V1285 Recipiente de madera de roble ebonizado by Jörg Pietschmann

Jörg Pietschmann crea muebles escultóricos y decoración a partir de la madera noble autóctona de la región donde tiene su taller, en Hamburgo. Sus bancos de nogal tallados a mano y mesas de centro , con sus tableros nudosos y bordes naturales, son un punto focal garantizado en cualquier salón, mientras que sus jarrones de roble y centros de mesa tienen un atractivo rústico pero elegante, y presentan los nudos y grietas que caracterizaban las superficies del material cuando aún estaba en el bosque.

Pietschmann trabaja con maderas locales como el álamo, el arce y el haya, así como con maderas exóticas encontradas en sus viajes. Cada pieza cuenta una historia del paisaje del que procede.

El amor de Pietschmann por la escultura y la naturaleza comenzó de niño en el campo de Alemania Oriental. Siempre llevaba una navaja para tallar trozos de madera, y recuerda que se inspiraba artísticamente en las ruinas de las casas solariegas abandonadas de la zona. A medida que crecía, las influencias del diseño de Pietschmann también se ampliaron para incluir los objetos decorativos y la arquitectura de culturas antiguas como la egipcia, la vinca, la maya y la azteca. Entre las influencias del diseño moderno de Pietschmann se encuentran los maestros carpinteros George Nakashima, Wharton Esherick, Alexander Noll y Sam Maloof.

Antes de empezar a trabajar en el tronco de un árbol, Pietschmann intenta hacerse una idea del tipo de escultura u objeto que será. Para cada árbol, el escultor se esfuerza por preservar su carácter único, lo que significa que no hay dos piezas resultantes iguales (y no utiliza resina, metal ni laca en su proceso). Sigue la forma y las curvas de cada pieza de madera, dejando que la pieza tome forma a medida que trabaja. Una capa final de aceite resalta el llamativo veteado y la calidez natural del material. 

Pietschmann ha expuesto su obra en Europa y en Estados Unidos. Vive y trabaja en Alemania.

En 1stDibs, encuentra Jörg Pietschmann mesas, vajilla, objetos de decoración y mucho más.

Galerie Philia es una galería internacional de arte y diseño escultórico contemporáneo que representa a diseñadores y artistas emergentes y consagrados. La galería es obra de dos hermanos que comparten una pasión de toda la vida por el arte, la literatura y la filosofía. Su distinta formación académica les diferencia de sus compañeros, ya que les hace seguir un enfoque rizomático y transcultural en la forma de seleccionar las obras. Esto implica combinar elementos de múltiples culturas en lo que se convierte en una red de raíces armoniosamente interconectadas, revelando en última instancia la belleza de cada creación única. La selección no jerárquica de la galería se aparta de lo efímero de las tendencias y se centra, en cambio, en la verdadera calidad estética de la pieza: seductora y atemporal. A diferencia de otros, la Galería Philia no se centra en un único estilo -ya sea minimalista, orgánico o crudo-, sino que abraza la heterogeneidad. La Galerie Philia se enorgullece de descubrir nuevos talentos, proporcionándoles múltiples plataformas internacionales para mostrar sus últimas creaciones. Además de impulsar la nueva generación de diseño coleccionable del siglo XXI, la Galería Philia también trabaja con artistas del diseño conocidos internacionalmente. La Galerie Philia tiene una fuerte presencia internacional, con galerías en Ginebra, Nueva York y Singapur. Además de sus espacios permanentes, la galería organiza exposiciones colectivas temporales y residencias de artistas en lugares de primera categoría de todo el mundo.