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(after) Gustav KlimtMax Eisler Eine Nachlese Folio „Expectation“ Collotypie Druck1931
1931
Angaben zum Objekt
Nach Gustav Klimt, Max Eisler #12, Aus dem Stoclet-Fries: Erwartung; mehrfarbige Lichtdruckgrafik nach dem Entwurf für den Mosaikfries an der Westwand des Speisesaals des Palais Stoclet, Brüssel, 1910-1911; ein dreiteiliger Lebensbaum-Zyklus, der die Sehnsucht der Menschheit nach dem Paradies zum Ausdruck bringt; in Kreide, Graphitstift, Gouache und Metallpulver auf Transparentpapier auf Leinwand aufgezogen; mit ausführlichen Entwurfsnotizen und Anweisungen von Klimts eigener Hand; Zeichnung in der Sammlung des MAK: Österreichisches Museum für angewandte Kunst / Gegenwartskunst, Wien.
Klimts Karikaturen "Erwartung" (Eisler Nr. 12) und "Erfüllung" (Eisler Nr. 17) sind eng miteinander verbundene Schätze der Moderne. Die Erwartung, oder wie Klimt sie nannte, die Tänzerin, zeigt, dass Klimt mit seiner interdisziplinären Herangehensweise an Materialien und Themen neue Wege beschreitet. Er hebt überholte Hierarchien von angewandter und bildender Kunst auf und schöpft für dieses Bild frei aus der ganzen Welt und allen Epochen. Altägyptische Grabmalkunst und fernöstliche Bilder finden in seiner anmutig gezeichneten Frau, aus deren Gesten die gelehrte Vorfreude auf ihre Zukunft spricht, eine angenehme Gesellschaft. Die spiralförmigen Formen und Dreiecke ihres prächtigen Metallschmucks hallen hinter ihr auf den üppigen Baumstämmen ebenso wie auf ihrem Kleid wider. Das Ergebnis so vieler stilisierter und ornamentaler Formen ist alles andere als statisch; Klimt schafft räumliche Tiefe durch die pulsierende Wirkung der Windungen, während seine präzise Platzierung der Dreiecke der Figur eine wellenförmige Wirkung verleiht, deren subtile Hin- und Herbewegungen die Illusion eines kurzen Schwebezustands vermitteln, bevor der Vorwärtsimpuls sie in Richtung ihres Schicksals treibt. Klimt führt die Interdisziplinarität seines künstlerischen Schaffens mit der synästhetischen Beziehung zwischen seiner Bildsprache und der Musik noch weiter. Seine sorgfältig entwickelte Wiederholung elementarer Formen wird zu einem komplexen Mittel visueller Musikalität, das einen ähnlichen Effekt der Aufhebung wie in der klassischen Musik durch das frühe Erklingen eines oder mehrerer Töne eines nachfolgenden Akkords erzielt, um eine vorübergehende Dissonanz zu bilden, die schließlich in eine vereinigende Konsonanz aufgelöst wird. Auf diese Weise verstärkt Klimt das Gefühl der Erwartung und spielt auf die letzte Tafel der Erfüllung an.
Während der Mosaikfries, der die Wände des Speisesaals der privaten Stoclet-Residenz in Brüssel schmückt, von Klimt entworfen, aber von den Männern und Frauen der Wiener Werkstaate ausgeführt wurde, ist diese vorbereitende Karikatur, die maßstabsgetreu für die linke Tafel der Westwand des Palais Stoclet geschaffen wurde, bis auf das mit Bleistift gezeichnete Raster und die von Hand aufgetragenen Metallfarben tatsächlich ganz Klimt. Klimts ausführliche Notizen und Anweisungen, seine Zeichnungen, Durchzeichnungen und Malereien - manchmal experimentell - geben einen echten Einblick in seine Vision und die Entwicklung des Entwurfs. Wie der erste Vorsitzende und der Dirigent einer großartigen Sinfonie in einem, hat Klimt einen Großteil der Arbeiten für die Stoclet-Mosaikplatten direkt auf den Karikaturen entworfen und verfeinert.
Es ist klar, dass Klimt auf diese Karikaturen sehr stolz war und sie nicht nur als vorbereitende Arbeiten betrachtete, sondern als vollendete Gemälde mit eigenem Recht. Die Ergebnisse der Spektralanalyse zeigen, dass Klimt das silberfarbene Blattmetall der Figur in Erwartung mit teurem Platin überzogen hat, um ein Anlaufen des Silbers zu vermeiden und das beeindruckende Bild für die Nachwelt zu erhalten.
GUSTAV KLIMT EINE NACHLESE, eine Mappe mit 30 Lichtdrucken, davon 15 mehrfarbig und 15 einfarbig, auf Chine-Colleté-Papier, aufgelegt auf schwerem cremefarbenem Bütten mit Büttenrand; Max Eisler, Herausgeber-Verleger; Österreichische Staatsdruckerei, Drucker; in einer limitierten Auflage von 500 nummerierten Exemplaren, davon: 200 in deutscher Sprache, 150 in französischer Sprache und 150 in englischer Sprache; Wien, 1931.
2018 jährt sich der Todestag von Gustav Klimt zum 100. Es ist ein geeigneter Zeitpunkt, um über das bleibende Vermächtnis und die tiefe Wirkung seiner Kunst nachzudenken. Die Veröffentlichung von Gustav Klimt: Eine Nachlese stellt eine seltene Sammlung von Werken nach Klimt dar, die sich als unentbehrliches Hilfsmittel für die Klimt-Forschung und als Quelle reinen visuellen Vergnügens erwiesen hat, da sie diese Notwendigkeit für die Nachwelt mit unheimlicher Weitsicht erkannt hat.
Ungefähr 25 Prozent der Originalwerke aus dem Aftermath-Portfolio sind inzwischen verloren gegangen. Von diesen 30 wurden sechs am 8. Mai 1945 durch ein Feuer zerstört. An jenem schicksalhaften letzten Tag des Zweiten Weltkriegs setzte die sich zurückziehende Feldherrnhalle, eine Panzerdivision der deutschen Armee, das Schloss Immendorf in Brand, ein Schloss aus dem 16. Jahrhundert in Niederösterreich, das zwischen 1942 und 1945 zur Lagerung von Kunstgegenständen genutzt wurde. Alle drei Gemälde der Fakultät von Klimt: Philosophie, Medizin und Jurisprudenz (1900-1907), die ursprünglich für die Universität Wien geschaffen worden waren, befanden sich zu diesem Zeitpunkt in den Räumlichkeiten. Unter den eingelagerten Klimt-Gemälden befand sich auch Kunst, die von den Nazis beschlagnahmt worden war. Eine der bedeutendsten beschlagnahmten Sammlungen war die Sammlung Lederer, die zahlreiche Werke von Gustav Klimt enthielt, wie z. B. Freundinnen II und Gartenweg mit Hühnern. In vielen Fällen ist Aftermath unsere einzige Verbindung zu diesen verlorenen Schätzen.
Max Eisler (1881-1937), der Herausgeber der Mappe "Aftermath" von 1931, war Kunsthistoriker an der Universität Wien, spezialisiert auf moderne und zeitgenössische Kunst und Kunsthandwerk, dessen Buch über Klimt aus dem Jahr 1920 die erste Klimt-Monographie war. Für ihn füllt An Aftermath wichtige Lücken, die die früheren Druckmappen, die Klimt nur bis 1913 abbildeten und große Kunstprojekte wie den Lebensbaumfries für das Palais Stoclet ausblendeten, hinterlassen hatten. Und während nur 10 der 50 Drucke aus den früheren Portfolios, die von H.O. Miethke in aufwändigen mehrfarbigen Bildern hergestellt wurden, ergänzte Eisler das frühere Format, indem er die Hälfte der 30 Bilder in atemberaubenden mehrfarbigen Lichtdrucken zeigte. Das Verständnis für die Fragilität des Lichtdruckverfahrens verstärkt auch die besonderen und außergewöhnlichen Merkmale dieses Projekts. Zerbrechliche Lichtdruckplatten können nicht wiederverwendet werden. Dies erfordert die Fertigstellung einer Auflage auf Anhieb und bedingt eine begrenzte Produktionszahl. Die von Hand gedruckten Lichtdrucke erforderten eine geschickte Handhabung durch die Osterreichische Staatsdruckerei. Ein komplizierter und langwieriger Prozess, der Gelatinekolloide, die mit Dichromaten gemischt wurden, die Herstellung von 16 dünnen Glasfiltern zur Farbseparation, um die lichtempfindlichen Internegativbilder zu erhalten, die alle Tonabstufungen und Farben des Gemäldes getreu einfangen konnten, die Belichtung mit aktinischem Licht und empfindliche Chine-Collie-Papiere, die eine größere Farbsättigung ermöglichten, einschließt.
Die Österreichische Staatsdruckerei war die Nachfolgerin der 1804 von Kaiser Franz I. gegründeten KK Hof- und Staatsdruckerei, deren Lichtdruckinnovationen von Klimts Kunst erstmals in H.O. vorgestellt wurden. Miethkes Das Werk Gustav Klimts Portfolios (1908-1913). Bis 1931, als Max Eisler Gustav Klimt: An Aftermath veröffentlichte, hatte die Druckerei ihren Namen geändert, setzte aber ihre Tradition des modernen Lichtdrucks fort.
Diese mehrfarbigen Lichtdrucke sind perfekte Beispiele für das, was Klimt als "große Kunstprojekte" bezeichnete Die Natur des Mediums Druck bringt Künstler und Publikum auf eine sehr zugängliche Weise zusammen. Jeder Schritt in ihrem Entstehungsprozess erforderte ein hohes Maß an technischem Know-how, innovativem Denken und echter künstlerischer Zusammenarbeit, Gesamtkunstwerk.
Als ständiger Mitarbeiter war Klimt das Gesicht und die Stimme vieler modernistischer Gruppen und Bewegungen: Er war Präsident der Wiener Secession bis zur Spaltung 1905, als sich seine Fraktion mit der Wiener Werkstaate zusammenschloss; er leitete die Kunstschau 1908 und war Gründungsmitglied des Österreichischen Werkbundes. Die zuweilen polarisierende Fähigkeit Klimts, schon zu Lebzeiten Diskussionen und Debatten anzuregen, wirft ebenso viel Licht auf sein soziales Umfeld wie auf den Künstler Klimt und seine Kunst.
Klimts künstlerische Vision ging über das Atelier hinaus; er war besonders daran interessiert, die Trennung zwischen Künstler und Konsument zu überwinden. In dem Bemühen, diese Barriere zu überwinden und eine echte Vereinheitlichung der künstlerischen Erfahrung zu erreichen, trug Klimt zur Entwicklung bahnbrechender Kunstportfolios bei. In seiner Rede zur Eröffnung der Kunstschau 1908 privilegierte Klimt die Rolle desjenigen, der eine Beziehung zur Kunst suchte, und erklärte, die Betrachtung eines Kunstwerks sei "ein Akt des schöpferischen Konsums" Klimt ging so weit, dass er den Begriff des Künstlers radikal neu definierte, indem er die Stilkunst erweiterte: "den Begriff 'Künstler' ebenso weit zu interpretieren wie den Begriff 'Kunstwerk' Nicht nur diejenigen, die Kunst schaffen, sind ihres Namens würdig", behauptete Klimt: "alle, die fähig sind, zu fühlen und das künstlerische Schaffen zu schätzen"
Oftmals als elitär kritisiert, ist der demokratisierende Charakter einer solchen Aussage bemerkenswert. Es ist leicht, die Möglichkeiten der Zusammenarbeit zwischen Künstlern wie Klimt und wohlhabenden Mäzenen wie den Stoclets in Brüssel zu erkennen, aber es war ein radikal modernistischer Ansatz, jeden als künstlerischen Mitarbeiter von höchstem Wert zu betrachten, der in sich selbst die Fähigkeit kultivierte, sich wirklich mit der Kunst auf geistiger und emotionaler Ebene auseinanderzusetzen. Der Nachhall dieses Aufrufs von Klimt ist noch heute zu hören. Nach Klimts Tod setzten sich Zeitgenossen wie Max Eisler, der mit Klimt den Österreichischen Werkbund mitbegründet hatte, für das Gesamtkunstwerk ein, indem sie Klimts Fackel, die so vielen den Weg gewiesen hatte, aufnahmen. Die in An Aftermath festgehaltenen und für alle Zeiten bewahrten Bilder laden dazu ein, den Eigenwert dieser Kunstwerke zu erkennen, sich mit ihnen auseinanderzusetzen und auf diese Weise diese unschätzbare Verbindung zu Klimt selbst zu knüpfen.
- Schöpfer*in:(after) Gustav Klimt (1862 - 1918, Österreich)
- Entstehungsjahr:1931
- Maße:Höhe: 48,26 cm (19 in)Breite: 45,72 cm (18 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Chicago, IL
- Referenznummer:1stDibs: LU46732710573
Anbieterinformationen
5,0
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