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Titel: Zahlen
Mappe: 1978 Surrealist
Medium: Lithographie auf Arches 88 Papier
Auflage: 38
Blattgröße: 31 7/16" x 23 1/2" Bildgröße: 23 1/2" x 15 1/4"
Unterschrift: Handsigniert mit Bleistift
Referenz: Corlett 156
Gedruckt in der Druckerei Gemini G.E.L. in Los Angeles.
Roy Fox Lichtenstein war ein amerikanischer Pop-Künstler. In den 1960er bis 90er Jahren wurde er zusammen mit Andy Warhol, Jasper Johns und James Rosenquist zu einer führenden Figur der neuen Kunstbewegung. Sein Werk definierte die Prämisse der Pop Art durch Parodie. Die meisten von Lichtensteins bekanntesten Werken sind relativ genaue, aber nicht exakte Kopien von Comic-Panels, ein Thema, das er 1965 weitgehend aufgab. Lichtensteins Stillleben-Gemälde, -Skulpturen und -Zeichnungen, die von 1972 bis in die frühen 1980er Jahre reichen, umfassen eine Vielzahl von Motiven und Themen, darunter auch die traditionellsten wie Früchte, Blumen und Vasen.
Inspiriert von den Comics, schuf Lichtenstein präzise Kompositionen, die dokumentieren und gleichzeitig parodieren, oft mit einem Augenzwinkern. Sein Werk wurde von der populären Werbung und dem Comic-Stil beeinflusst. Seine Kunstwerke wurden als "störend" angesehen. Er bezeichnete die Pop Art als "keine 'amerikanische' Malerei, sondern eigentlich industrielle Malerei". Seine Bilder wurden in der Leo Castelli Gallery in New York City ausgestellt.
Wham!, und Drowning Girl Look Mickey erwiesen sich als seine einflussreichsten Werke. Sein teuerstes Werk ist Masterpiece, das im Januar 2017 für 165 Millionen Dollar verkauft wurde.
Lichtenstein erhielt sowohl seinen Bachelor als auch seinen Master an der Ohio State University, Columbus, Ohio, wo er zehn Jahre lang unterrichtete. Im Jahr 1967 zog er zurück nach Upstate New York und begann wieder zu unterrichten.
In dieser Zeit nahm er den Stil des Abstrakten Expressionismus an, da er sich erst spät zu dieser Malerei bekehrte. Lichtenstein unterrichtete ab 1958 an der State University of New York in Oswego im Bundesstaat New York. Ungefähr zu dieser Zeit begann er, versteckte Bilder von Zeichentrickfiguren wie Mickey Mouse und Bugs Bunny in seine abstrakten Werke einzubauen.
Ab 1960 unterrichtete er an der Rutgers University, wo er stark von Allan Kaprow beeinflusst wurde, der ebenfalls an der Universität lehrte. Dieses Umfeld trug dazu bei, sein Interesse an Proto-Pop-Bildern neu zu entfachen. 1961 begann Lichtenstein mit seinen ersten Pop-Bildern, in denen er Cartoon-Bilder und Techniken verwendete, die von der Erscheinung des kommerziellen Drucks abgeleitet waren. Diese Phase sollte bis 1965 andauern und beinhaltete die Verwendung von Werbebildern, die Konsum und Hausarbeit suggerierten. Sein erstes Werk, in dem er großflächig Figuren und Ben-Day-Punkte einsetzte, war Look Mickey (1961), National Gallery of Art, Washington, D.C.) Dieses Werk entstand aus einer Herausforderung durch einen seiner Söhne, der auf ein Micky-Maus-Comicheft zeigte und sagte: "Ich wette, du kannst nicht so gut malen wie das, was, Dad?" Im selben Jahr schuf er sechs weitere Werke mit erkennbaren Figuren aus Kaugummiverpackungen und Cartoons.
Zu dieser Zeit begann Lichtenstein, nicht nur in Amerika, sondern weltweit berühmt zu werden. 1964 zog er zurück nach New York, um im Zentrum der Kunstszene zu stehen und sich auf seine Malerei zu konzentrieren. Lichtenstein verwendete Öl- und Magna-Farben (frühe Acrylfarben) in seinen bekanntesten Werken, wie z. B. Drowning Girl (1963), das der Titelgeschichte von DC Comics' Secret Hearts Nr. 83, gezeichnet von Tony Abruzzo, entnommen wurde. (Drowning Girl hängt heute im Museum of Modern Art, New York.) Drowning Girl zeichnet sich auch durch dicke Umrisse, kräftige Farben und Ben-Day-Punkte aus, als wäre es durch fotografische Reproduktion entstanden. Über sein eigenes Werk sagte Lichtenstein, dass die Abstrakten Expressionisten "Dinge auf die Leinwand brachten und auf das reagierten, was sie getan hatten, auf die Farbpositionen und Größen. Mein Stil sieht ganz anders aus, aber die Natur der Linienführung ist ziemlich dieselbe; meine sehen nur nicht so kalligraphisch aus wie die von Pollock oder Kline.
Lichtenstein versuchte nicht, seine Motive zu reproduzieren, sondern setzte sich mit der Art und Weise auseinander, in der sie von den Massenmedien dargestellt werden. Er würde sich selbst jedoch nie zu ernst nehmen und sagte: "Ich denke, meine Arbeit unterscheidet sich von Comics - aber ich würde sie nicht als Transformation bezeichnen; ich glaube nicht, dass das, was damit gemeint ist, für die Kunst wichtig ist." Als Lichtensteins Werk zum ersten Mal ausgestellt wurde, stellten viele Kunstkritiker seinerzeit seine Originalität in Frage. Sein Werk wurde als vulgär und leer kritisiert. Der Titel eines Artikels in der Zeitschrift Life von 1964 lautete: "Ist er der schlechteste Künstler der USA?" Lichtenstein reagierte auf solche Behauptungen mit Antworten wie der folgenden: "Je näher meine Arbeit am Original ist, desto bedrohlicher und kritischer ist der Inhalt. Meine Arbeit hat sich jedoch insofern völlig verändert, als mein Ziel und meine Wahrnehmung völlig anders sind. Ich denke, dass meine Bilder kritisch transformiert sind, aber es wäre schwierig, dies mit einer rationalen Argumentation zu beweisen."
1969 erhielt Lichtenstein von Gunter Sachs den Auftrag, "Composition" und "Leda and the Swan" für die Pop-Art-Schlafzimmer-Suite des Sammlers im Palace Hotel in St. Moritz zu schaffen. In den späten 1970er und in den 1980er Jahren erhielt Lichtenstein wichtige Aufträge für Werke im öffentlichen Raum: die Skulpturen Lamp (1978) in St. Mary's, Georgia; Mermaid (1979) in Miami Beach; die 26 Fuß hohen Brushstrokes in Flight (1984, 1998 versetzt) am John Glenn Columbus International Airport; das fünf Stockwerke hohe Mural with Blue Brushstroke (1984-85) am Equitable Center, New York und El Cap de Barcelona (1992) in Barcelona. 1994 schuf Lichtenstein das 53 Fuß lange, aus Emaille auf Metall gefertigte Times Square-Wandbild in der U-Bahn-Station Times Square. Im Jahr 1977 wurde er von BMW beauftragt, eine Gruppe-5-Rennversion des BMW 320i für die dritte Auflage des BMW Art Car Project zu lackieren. Das Logo von DreamWorks Records war sein letztes abgeschlossenes Projekt. "Ich mache so etwas (ein Firmenlogo) nicht und habe auch nicht vor, es wieder zu tun", erlaubt Lichtenstein. "Aber ich kenne Mo Ostin und David Geffen und fand es interessant.
1996 wurde die National Gallery of Art in Washington, D.C. zum größten Einzelarchiv des Künstlers, als Lichtenstein 154 Drucke und 2 Bücher stiftete. Das Art Institute of Chicago besitzt mehrere wichtige Werke von Lichtenstein in seiner ständigen Sammlung, darunter Brushstroke with Spatter (1966) und Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Die persönlichen Bestände von Lichtensteins Witwe, Dorothy Lichtenstein, und der Roy Lichtenstein Foundation gehen in die Hunderte. In Europa besitzt das Museum Ludwig in Köln mit Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964) einen der umfangreichsten Lichtenstein-Bestände, daneben das Frankfurter Museum für Moderne Kunst mit We Rose Up slowly (1964) und Yellow and Green Brushstrokes (1966). Außerhalb der Vereinigten Staaten und Europas verfügt die Kenneth Tyler Collection der National Gallery of Australia über umfangreiche Bestände von Lichtensteins Grafiken, die über 300 Werke umfassen. Insgesamt sollen etwa 4.500 Werke im Umlauf sein.
Wenn der Drucker, Gemini G.E.L. wurde 1966 gegründet, als die Druckgrafik an der Schwelle zu einer technischen Renaissance stand und sich großer Beliebtheit erfreute, als die Fackel der neuen Kunst von Frankreich nach Amerika überging. Der anfängliche Schwerpunkt der Wiederbelebung der Druckgrafik lag auf der Lithografie, was vor allem auf die Ausbildung der Meisterdrucker im 1960 in Los Angeles gegründeten Tamarind Lithography Workshop zurückzuführen ist. Einer dieser frisch ausgebildeten Meisterdrucker, Kenneth Tyler, hatte einen kleinen Laden in der Stadt, als vor fast einem halben Jahrhundert zwei Freunde und Verbindungsbrüder der University of Southern California, Sidney B. Felsen und Stanley Grinstein (1927-2014), Tylers Laden entdeckten und erkannten, dass er das Potenzial hatte, eine einzigartige Kunstwerkstatt und ein Verlagshaus zu werden.
Felsen und Grinstein sahen eine Zukunft, die es ihnen ermöglichen würde, nicht nur mit renommierten Künstlern zusammenzuarbeiten, sondern auch, nach Tylers Weggang 1974, über Lithografie und Siebdruck hinaus die gesamte Bandbreite der grafischen Künste zu erforschen und weiterhin nach technischen Meilensteinen bei dreidimensionalen Multiples und Skulpturen in limitierter Auflage zu suchen. Sie waren sich darüber im Klaren, dass die Einrichtungen nur eingeladenen Künstlern offen stehen durften und dass die Künstler direkt mit den Druckern zusammenarbeiten mussten, um in die Spitzengruppe der weltweiten Werkstätten aufzusteigen. Jedes Kunstwerk wird exklusiv für die Veröffentlichung konzipiert und die Auflagen sind streng limitiert. Jedes Bild wird vom Künstler signiert und nummeriert und mit dem Gemini-Häkchen gekennzeichnet, was die Echtheit jedes Originalabzugs oder jedes Multiples belegt. Mit anderen Worten: Das Geschäft würde mehrere Originale veröffentlichen, niemals Werke, die Kunst in anderen Medien nachbilden oder reproduzieren.
Als die Kunstwelt der sechziger und siebziger Jahre in rasantem Tempo zu expandieren begann, interessierte sich eine wachsende Zahl von Künstlern für die kreativen Möglichkeiten, die Drucke und Multiples boten, und innerhalb von ein oder zwei Jahren nach der Gründung wurde Gemini zur Anlaufstelle für innovative Druckgrafik an der Westküste - der Ort, an dem den Künstlern nie gesagt wurde: "Nein, das geht nicht", und Einladungen zum Arbeiten in der Werkstatt wurden eifrig angenommen.
Als Hersteller und Verleger bahnbrechender Editionen war das früheste Beispiel für die Erfindung von Gemini zweifellos die erste Collaboration (1967) mit Robert Rauschenberg, bei der der (damals) größte jemals hergestellte Kunstdruck realisiert wurde: Booster, ein 72 Zoll großes Lithografie-/Siebdruck-Selbstporträt, das die Grenzen der Druckgrafik im 20. Jahrhundert dauerhaft veränderte. Die erste dreidimensionale Edition von Gemini war Claes Oldenburgs ikonisches Profil Airflow von 1968, und sowohl die technischen als auch die künstlerischen Meilensteine setzen sich bis heute fort, mit Werken wie Ellsworth Kellys fast 19 Fuß großer Lithografie Purple/Red/Gray/Orange, Richard Serras monumentalem und stark pastosem Paintstick Double Rift V und Julie Mehretus majestätischen, mehrteiligen Auguries.
In den ersten Jahren machten Jasper Johns, Roy Lichtenstein und Robert Rauschenberg, um nur einige zu nennen, Gemini und Los Angeles zu einem wichtigen Teil ihres Arbeits- und Gesellschaftslebens. Sie schlossen Freundschaften mit Zwillingen wie Jonathan Borofsky, Vija Celmins, Sam Francis, Bruce Nauman, Ken Price, Ed Ruscha und dem britischen Transplantat David Hockney. Der abenteuerliche Laden, den Felsen und Grinstein leiteten, wurde nicht nur zu einem amerikanischen Ziel, sondern zum weltweiten Hauptsitz für grafische Experimente. Gemini beherbergt nun - in dem ikonischen Frank Gehry-Gebäude in der Melrose Avenue - eine geografisch breit gefächerte Liste von Künstlern, darunter Daniel Buren und Sophie Calle aus Frankreich, Ann Hamilton aus Ohio, Mehretu aus Äthiopien über Detroit und New York sowie Gehry und John Baldessari aus Los Angeles. - Constance W. Glenn, Los Angeles, November 2014