Vapor-Gemälde, handsigniert 21/230 (Einzigartige Variante) aus The Beautiful Paintings

Damien Hirst
Vapor-Gemälde, handsigniert 21/230 (Einzigartige Variante) aus The Beautiful Paintings
2023

Name: Vapor-Gemälde, handsigniert 21/230 (Einzigartige Variante) aus The Beautiful Paintings
Brand: Damien Hirst
Rating: 5 (62 reviews)

Angaben zum Objekt

Damien Hirst Schönes, sehr unfreundliches, ziemlich unbestreitbar kluges, fast unzulässiges, aber unangemessenes Dampfgemälde, 2023 Mixed Media Giclée Druck auf Poly-Baumwoll-Leinwand auf Birkensperrholz-Keilrahmen Auf der Vorderseite von Damien Hirst mit einem Lackstift handsigniert. Auflage 21/230 (jede Variante ist ein Unikat) 15 3/4 × 15 3/4 Zoll Ungerahmt Auf der Vorderseite von Damien Hirst mit einem Farbstift handsigniert. Aus der Serie "Die schönen Gemälde" Ausgabenummer: H12-7-21 (Einmalige Variante) Herausgegeben von HENI, Inc. in Collaboration mit Damien Hirst Begleitet von einer maßgefertigten Originalverpackung (Verlagsverpackung) Über Damien Hirsts The Beautiful Paintings: Im Frühjahr 2023 gab Hirst Sammlern einige Wochen lang die Möglichkeit, ihre eigene Kombination von Farben, Stilen, Formen, Größen und Medien zu wählen, um Kunstwerke und Titel zu schaffen. Obwohl die Sammlerinnen und Sammler die Variablen auswählen konnten, hat das Endergebnis immer ein Element des Zufalls, genau wie bei früheren "Spin Paintings". Jedes Kunstwerk in dieser Serie ist ein absolutes Unikat. Die Sammler konnten aus unzähligen Farbkombinationen ihre eigene Palette zusammenstellen. Die ausdrucksstarken Farbnamen selbst wurden mithilfe von maschinellem Lernen generiert, darunter Namen wie Himalayan Waters, Interdimensional Cloud und Tangerine Pine. Auf dem Dashboard Beautiful Paintings standen 25 verschiedene Kunstwerke zur Auswahl. Die große Vielfalt an Stilen zeigte die unerwarteten Bewegungen, Farbspritzer und Farbinteraktionen seiner traditionellen "Spin Paintings", aber auch neue Richtungen, die auf seinem bisherigen Werk aufbauen. Die Sammler konnten auch die Form der Leinwand für ihr Kunstwerk wählen. Die Werke wurden in quadratischer oder kreisförmiger Form hergestellt, zwei der häufigsten Formen, die Hirst bereits in seiner Serie "Spin Paintings" verwendet hat, die jeweils in vier verschiedenen Größen erhältlich sind. Schließlich wurde das maschinelle Lernen eingesetzt, um spielerisch lange und beschreibende Titel zu erstellen, die der bestehenden Namenskonvention für "Spin Paintings" folgen. Die Titel beginnen mit dem Wort "Beautiful", enden mit "Painting" und verweisen auf den gewählten Stil des "Spin Painting". GESCHICHTE DER SPINNEREI Spin Paintings" geht auf das Jahr 1992 zurück und war Hirsts Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus und seinen Wunsch, eine Maschine zu entwickeln, um Kunst zu machen, basierend auf seiner IDEA, dass man mechanisch "ein klinisches System" schaffen könnte, um "Kunst ohne Angst" zu produzieren. Anstatt eine Komposition direkt mit dem Pinsel zu schaffen, begann Hirst, Pigmente auf seine Leinwände zu schütten, während diese sich drehten, und erlaubte der Maschine, zufällige Bewegungen und Farbinteraktionen zu ermöglichen. In den letzten 30 Jahren ist Hirst immer wieder auf das Spin-Format zurückgekommen und hat manchmal sogar andere Personen wie David Bowie in sein Studio eingeladen, um gemeinsam ein "Spin Painting" zu schaffen. Er hat verschiedene Formen, Größen und Techniken verwendet, um auf diesem Werk aufzubauen, wobei The Beautiful Paintings die jüngste Iteration darstellt. Generative Algorithmen und Algorithmen des maschinellen Lernens ersetzen Hirsts mechanische Werkzeuge, bewahren aber die langjährige Ästhetik von Zufall und Zufälligkeit der Serie. Über Damien Hirst: Hirst erforscht die Spannungen und Ungewissheiten, die den Kern der menschlichen Erfahrung ausmachen. Liebe, Sehnsucht, Glaube und der Kampf, mit dem Wissen um den Tod zu leben, werden untersucht, oft auf unkonventionelle und unerwartete Weise. Hirst ist vielleicht am bekanntesten für seine "Natural History"-Serie, die Tiere in Vitrinen zeigt, die in Formaldehyd eingelegt sind. Diese ikonischen Skulpturen wie The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1991) oder Mother and Child (Divided) (1993) zielen darauf ab, grundlegende Fragen über den Sinn des Lebens und die Zerbrechlichkeit der biologischen Existenz neu zu stellen. Hirst nutzt die Vitrinen als Fenster und Barriere zugleich, um den Betrachter visuell zu verführen und gleichzeitig eine minimalistische Geometrie zu schaffen, die sein Thema einrahmt, einschließt und objektiviert. In seinem bahnbrechenden Werk A Thousand Years (1990) konstruierte er erstmals einen Tank aus Stahl und Glas, in dem ein Miniatur-Lebenszyklus von Fliegen geschaffen wird, die schlüpfen, sich ernähren und dann durch die Hand eines Insekt-O-Cutors sterben. In vielen seiner anderen Vitrinenskulpturen aus den 1990er Jahren wie The Acquired Inability to Escape (1991) oder The Asthmatic Escaped (1992) impliziert er eine menschliche Präsenz durch ihre Abwesenheit, einschließlich reliktartiger Objekte wie Kleidung, Zigaretten, Aschenbecher, Tische und Stühle. Die Wissenschaft und unser unhinterfragter Glaube an die Macht der Pharmazeutika bleibt eines von Hirsts nachhaltigsten Themen. Diese Ideen werden in der Installation Pharmacy (1992) sowie in den "Medicine Cabinets" und "Instrument Cabinets" untersucht, die eine Fülle von reflektierenden, präzisionsgefertigten chirurgischen Instrumenten in Stahl- und Glaskästen zeigen. Andere Skulpturen sind eher feierlich, wie z. B. Hymn (1999-2001), eine polychrome Bronzeskulptur, die die Muskulatur und die inneren Organe des menschlichen Körpers in Form von spielzeugähnlichen anatomischen Modellen zeigt, die auf ein monumentales Maß vergrößert wurden. Im Jahr 2007 schuf Hirst sein wohl provokativstes Werk: For the Love of God, ein lebensgroßer Platinabguss eines menschlichen Schädels, der vollständig mit 8.601 lupenreinen Pavé-Diamanten besetzt ist. Obwohl es in der Kunstgeschichte keinen Präzedenzfall gibt, funktioniert das Werk wie ein traditionelles Memento mori, das einen Gegenstand verwendet, um die Vergänglichkeit der menschlichen Existenz zu thematisieren. Hirst ist auch für seine Gemälde bekannt, wie die Serie von Werken mit Schmetterlingen, die in dicken Schichten von Glanzfarbe schweben, und die "Kaleidoscope Paintings", bei denen Tausende von Schmetterlingsflügeln in mandalaartigen Mustern angeordnet sind. In den "Entomology"-Gemälden aus dem Jahr 2013 greift er dieses Thema erneut auf, indem er Schmetterlinge mit Tausenden von farbenprächtigen Insekten und Spinnen vermischt, um die Zerbrechlichkeit des Lebens zu reflektieren. Die entsprechenden "Entomologie-Schränke" verwenden dieselben Komponenten, platzieren sie aber in präzisen horizontalen oder vertikalen Reihen in minimalen und reflektierenden wandmontierten Edelstahlrahmen. Durch die Anordnung der einzelnen Arten in separaten Reihen entsteht ein Gesamteindruck von wissenschaftlicher Ordnung oder industrieller Produktion, der zum Teil auf die viktorianische Ära und ihre Vorliebe für visuelle Darstellungen verweist, die die Kontrolle des Menschen über die Natur widerspiegeln. In der Serie "Spin" verwendet Hirst eine Maschine, die die Farbe durch Zentrifugalkraft verteilt, während sie gleichmäßig auf die Leinwand gegossen wird. Die zufällige Spontaneität der "Spins" steht im Gegensatz zu den eher formelhaften "Spot"-Serien, die ein strenges Raster aus gleichgroßen Punkten in verschiedenen Farben aufweisen. Beide Serien suggerieren jedoch die Idee eines imaginären mechanischen Malers. Im Gegensatz dazu begann Hirst 2009 mit einer Reihe von Gemälden, die einen radikalen Wandel darstellten. Er kehrte zum Malen allein zurück, was er als "die direkteste Form der Produktion mit allen damit verbundenen künstlerischen Konsequenzen" bezeichnete: "sich der Leinwand, dem individuellen malerischen Akt, dem kreativen Prozess, dem emotionalen Gleichgewicht des Künstlers allein gegenüberzustellen; den Fragen, die das Bild aufwirft, ausgeliefert zu sein, dem Schöpfer, sich selbst... 2017 präsentierte Hirst sein zehnjähriges Projekt Treasures from the Wreck of the Unbelievable in Punta Della Dogana und Palazzo Grassi in Venedig. Das Projekt, das sich mit den Begriffen des Sammelns und den Mechanismen der Kunstgeschichte sowie mit dem menschlichen Streben angesichts der Sterblichkeit befasst, wird durch fast 190 einzelne Werke manifestiert. Im Mittelpunkt stehen eine Reihe von Schätzen und Artefakten, die der befreite römische Sklave Cif Amotan II. aus einem Schiffswrack im Indischen Ozean barg, das 2.000 Jahre lang unberührt gelegen hatte. Indem er Fakten und Fiktion zu einer labyrinthischen Erzählung verwebt, kombiniert Hirst wertvolle archäologische Relikte, die aus dem Wrack geborgen wurden - einige von ihnen sind so stark mit Korallen und Meereslebewesen verkrustet, dass ihre Formen nicht mehr zu erkennen sind - mit seinen eigenen Skulpturen, Dokumentarfotografie, Video und Zeichnungen. Das Projekt hebt die Macht des Mythos hervor, der durch eine Hierarchie von Objekten erzählt wird, die von Münzen und Tellern bis hin zu monumentalen Skulpturen reichen, um Ideen von Wert und die Wandelbarkeit von Geschichte, Glauben und Kunst selbst aufzuzeigen. Damien Hirst wurde 1965 in Bristol, Großbritannien, geboren. Er lebt und arbeitet in London und Gloucestershire. Seit 1987 hat Damien Hirst weltweit über 90 Einzelausstellungen organisiert und war an über 300 Gruppenausstellungen beteiligt. Im Jahr 2012 präsentierte die Tate Modern in London in Verbindung mit der Kulturolympiade 2012 eine große Retrospektive von Hirsts Werk. Zu Hirsts weiteren Einzelausstellungen gehören Qatar Museums Authority, ALRIWAQ Doha (2013-2014); Palazzo Vecchio, Florenz (2010); Oceanographic Museum, Monaco (2010); Rijksmuseum, Amsterdam (2008); Astrup Fearnley Museet für Moderne Kunst, Oslo (2005); Museo Archeologico Nazionale, Neapel (2004); Palazzo Grassi und Punta della Dogana, Pinault Collection, Venedig (2017), Post Truth, Fake News & Alternative Facts, Haifa Museum, Israel (2019), Villa Borghese, Rom (2021); Fondation Cartier, Paris (2021) und andere. Seine Werke befinden sich in bedeutenden Sammlungen wie dem British Museum, dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, dem Museum of Modern Art, New York, der Tate, dem Stedelijk Museum, dem Yale Center for British Art, der Broad Collection, dem Victoria and Albert Museum, der Fondazione Prada und dem Museo Jumex, neben vielen anderen. - Mit freundlicher Genehmigung von White Cube

Schöpfer*in:
Damien Hirst (1965, Britisch)
Entstehungsjahr:
2023
Maße:
Höhe: 40,01 cm (15,75 in)Breite: 40,01 cm (15,75 in)Tiefe: 2,54 cm (1 in)
Medium:
Birke,Giclée,Mixed Media,Acryl
Bewegung und Stil:
Zeitgenössisch
Zeitalter:
2010–
Zustand:
Hervorragend; begleitet von der Originalverpackung und -schachtel des Verlags.
Galeriestandort:
New York, NY
Referenznummer:
1stDibs: LU1745213383152

Damien Hirst – alle durchstöbern

Damien Hirst

Der britische Künstler Damien Hirst gilt weithin als das Enfant terrible der zeitgenössischen Kunst. Er ist der prominenteste der so genannten Young British Artists oder YBAs, einer Gruppe, die sich größtenteils aus Hirsts Kommilitonen an der Londoner Goldsmiths School zusammensetzte und nach 1988 begann, gemeinsam in Lagerhäusern und Fabriken auszustellen. Er ist bekannt für die Verwendung unkonventioneller Materialien und "Schocktaktiken" in seinen Gemälden, Drucken, Skulpturen und anderen Werken.

In den 1990er Jahren sagte Hirst: "Ich kann es kaum erwarten, in eine Position zu kommen, in der ich wirklich schlechte Kunst machen und damit davonkommen kann." Und in der Tat ist er berüchtigt dafür, Kritiker zu verärgern und die Öffentlichkeit mit Werken wie seinen charakteristischen Glasvitrinen mit toten Schafen oder Haien in Formaldehyd und seinem mit Diamanten besetzten Schädel zu verblüffen, For the Love of God.

Hirst arbeitet vor allem als Bildhauer. In Anlehnung an den französischen Meister der Moderne Marcel Duchamp verwendet er vorgefertigte Objekte und Materialien, die er mit ironischem Effekt kombiniert. Er arbeitet oft in Serien, wie bei "The Cure (Violet)" und "The Cure (Turquoise)", beide aus dem Jahr 2014, die zu den Pillenbildern gehören, die sich auf Andy Warhol's Umarmung der Massenproduktion beziehen.

Materialien

Giclée

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