos Aires. Argentina es un país que no se ha visto envuelto en muchas guerras, por lo que ha sido refugio de obras de arte y antigüedades de diferentes épocas, a diferencia de los países europeos. Por ello, muchos coleccionistas, museos y anticuarios de todo el mundo lo visitan, por lo que no debería perderse la oportunidad de visitar este gran país. Laura Guevara Kjuder, arquitecta.
  • Atribuido a:
    Meret Oppenheim (Artista)
  • Dimensiones:
    Altura: 58,4 cm (23 in)Diámetro: 53 cm (20,87 in)
  • Estilo:
    Art Decó (Del período)
  • Materiales y técnicas:
    Bronce,Madera
  • Lugar de origen:
    Francia
  • Época:
    1930-1939
  • Fecha de fabricación:
    1930
  • Estado:
    Desgaste acorde con la edad y el uso.
  • Ubicación del vendedor:
    Ciudad Autónoma Buenos Aires, AR
  • Número de referencia:
    Vendedor: F-CO-2091stDibs: LU6785231678302

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