AYN Gallery

La table Skull noire est une édition limitée à 8 exemplaires, conçue et produite en Italie par l'artiste John Bizas. Son design, qui suit certains principes du style rococo et s'op...

Cette rare et très recherchée plaque du zodiaque en porcelaine de Piero Fornasetti, décorée lithographiquement et peinte à la main, a un fond blanc avec des mots écrits en noir expri...

Vintage élégant ensemble de 3 tables gigognes en bois de rose conçu par Kai Kristiansen à partir de 1960. ( 1 ) L 57,5 x P 37,5 x H 45,5 ( 2 ) L 48 x P 34,5 x H 43,5 ( 3 ) L 38,...

Guéridon ou table d'appoint avec plateau fixe en laiton et élégante base en bois en forme stylisée de pattes de gazelle. La table anglaise des années 1920 en laiton doré est ciselée ...

Très rare et grand porte-manteau mural en métal français par Mathieu Matégot avec un miroir. Joli porte-manteau coloré de Mathieu Matégot en métal laqué et perforé. Cette pièce est e...

Lampe sculpturale en marbre de Carrare de forme conique, éclairée de l'intérieur, elle laisse échapper une lumière diffuse qui révèle les veines du marbre de Carrare. Trois disques e...

Exceptionnelle série de chaises lyre Louis XVI en bois laqué, modèle prisé et symbole de raffinement au XVIIIe siècle. Bien que ces chaises ne soient pas estampillées, leurs détails ...

Cette rare et très recherchée plaque zodiacale vintage en porcelaine Piero Fornasetti, décorée par lithographie et peinte à la main, présente un fond blanc avec des mots écrits en no...

Sciolari Six yeux chromés Sputnik - pendentif de l'ère spatiale - lustre de 1960-1970. Mesures : Diamètre des boules : 14cm Hauteur du lustre : 64cm Diamètre du lustre : 64cm.  

Très belle table ronde française en verre fumé et laiton, la base en placage d'acajou est composée de trois bases en laiton imitant des défenses d'éléphant. Diamètre du verre 1m20,...

Vintage petit vase vert, bordeaux et blanc incrustation de ruissellement dans une forme d'amphore, design Carlo Scarpa Fratelli Toso Murano Murrine Millefiori. La murrine est une tec...

Couleur bleu saphir très raffinée, vintage Fratelli Toso Murano Millefiori. La murrine est une technique ancestrale du verre de Murano. Chaque pièce de verre de Murano est fabriquée ...

La murrine est une technique ancestrale du verre de Murano. Chaque pièce de verre de Murano est fabriquée à la main, et non pas produite en masse ou industrialisée. La fabrication de la Murrine demande beaucoup de patience et de savoir-faire. La mise en place de la murrine a été réalisée avec beaucoup de soin et de précision par les artisans de Murano. Cette œuvre est unique au monde pour sa combinaison de couleurs et d'élégance. Fratelli Toso a été fondé en 1854 par les frères Ferdinando, Carlo, Liberato, Angelo, Giovanni et Gregorio. À l'origine, l'entreprise produisait des récipients pharmaceutiques et de la verrerie domestique. Une pièce décorative vibrante et complexe pour tout espace. Pièce de collection dans une gamme de styles, de formes et de tailles différents. Verre multicolore de Murano soufflé à la main, fabriqué en Italie au début du 20e siècle. Les maîtres verriers de Fratelli Toso ont plus de 150 ans d'expérience et s'inspirent des anciennes techniques de verrerie italiennes. Découvrez notre collection variée de petits vases de collection en millefiori dans notre magasin AYN Gallery...

La murrine est une technique ancestrale du verre de Murano. Chaque pièce de verre de Murano est fabriquée à la main, et non pas produite en masse ou industrialisée. La fabrication d...

Millefiori vintage Fratelli Toso Murano de couleur bleu lapis lazuli. La murrine est une technique ancestrale du verre de Murano. Chaque pièce de verre de Murano est fabriquée à la m...

Rouge rubis vintage Fratelli Toso Murano Murrine Millefiori. La murrine est une technique ancestrale du verre de Murano. Chaque pièce de verre de Murano est fabriquée à la main, et n...

Murrine Millefiori vintage Fratelli Toso Murano vert émeraude. La murrine est une technique ancestrale du verre de Murano. Chaque pièce de verre de Murano est fabriquée à la main, et...

La murrine est une technique ancestrale du verre de Murano. Chaque pièce de verre de Murano est fabriquée à la main, et non pas produite en masse ou industrialisée. La fabrication d...

Paire de pieds de lampe en cristal bleu saphir, bronze doré. Les pièces en cristal datent des années 40, elles proviennent de l'une des plus anciennes verreries de Paris, la Maison K...

Pied de lampe en cristal bleu saphir, bronze doré. Les pièces en cristal proviennent de l'une des plus anciennes verreries de Paris, la Maison König, rue pastourelle. Malheureusement...

Paire de pieds de lampe en cristal blanc avec des reflets en bronze argenté H 64 x diamètre 14. Les pièces en cristal proviennent de l'une des plus anciennes verreries de Paris, la M...

Magnifique paire d'appliques italiennes vintage conçues par Paolo Venini dans les années 1960 en laiton et verre de Murano, surmontées d'une couronne en demi-lune de tiges incurvées ...

Un beau lustre italien vintage original conçu par Paolo Venini dans les années 1960 en laiton et verre de Murano, ce pendentif est surmonté au sommet par une couronne de tiges de lai...

Service de bureau ou fumeur en porcelaine de Paris, en forme de canard colvert, composé d'un cendrier, d'un plateau de bureau, d'une boîte à cartes de visite et d'un pot à tabac habi...

Numéroté Grand vase signé J. Suzor, circa 1970 motif géométrique, céramique craquelée, création Desert Occidental, collection "Santal" "Handmade in France, Faiencerie des Recollets"....

Vase numéroté signé J. Suzor, circa 1970 motif géométrique, dans le style Art Déco, céramique craquelée, création Desert Occidental, collection "Rouge-Gorge" "Hand made in France, Fa...

Cette rare paire de fauteuils club tricolores "Eastside model" a été créée par le designer Ettore Sottsass pour Knoll International. Sa structure en tube d'acier gris et son revêteme...

Ces authentiques fauteuils d'époque Louis XVI, originaux et authentiques, m'ont séduit par leur modernité. Très rares avec leur laque crème d'origine, dossier plat et carré "à la Rei...

Un joli seau à glace en forme de pomme, par le designer suisse Hans TurnwaId édité par Freddo Therm le dessus et la base en Lucite acrylique Tortoise Shelland et une poignée en forme...

Magnifique plafonnier Barovier&Toso avec quatre douilles et une fleur d'anémone rose en verre de Murano fabriqué à la main, rehaussé d'or, cadre doré. Délicat, fragile et féminin, ce...

Magnifique plafonnier Barovier et Toso avec quatre douilles et une fleur d'anémone rose en verre de Murano fait main, rehaussé d'or, cadre doré. Délicat, fragile et féminin, cet écla...

Très élégant et chic, canapé 3 places et une chaise longue retapissés, années 1950, composés de bois de rose massif dans une rayure bleu marine de laine, attribués à Sven Ivar Dysthe...

Luigi Gaetano Ceschina est né le 15 août 1879 à Muronico, Italie. Il a fondé Sanitaria Cheschina, une entreprise de produits sanitaires, qui lui a valu le titre de "Cavaliere del Lav...

Exceptionnelle tapisserie 1/2 édition limitée "Pelops" avec certificat provenant d'une collection privée, 1964. Ateliers Pinton frères à Felletin, sous la supervision de Pierre Baudouin 2ex + 1EA Editeur Aram Iynedjian. La tapisserie sera vendue avec son certificat d'authenticité de la galerie. Dès le 15e siècle, le nom de Pinton est associé à la tapisserie d'Aubusson. Depuis lors, au fil des générations, la famille Pinton a largement contribué au développement de ce fabuleux patrimoine culturel jusqu'à la création, au XIXe siècle, de l'usine de Felletin, dans le département de la Creuse. Aujourd'hui encore, dans ces ateliers, les artisans exécutent les mêmes gestes corrects avec le même souci du détail et prolongent ainsi la chaîne de l'histoire de la tapisserie de tradition mais aussi contemporaine. La main des spécialistes, l'œil des designers et des teinturiers et le goût de la clientèle la plus exigeante trouvent leur sens dans le tissu des tapis. L'excellence du savoir-faire français, société du patrimoine vivant et gardienne du patrimoine culturel d'Aubusson, a toujours collaboré avec de grands artistes. Les œuvres de Charles Le Brun, Charles Lapicque, Pablo Picasso, Jean-Michel Othoniel, et bien d'autres grands noms du monde de la peinture, de l'architecture, du design, sont tombées dans les métiers à tisser et le savoir-faire ancestral de ce créateur creusois unique. Rédacteur en chef Aram Iynedjian Aram Iynedjian, galeriste lausannois et éditeur de tapisseries de Braque, Estève et Lapicque, ce dernier rencontre Pierre Baudouin, le plus célèbre des peintres cartonniers de l'époque. Celui qui a traduit les œuvres de Le Corbusier, Calder ou Picasso en tapisserie collabore ensuite avec Charles Lapicque et ils développeront une œuvre d'une grande richesse. Lapicque est venu réaliser ces deux sommets que sont "Pélops" et "Diane et Actéon". Je réalise que vous ne devriez jamais essayer de décrire une œuvre d'art Regardons ça. Admirons la science de la composition, la pureté linéaire, la perfection technique, la beauté des couleurs, la vérité du drame. Voyons, si nous le pouvons, la présence implacable du génie. "On comprendra maintenant qu'après avoir fondé un tableau sur l'amour de la tapisserie, il était relativement facile, et très tentant, de construire une tapisserie fidèle à mon tableau", explique l'artiste dans le catalogue de l'exposition. de la Galerie Verrière en 1970. Ce n'est qu'en 1961 qu'il commence à produire des cartons à la fois pour la tapisserie de la Lisse à Aubusson, mais aussi au Mobilier National, avec l'aide de Pierre Baudouin Charles Lapicque (1898-1988) Né en 1898 à Theizé (Rhône) dans une famille pratiquant à la fois les arts et les sciences, Charles Lapicque ne fait pas exception à la règle : doué pour la musique et le dessin, il est diplômé de l'École Centrale en 1921, travaille comme ingénieur jusqu'en 1928 avant d'intégrer en 1931 un laboratoire à la Faculté des Sciences de Paris, où il mène des recherches sur la perception des couleurs, couronnées par le titre de docteur en sciences physiques en 1938. Il étudie ainsi les réactions de l'œil devant une source lumineuse intense, à l'origine de la formation des images étoilées qu'il utilisera dans ses œuvres, et définit une théorie de l'étalement des couleurs dans l'espace qui bouleverse les règles de la Renaissance : "J'avais montré que la règle classique, celle de Vinci, préconisant de placer les bleus au loin, les rouges, les oranges et les jaunes au premier plan, est un non-sens ; il est plus logique, plus favorable de faire le contraire. " (Dans Le rouge et le bleu dans les arts, 1936) C'est vers 1920 que Charles Lapicque commence à peindre en Bretagne où il passe tous les étés depuis son enfance, d'abord sur le motif puis dans un atelier que son beau-père Jean Perrin, prix Nobel de physique, lui fait construire en 1927 ; il adopte alors définitivement le travail de mémoire, en accord avec l'art de la musique qu'il aime profondément et la philosophie bergsonienne de la connaissance : " C'est à nous de donner au réel une apparence qu'il n'a pas lui-même, une forme, une figure (...). " Sa production juvénile révèle d'emblée une grande originalité, oscillant entre figuration et abstraction qui s'entremêlent parfois : à côté de tableaux synthétiques par leur dessin simplifié et leurs aplats de couleurs, il conçoit un Hommage à Palestrina (1925), composé d'une grille dérivée du cubisme, entièrement abstrait, relayé par un Christ aux épines (1939), selon un principe qu'il développera après 1939, au gré de ses découvertes optiques. En effet, pendant les années de guerre, s'ouvre une période presque abstraite, celle du cadre bleu serré, appliqué sur des fonds allant du jaune au rouge et révélant un monde plus ou moins identifiable (Jeanne d'Arc traversant la Loire, 1940 ; série des Rencontres, 1940-1945). Exposé en 1929 par la galeriste Jeanne Bucher, Lapicque abandonne sa carrière scientifique en 1943 pour se consacrer entièrement à la peinture. Il poursuit son travail qui aboutit en 1946-1953 à des structures à ossature blanche ; leurs lignes beaucoup plus douces le conduisent au système de entrelacement noir ou blanc qui entoure des zones de couleur pure, le plus souvent en couleur unie. Avec La bataille de Waterloo en 1949, Lapicque utilise encore l'optique - le zoom sur une zone donnée - pour représenter des espaces aux perspectives multiples et aux temps décomposés. Ce nouvel intérêt pour la vivacité de la couleur se développe dans la période suivante, que l'on peut qualifier de flamboyante ou de baroque (1954-1963) : illustrée notamment par la série des lagunes bretonnes et des vues crépusculaires ou nocturnes de Venise à la lumière. Stars, que l'artiste lui-même qualifie de "bonbons audacieux", elle commence par le prix Raoul Dufy de la Biennale de Venise, décerné en 1953 à l'artiste qui en profite pour donner libre cours à sa passion pour la Sérénissime jusqu'en juillet 1956. Un autre point commun avec son frère aîné est l'expression du mouvement. Commencée en 1949 avec La Bataille de Waterloo puis en 1952 avec Dimanche aux regates, elle devient une obsession à partir de 1964, dans l'exploration de nouveaux thèmes, comme les différents plans de joueurs de tennis saisis au vol (1965), les scènes mythologiques et les tempêtes de mer. Ces années vertigineuses précèdent la dernière période de l'artiste : en atteignant l'âge adulte, il découvre la sérénité, révélée par une peinture maintenant à l'acrylique, beaucoup plus paisible de 1974, qui confine même à une naïveté enfantine à la fin de sa vie. Toute son œuvre comprend une étonnante diversité de thèmes, également nourris par ses voyages (Rome en 1957, Grèce en 1964, Hollande en 1974...), avec une prédilection pour la mer, les rochers, les voiliers, la musique, le tennis, les chevaux, les bêtes sauvages, mais aussi pour l'histoire et la mythologie, comme en témoignent les chevaliers, les rois et les dieux anciens. Il déploie également, dans une totale liberté créative, une grande variété de styles et d'orientations. Ayant été l'un des pionniers de l'art non figuratif, ouvrant ainsi la voie à des artistes comme Manessier, Bazaine, Vieira da Silva, De Staël, etc. Propriétaire de la nouvelle école non-figurative de Paris de l'après-guerre, Charles Lapicque revient ensuite à la figuration, dans une "nouvelle interprétation" de l'apparence, même s'il continue à côtoyer parfois l'abstraction. "Le dessin court après la couleur et la couleur après le dessin." Héritier des Fauves, Charles Lapicque joue comme eux sur les couleurs pures, dont les dissonances, associées à un dessin totalement libre et à une composition surchargée dans un espace multiple, en font un précurseur de la Nouvelle Figuration sous toutes ses formes : la Figuration narrative née en France au début des années 1960, représentée notamment par Gérard Fromanger, Erró, Bernard Rancillac et Gérard Guyomard ; la Figuration libre née au début des années 1980, marquée par Robert Combas, Hervé et Richard Di Rosa...

Cette paire de chaises longues originales de Whiting, sont avec le cuir blanc d'origine, très recherché par les collectionneurs. Le cuir ne présente aucun problème structurel. Le mod...

VOUS AVEZ LA POSSIBILITÉ D'ACHETER UNE PAIRE OU PLUSIEURS CHAISES. IMPORTANT : CES CHAISES LOUIS XVI NE SONT PAS DES COPIES MAIS DES ORIGINAUX À 100% ! ! Exceptionnel ensemble de ...

Très rare et beau portrait d'un Saint, une céramique polychrome signée de la main au revers Marc Roussel. Marc Roussel est le beau-père de François Lembo, en tant que gendre, son tr...

Absolument magnifique lanterne contemporaine de grande taille fabriquée avec du verre Murano vintage original des années 1950. Le lattimo (verre au lait translucide) blanc / avec inc...

Remarquable paire de lampes de table en forme de colonnes torsadées en verre ambré de Murano Seguso, vers 1950-1960. Les lampes reposent sur des bases en métal bronzé patiné et conse...

Rare lampadaire Monix 3 spots réglables et orientables sur un fût en métal nickelé et laqué noir, pied base circulaire. Chaque spot dispose de son propre interrupteur pour être réglé...

Le terme Art-Decor est apparu dans les années 1960 en référence à l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes organisée à Paris en 1925 qui a marqué la co...

Rare grand projecteur vintage de marque BBT sur trépied et roulettes d'origine Grand projecteur fabriqué par la société Barbier, Benard et Turen...

Le terme Art déco est apparu dans les années 1960 en référence à l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes organisée à Paris en 1925 qui a marqué la con...

Joli vase en verre soufflé en verre multicouche acide clarifié Benor avec décoration florale. Il s'agit d'une production de verrerie d'art de l'île de Bendor. Signé, en haut, Bendor.

Exceptionnelle et très rare lampe de table taillée à la main est en cristal double couche de couleur rouge rubis clair et riche, c'est une pièce qui a nécessité du temps pour son faç...

Très rare et beau porte-parapluies des années 1940 par Fontana Arte, avec un cadre en laiton. et quatre feuilles de verre gravées d'un délicat parapluie. Une base en métal doré (co...

Ce splendide et rare grand meuble comprend trois portes avec des clés gravées et signées de l'artiste Gaston Poisson, "GP". Ce cabinet datant de 1937 est en acajou laqué* vert et con...

Barbini sculpture corallienne en verre de Murano moucheté d'or rouge. Branche de corail rouge intense et mouchetures d'or infusées sur un pot en verre transparent. Le corail possède ...

Chaise longue à dossier bas en laine noire et blanche conçue par Hans Olsen pour CS Møbler en 1958. Elle est dotée de pieds en bois de rose et d'un tissu de laine polyvalent dans un ...

Jacqueline SUZOR de PANAFIEU (1903 - 1981) Vase Longwy numéroté signé J. Suzor, circa 1970 motif géométrique, dans le style Art Déco, céramique craquelée, création Desert Occidental...

Hommage aux femmes arabes - Collaboration entre Marion Boehm et Roger Moukarzel Pour cet hommage aux femmes arabes, Marion Boehm a collaboré avec le photographe libanais Roger Moukar...

Édition originale limitée dans le monde entier Yves Klein Ours Pompon, sculpture en résine avec pigments IKB sous plexiglas, signée, titrée et numérotée...

Zerrouki Boukhari est un peintre et scénographe algérien aux multiples casquettes. Né à Mostaganem, il est stagiaire à l'École d'art dramatique de Sidi Fredj de 1964 à 1968, date à l...

Cette splendide sculpture représente une Jeune fille avec un bouc (Amalthée et le bouc de Jupiter), d'après l'original de Pierre Julien commandé par Louis XVI en 1785 et achevé en 1787 pour le berceau de la reine Marie-Antoinette à Rambouillet. L'œuvre du sculpteur Pierre Julien décorait l'intérieur d'une grotte dans un pavillon orné de bas-reliefs du même sculpteur (acquis par l'Etat par dation en 2003). L'œuvre était l'élément principal d'un bassin rocheux, qui a été détruit lors de la rénovation des jardins du petit château. La même sculpture a été saisie pendant la Révolution et exposée au Louvre à partir de 1829. L'esquisse en terre cuite, qui a appartenu au collectionneur Ernst May, a dû orner son château de la Couharde (Yvelines) avant d'entrer dans les collections du Louvre en 1920. L'ensemble en bronze à belle patine dorée présenté ici est une œuvre d'après l'original de Pierre Julien (1731-1804) et date du XIXe siècle (vers 1850). La sculpture superbement conservée, qui appartient à la même famille depuis son acquisition, est présentée sur son socle d'origine en marbre serpentin gris. La qualité de ce travail est doublement certifiée : - d'une part, il est estampillé d'un tampon rond en haut "A". Ce cachet est un signe de haute qualité. Achille Collas (1794 - 1859) était un ingénieur, graveur et illustrateur français, inventeur entre autres du procédé mathématique de réduction breveté au XIXe siècle pour reproduire des objets sculptés en réduction, qui connut un grand succès. Il est primé à l'exposition de 1855 : son "Procédé mécanique", nom sous lequel il imprime toutes ses productions, est facilement reconnaissable par la finesse de son exécution et par le célèbre cachet qui figure sur la base (terrasse) de cette sculpture. - D'autre part, une signature importante se trouve sur la terrasse de la sculpture "F. Barbedienne Fondeur", fondateur. En 1844, Achille Collas, afin de protéger son invention, crée la Société Collas et Barbedienne (Paris) avec le fondateur de l'art Ferdinand Barbedienne (1810-1892), qui commence à produire et à vendre des sculptures célèbres mais de plus petite taille, en plâtre, en bois, en bronze ou en ivoire. Le premier objet commercialisé est la Vénus de Milo, d'après l'original du musée du Louvre. D'autres sculptures, comme celle de George Washington, dont un buste en bronze a été réalisé par la fonderie Barbedienne & Process Collas, se trouvent actuellement au Metropolitan Museum of Art. HAUTEUR DE LA SCULPTURE sans base 69CM + BASE = 84CM LARGEUR DE LA SCULPTURE sans base 28 CM + BASE = 30,5 CM LONGUEUR DE LA SCULPTURE sans base 46 CM + BASE 51 CM La société Collas et Barbedienne est mise en valeur à la Grande Exposition de Londres en 1851, les objets de la fonderie Barbedienne reçoivent une médaille et les ventes explosent. Lors de l'Exposition universelle de 1889 à Paris, la société Barbedienne présente à nouveau un grand nombre de ses compositions, dont la grande horloge néo-Renaissance de 1878. Cette horloge, qui faisait partie de la succession Leblanc-Barbedienne, a été donnée par ses héritiers à la ville de Paris, et est conservée à l'hôtel de ville. Pierre Julien (20 juin 1731 - 17 décembre 1804) est un sculpteur néoclassique français qui a travaillé dans toute la gamme des styles rococo et néoclassique. Il a fait un apprentissage précoce au Puy-en-Velay, près de son village natal de Saint-Paulien, puis à l'École de Dessin de Lyon, avant d'entrer dans l'atelier parisien de Guillaume Coustou le Jeune. En 1765, il remporte le prix de Rome de sculpture avec un panneau en bas-relief représentant un sujet de l'Antiquité et entre à l'école royale des élèves protégés, qui propose un cursus spécial sous la direction du peintre Louis-Michel van Loo. Il est pensionnaire à l'Académie de France à Rome de 1768 à 1773, où il est influencé par la vague de néoclassicisme qui touche ses condisciples. Comme les pensionnaires étaient tenus de le faire, il a renvoyé en France une copie en marbre légèrement réduite de la prétendue Cléopâtre, l'Ariane endormie du Vatican, qui subsiste à Versailles. De retour en France et auprès de son ancien maître, il travaille à la sculpture du mausolée de Louis, le Grand Dauphin, dans la cathédrale de Sens. Après une tentative ratée en 1776, avec son Ganymède, il est accepté par l'Académie royale de peinture et de sculpture en 1778, avec un Gladiateur mourant. Il est nommé l'un des premiers membres de l'Institut de France en 1795, et chevalier de la Légion d'honneur en 1804. Il est chargé par le comte d'Angiviller, directeur des Bâtiments du Roi, au nom de Louis XVI, de peindre les figures d'une série de portraits grandeur nature des grands hommes de France : il réalise un Jean de La Fontaine et un Nicolas Poussin, qu'il choisit de représenter en chemise de nuit, semblable aux draperies d'une toge romaine. Tout en remplissant des commandes à Paris, pour l'église Sainte-Geneviève (actuel Panthéon, Paris), ou pour le Pavillon de Flore du Louvre, il sculpte en 1785 un ensemble de marbre virtuose représentant la nymphe Amalthée et la chèvre nourrice de Jupiter pour la Laiterie de la Reine au château de Rambouillet ; pour son modèle, il adapte la pose de la célèbre Vénus du Capitole. Les bas-reliefs de la Laiterie, considérés comme ses chefs-d'œuvre, ont été vendus aux enchères en 1819, mais ont été récupérés par l'État en 2005, grâce à un don du fils du grand marchand-collectionneur Daniel Wildenstein. école française du XIXe siècle, d'après Pierre Julien (1731-1804)Amalthée et le bouc de Jupiter Bronze à patine brun clair et dorure, réduction réalisée d'après le marbre de Pierre-Julien 1785 exécuté pour Marie-Antoinette à la Laiterie du parc du château de Rambouillet au Musée du Louvre. Parmi ses œuvres majeures : - Gladiateur mourant, marbre, 1779, Musée du Louvre. - Ganymède versant du nectar à Jupiter changé en aigle, [4] groupe en marbre, 1776-1778, Paris, Musée du Louvre. - Jean de La Fontaine, marbre, 1783-85. Musée du Louvre - Nicolas Poussin, marbre, 1789 - 1804. Musée du Louvre - Esquisse d'un modèle en terre cuite par Nicolas Poussin, vers 1787 - 1788. Musée du Louvre - Amalthée et la chèvre de Jupiter, groupe en marbre, 1787 pour la Laiterie de Rambouillet. La laiterie de la reine à Rambouillet - La fille à la chèvre, statuette en terre cuite, 1786. Musée du Louvre - Sainte Geneviève rendant la vue à sa mère, bas-relief en terre cuite, 1776. Musée du Louvre Les œuvres du célèbre sculpteur Pierre Julien ont été référencées dans plusieurs livres et catalogues, notamment Le catalogue de l'exposition. Gilles Grandjean et Guilhem Scherf. "Pierre Julien 1731-1804". Le Puy-en-Velay, France : Musée Crozatier, 2004. The Lure of Classical Sculpture 1500-1900 (Yale University Press, 1981), cat. no. 24, pp 184-87). Michael Preston Worley, 2003. Pierre Julien : Sculpteur de la reine Marie-Antoinette. La première monographie moderne. L'Europe au temps des Lumières et de la Révolution, un catalogue des bibliothèques du Metropolitan Museum of Art (entièrement disponible en ligne au format PDF), qui contient des informations sur Julien. Extraits du Grove Dictionary of Art en ligne Pierre Julien dans les collections publiques américaines, sur le site du recensement de la sculpture française STATUE NU...

AYN GALLERY propose une collection curatée d'objets uniques comme cette table exceptionnelle et unique de l'artiste Philippe Pasqua. Artistics est l'un des artistes français contemporains les plus importants de sa génération : influencé par des artistes majeurs tels que Lucian Freud et Francis Bacon, cet autodidacte expose ses peintures, dessins et sculptures dans le monde entier. Cette pièce unique 1/1 est faite de bronze et de verre. La base de la table est composée de vanités en bronze patiné noir, d'acier et d'un plateau en verre teinté noir. Le sommet a une épaisseur de 4 cm et mesure 250 cm de long x 195 cm de profondeur x 75 cm de hauteur jusqu'au sommet en verre, la barre qui traverse le crâne mesure 140 cm de hauteur du sommet jusqu'au sol. Parmi les chefs-d'œuvre de Pasqua figurent les vanités, souvent en bronze, pour lesquelles il est également célèbre. Il explore le thème des vanités comme symbole de l'âme dans l'Égypte ancienne. Au fil de son extraordinaire carrière, l'artiste français Philippe Pasqua s'est imposé comme l'un des artistes majeurs de sa génération. Son goût pour le monumental s'oppose à son attirance pour le plus vulnérable et le plus profond. Depuis quelques années, l'artiste se rend également fréquemment à Carrare, où il sculpte des crânes de plusieurs tonnes qui sont comme des étoiles massives émettant de l'énergie tellurique. À la fonderie, il réalise de grands moulages en bronze qui sont ensuite immergés dans des bains de chrome. Les crânes qui émergent - humains ou animaux - deviennent comme des miroirs : tantôt on ne voit que leur reflet aveuglant, tantôt ils disparaissent pour laisser émerger ce qu'ils reflètent. Et lorsque nous les approchons, c'est inévitablement notre propre image que nous voyons. Les immenses sculptures de Pasqua ont orné les rues de Paris et ont été exposées à la 53e Biennale de Venise, à Moscou, en Allemagne, à Pékin, à Monaco, en Israël et aux États-Unis. Aujourd'hui, Philippe Pasqua est considéré comme l'un des plus importants sculpteurs et peintres travaillant en France, et ses œuvres récoltent des sommes importantes lors des ventes aux enchères. Pasqua a exposé dans plusieurs musées et a été très apprécié, notamment lors de sa rétrospective à la Fondation Ahlers - Hanover, Allemagne) "Peinture et dessin" au Musée d'art moderne de Moscou, à la Zemack Gallery -Israël. et l'exposition monumentale "Boarderline" au Musée océanographique de Monaco. Voir autre chose sculpture en naviguant sur AYN GALLERY : Vanité avec papillons de Philippe Pasqua, Bronze peint en blanc, Edition limitée 2018 VANITY SKULL CURIOSITY TETE DE MORT...

"La Chorale" est une sculpture de Paul Ahyi représentant trois femmes chantant joyeusement. Cette magnifique sculpture est réalisée avec "L'Argile de Nawaré", une argile provenant de...

Vanité aux Papillons, bronze peint en blanc. Estampillé et signé sur la base 2018 - Edition de 5 Celui-ci 5/8 Parmi les chefs-d'œuvre de Pasqua figurent les vanités papillons, souvent en bronze, pour lesquelles il est également célèbre. Il explore ainsi le thème des vanités des papillons, accentuant le contraste entre le symbole de l'âme dans l'Égypte ancienne et la grande fragilité de l'existence. À travers son extraordinaire parcours, l'artiste français Philippe Pasqua s'est imposé comme l'un des artistes majeurs de sa génération. Son goût pour le monumental s'oppose à l'attirance qu'il éprouve pour ce qu'il y a de plus vulnérable et de plus profond. Depuis plusieurs années, l'artiste se rend aussi fréquemment à Carrare, où il sculpte des crânes de plusieurs tonnes qui sont comme des étoiles massives rayonnant d'énergie tellurique. À la fonderie, il réalise de grands moulages en bronze qui sont ensuite plongés dans des bains de chrome. Les crânes qui émergent - humains ou animaux, comme celui de l'hippopotame - deviennent comme des miroirs : tantôt on ne voit que leur reflet aveuglant, tantôt ils disparaissent, de sorte que ce qu'ils reflètent émerge. Et en les approchant, c'est inévitablement notre propre image que nous voyons. Les immenses sculptures de Pasqua ont embelli les rues de Paris, et ont été exposées à la 53e Biennale de Venise, à Moscou, en Allemagne, à Pékin, à Monaco, en Israël et aux États-Unis. Sa dernière exposition en septembre 2017, prolongée jusqu'en janvier 2018, a connu un grand succès. Aujourd'hui, Philippe Pasqua est considéré comme l'un des plus importants sculpteurs et peintres travaillant en France, et ses œuvres recueillent des sommes importantes dans les ventes aux enchères. Pasqua a exposé dans plusieurs musées et a reçu un accueil très favorable, notamment lors de sa rétrospective à la Fondation Ahlers (Hanovre, Allemagne, 2010), "Painting and Drawing" au Musée d'art moderne de Moscou (juin 2010) , Galerie Zemack juin 2017 et l'exposition monumentale "Boarderline" au Musée océanographique de Monaco (2017). VANITY SKULL CURIOSITY TETE DE MORT...

Le titre "Duo", "Together" est composé de deux éléments, l'un est un élément en zinc gravé (sur les deux faces) et l'autre un élément en bois peint (sur les deux faces) sur deux base...

Plus qu'une installation, ce paravent exquis est peint des deux côtés (au dos de la photo numéro 11). Chaque panneau est 40 cm,. Trop de gens ont l'idée que l'art s'adresse aux ye...

Lizica Delaunay De la série Bord à Bord # 6 Technique : peinture acrylique sur toile Pas de cadre La toile peut être enroulée ou montée sur un châssis "Chassis". Veuillez nous conta...