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candelabro renacentista de madera y cruz pintada - Umbría, siglo XVI

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Acerca del artículo

Base de candelabro de madera tallada, policromada y dorada; cruz pintado por ambos lados. Umbría o Toscana, siglo XVI 136 x 43,5 x 30 cm (La cruz y la base del candelabro se ensamblaron posteriormente) La base del candelabro está intrincadamente tallada y adornada con acabados policromados y dorados. Los fustes adoptan la forma de balaustres que recuerdan a las columnas antiguas, presentan adornos ornamentales de follaje, guirnaldas y caras de querubines alados. Los pies están hechos a semejanza de las patas de un león. La base está adornada además con representaciones de cuatro santas mártires, entre ellas Santa Bárbara y Santa Catalina de Alejandría. La plasticidad de las figuras, delineadas con fuertes líneas de contorno, los colores claros y vibrantes, son elementos estilísticos vinculados a la tradición umbro del siglo XVI.El dibujo definido con precisión y elegancia, junto con la paleta de colores claros aplicada con refinadas modulaciones de claroscuro, se convirtieron en la firma de un estilo que dejaría una huella perdurable en la época venidera. Esto se ejemplifica con una preferencia por las imágenes vibrantes y multicolores, acentuada en este caso por el uso del rojo y el rosa en el atuendo de la santa. Una adición notable, introducida posteriormente, es una cruz polilobulada pintada por ambos lados. Por un lado, se representa vívidamente la Crucifixión: El tratamiento del propio cadáver se ajusta a la práctica altomedieval, acentuando el patetismo al mostrar a Jesús muerto, con los brazos caídos por el peso del cuerpo. La parte superior muestra a un pelícano picoteando en su pecho para alimentar a sus crías con su propia sangre; un símbolo del sacrificio de Cristo en la cruz, cuyo cuerpo y sangre alimenta igualmente al celebrante durante la Misa. La parte inferior representa el Gólgota. En el reverso, la Resurrección se presenta artísticamente en una iconografía renacentista, que recuerda la célebre composición pintada por Piero della Francesca, hoy conservada en el Museo Cívico de Sansepolcro. Desde el punto de vista de la composición, con la representación frontal de Cristo sosteniendo el estandarte, este motivo se difundió especialmente en el centro de Italia, desde Toscana hasta Umbría, a lo largo del siglo XVI. La construcción de doble cara sugiere que también pudo llevarse en procesiones litúrgicas. En Umbría, a partir del siglo XIV, el uso de cruces portátiles pintadas por ambas caras se había convertido en una práctica muy extendida, destinada a satisfacer a la clientela monástica, que había aumentado considerablemente tras el establecimiento de nuevas comunidades religiosas. Los primeros crucifijos toscanos pintados que se conservan representan a Cristo como Christus Triumphans, o el "Cristo Triunfante", con la cabeza erguida y los ojos abiertos. Esta forma fue suplantada en el siglo XIII por el tipo Christus Patiens, o "Cristo sufriente", que se muestra a menudo con la cabeza caída sobre el hombro y los ojos cerrados, como en nuestra cruz. La iconografía del Cristo sufriente parece haberse desarrollado a partir de un nuevo interés por la naturaleza humana de Cristo, del desarrollo de la fiesta del Corpus Christi y de la mayor importancia concedida a la Eucaristía. El proceso de humanización de la figura de Cristo alcanza su punto álgido con el abandono de todas las convenciones expresivas anteriores en favor de detalles más realistas que podemos observar en este Crucifijo, como el vientre hinchado, los brazos estirados hasta el límite del desgarro muscular, el cuerpo cayendo pesadamente hacia delante, la abundante sangre sobre las heridas, y la cruz firmemente clavada en la roca del Calvario. Cabe señalar que los candelabros renacentistas a menudo sufrieron modificaciones posteriores, como en este caso la adición de la cruz polilobulada. Este ajuste, aunque posterior a la creación original, no disminuyó su valor artístico. En su lugar, mostraron la evolución de los gustos y preferencias de las generaciones posteriores, creando un diálogo entre diferentes periodos y gustos. De grandes proporciones y ricamente tallada, esta base de candelero muestra una gran magnificencia y destreza artística. La combinación de volutas puramente decorativas y formas pictóricas es típica de la decoración renacentista del siglo XVI. Por mucho que los candelabros sirvieran para santificar objetos cristianos, en los siglos XV y XVI también se asociaban inequívocamente con la antigüedad y el culto pagano. Candelabro tanto para iluminar como para quemar incienso, se utilizaban mucho en la Antigüedad y, como muchos objetos decorativos romanos, tenían formas muy diversas. Un paseo por la Galería de los Candelabros, en los Museos Vaticanos, da una idea de esta variedad aparentemente infinita de candelabros de mármol compuestos de piezas naturales y artificiales. En el siglo XV, cuando los candelabros pasaron a formar parte de un léxico más amplio de todas las formas Ænticas, aparecen con mayor frecuencia en ambientes sagrados. Muchos de los primeros ejemplos que se conservan fueron producidos por artistas de la Toscana, y probablemente fue allí donde los pintores y escultores exploraron ampliamente por primera vez el potencial del candelabro de inspiración clásica. Este candelabro, adornado con formas clásicas antiguas, encarna el espíritu del Renacimiento, mezclando la innovación con intrincados diseños inspirados en la antigua estética romana. El uso de formas clásicas, como balaustres, guirnaldas y hojas de acanto, reflejaba un esfuerzo consciente por evocar la grandeza de la antigüedad. El candelabro renacentista adornado con formas clásicas antiguas es un testimonio de la fascinación de la época por el pasado y su compromiso con la excelencia artística. La perfecta integración de la estética clásica en objetos funcionales como los candelabros no sólo iluminaba los espacios, sino que también iluminaba el perdurable atractivo de la belleza antigua. Bibliographie : H. BELTING, El arte y su público. Funzione e forme delle antiche immagini della passione, introducción de G. Cusatelli, Bolonia 1986 WALTER A. DYER, Muebles del Renacimiento italiano, Arts & Decoration (1910-1918), Vol. 7, nº 3 (ENERO, 1917), pp. 131-134 Paul Davies y David Hemsoll, "Los balaustres renacentistas y lo antiguo", Architectural History 26, 1983. E. SANDERBERG VAVALÀ, La croce dipinta italiana, Verona 1929, II ed., Roma 1980. Roma 1980, Elvio Longhi, La passione degli umbri, Crocifissi di legno tra Medioevo e Rinascimento, 2021

Dimensiones:

Altura: 136 cm (53,55 in)Anchura: 43,5 cm (17,13 in)Profundidad: 30 cm (11,82 in)

Estilo:

Renacimiento (Del período)

Materiales y técnicas:

Madera dorada,Madera

Lugar de origen:

Italia

Época:

siglo XVI

Fecha de fabricación:

Siglo XVI

Estado:

Desgaste acorde con la edad y el uso.

Ubicación del vendedor:

Materiales

Estuco, Madera, Papel

Círculo de Romano Alberti, Página, Hacia 1530-1540

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