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Roy Lichtenstein"Ich weiß, wie du mich fühlen lässt, Brad", VIP-Einladung zur MoMA-Ausstellung, handsigniert1987
1987
4.812,43 €
Angaben zum Objekt
Roy Lichtenstein
VIP-Einladung zur Vernissage der Ausstellung "The Drawings of Roy Lichtenstein" im Museum of Modern Art
Offsetlithografie auf Coronado Opaque SST Cover Papier
Auf der Vorderseite fett mit schwarzem Marker signiert
Die Vorderseite der ausklappbaren Einladungskarte zeigt Roy Lichtensteins 1963 entstandenes Bleistift-Pochoir "I Know How You Must Feel Brad".
Dieser Druck wurde vom Museum of Modern Art als Einladung zu einer exklusiven VIP-Preview der Ausstellung "The Drawings of Roy Lichtenstein" veröffentlicht. Der Künstler signierte die Karte persönlich bei der Veranstaltung.
Dieses Werk wurde in einem eleganten Holzrahmen in Museumsqualität unter UV-Plexiglas mit einem gestanzten Fenster gerahmt, das den Text aus dem Inneren der MoMA-Einladungskarte zeigt, der ausdrücklich besagt, dass der Künstler bei der VIP-Veranstaltung anwesend sein wird.
Ein echtes Vintage-Sammlerstück, wenn es von Roy Lichtenstein handsigniert ist, wie das vorliegende Werk
Abmessungen:
Gerahmt
13,5 Zoll vertikal mal 12 horizontal mal 1,5
Kunstwerk
6 Zoll mal 4 Zoll
Roy Lichtenstein Lebenslauf
Roy Lichtenstein war einer der einflussreichsten und innovativsten Künstler der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Er wird in erster Linie mit der Pop Art identifiziert, einer Bewegung, die er mitbegründet hat. Seine ersten vollendeten Gemälde basierten auf Bildern aus Comics und Werbung und wurden in einem Stil ausgeführt, der die groben Druckverfahren der Zeitungsreproduktion nachahmt. Diese Bilder belebten die amerikanische Kunstszene neu und veränderten die Geschichte der modernen Kunst. Lichtensteins Erfolg entsprach seiner Konzentration und Energie. Nach seinem ersten Triumph in den frühen 1960er Jahren schuf er ein Werk von mehr als 5.000 Gemälden, Drucken, Zeichnungen, Skulpturen, Wandmalereien und anderen Objekten, die für ihren Witz und ihre Erfindungsgabe gefeiert wurden.
Roy Fox Lichtenstein wurde am 27. Oktober 1923 in New York City als erstes von zwei Kindern von Milton und Beatrice Werner Lichtenstein geboren. Milton Lichtenstein (1893-1946) war ein erfolgreicher Immobilienmakler, und Beatrice Lichtenstein (1896-1991), eine Hausfrau, hatte eine Ausbildung als Pianistin absolviert, und sie brachte Roy und seiner Schwester Rénee Museen, Konzerte und andere Aspekte der New Yorker Kultur nahe. Roy zeigte schon früh künstlerische und musikalische Fähigkeiten: Er zeichnete, malte und bildhauerte schon als Teenager und verbrachte viele Stunden im American Museum of Natural History und im Museum of Modern Art. Er spielte Klavier und Klarinette und entwickelte eine anhaltende Liebe zum Jazz, den er in den Nachtlokalen von Midtown hörte.
Lichtenstein besuchte die Franklin School for Boys, eine private Mittel- und Oberschule, die er 1940 abschloss. In diesem Sommer studierte er Malerei und Zeichnen nach dem Modell an der Art Students League of New York bei Reginald Marsh. Im September begann er sein Studium an der Ohio State University (OSU) in Columbus am College of Education. Seine frühen künstlerischen Vorbilder waren Rembrandt, Daumier und Picasso, und er sagte oft, dass Guernica (1937; Museo Reina Sofía, Madrid), damals eine Dauerleihgabe an das Museum of Modern Art, sein Lieblingsbild sei. Schon als Student wandte sich Lichtenstein gegen die Vorstellung, dass eine Reihe von Linien (die Zeichnungen einer Person) "als brillant angesehen wurde und die einer anderen Person, die für einen selbst vielleicht besser aussah, von fast allen als nichts angesehen wurde".i Lichtensteins Infragestellung des akzeptierten Geschmackskanons wurde von Hoyt L. Sherman gefördert, einem Lehrer, von dem er behauptete, er habe ihm gezeigt, wie man sieht, und dessen wahrnehmungsbasierte Herangehensweise an Kunst seine eigene geprägt habe.
Im Februar 1943 wurde Lichtenstein eingezogen, und 1945 wurde er nach Europa geschickt. Als Mitglied der Infanterie war er in Frankreich, Belgien und Deutschland im Einsatz. Während seines Aufenthalts in Europa fertigte er Skizzen an, und nach dem Friedensschluss wollte er an der Sorbonne studieren. Lichtenstein kam im Oktober 1945 in Paris an und belegte Kurse in französischer Sprache und Kultur, erfuhr aber bald, dass sein Vater schwer erkrankt war. Im Januar 1946 kehrte er nach New York zurück, wenige Wochen vor Milton Lichtensteins Tod. Im Frühjahr desselben Jahres kehrte Lichtenstein an die OSU zurück, um seinen BFA-Abschluss zu machen, und im Herbst wurde er eingeladen, als Dozent an der Fakultät mitzuarbeiten. Im Juni 1949 heiratete er Isabel Wilson Sarisky (1921-80), die in einer kooperativen Kunstgalerie in Cleveland arbeitete, in der Lichtenstein seine Werke ausgestellt hatte. Während er unterrichtete, arbeitete Lichtenstein an seinem Master-Abschluss, den er 1949 erhielt. Während seiner zweiten Zeit an der OSU kam Lichtenstein Sherman näher und begann, seine Methode zu lehren, wie man eine Komposition organisiert und vereinheitlicht. Lichtenstein blieb dankbar für Shermans Einfluss auf ihn. Seinem ersten Sohn gab er den zweiten Vornamen "Hoyt", und 1994 stiftete er das Hoyt L. Sherman Studio Art Center an der OSU.
In den späten 1940er und frühen 1950er Jahren begann Lichtenstein, in Serien zu arbeiten, und seine Ikonographie wurde von gedruckten Bildern übernommen. Sein erstes nachhaltiges Thema, intime Gemälde und Drucke in der Art von Paul Klee, die sich lyrisch über mittelalterliche Ritter, Burgen und Jungfrauen lustig machen, könnte durchaus von einem Buch über den Wandteppich von Bayeux inspiriert worden sein. Jahrhunderts, die er in Geschichtsbüchern gesehen hatte, und schuf kubistische Interpretationen von Cowboys und Indianern, die mit einer fiktiven primitiven Laune gespickt waren.
Wie bei seinen berühmtesten Pop-Bildern der 1960er Jahre wählte Lichtenstein das, was er als das "dümmste" oder "schlechteste" visuelle Objekt bezeichnete, das er finden konnte, um es dann zu verändern oder zu verbessern. In den 1960er Jahren galt die kommerzielle Kunst in der Kunstwelt als verachtenswert; in den frühen 1950er Jahren, mit dem Aufkommen des Abstrakten Expressionismus, befanden sich die amerikanischen Erzählungen und Genrebilder des neunzehnten Jahrhunderts bei Kritikern und Sammlern auf dem Tiefpunkt ihres Ansehens. Das Paraphrasieren, insbesondere das Paraphrasieren von verachteten Bildern, wurde zu einem herausragenden Merkmal von Lichtensteins Kunst. Lange bevor er 1961 zu seiner charakteristischen Ausdrucksweise fand, machte Lichtenstein auf die Künstlichkeit von Konventionen und Geschmack aufmerksam, die Kunst und Gesellschaft durchdringen. Was andere als trivial abtaten, faszinierte ihn als klassisch und idealisiert - in seinen Worten "ein rein amerikanischer mythologischer Stoff".ii
Lichtensteins Lehrvertrag an der OSU wurde für das akademische Jahr 1951-52 nicht verlängert, und im Herbst 1951 zogen er und Isabel nach Cleveland. Isabel Lichtenstein wurde eine auf modernes Design spezialisierte Innenarchitektin, deren Kundschaft sich aus wohlhabenden Familien aus Cleveland zusammensetzte. Während ihre Karriere aufblühte, setzte Lichtenstein ihre Lehrtätigkeit an der Universität nicht fort. Er hatte eine Reihe von Nebenjobs, unter anderem als Industriezeichner, Möbeldesigner, Schaufensterdekorateur und Renderer von mechanischen Zifferblättern für eine Firma für elektrische Instrumente. Als Reaktion auf diese Erfahrungen brachte er eigenwillig gestaltete Motoren, Ventile und andere mechanische Elemente in seine Gemälde und Grafiken ein. Im Jahr 1954 wurde der erste Sohn der Lichtensteins, David, geboren; zwei Jahre später folgte ihr zweites Kind, Mitchell. Trotz des relativen Desinteresses an seinem Werk in Cleveland konnte Lichtenstein seine Arbeiten bei New Yorker Händlern platzieren, was für ihn immer von großer Bedeutung war. Seine erste Einzelausstellung fand 1951 in der Carlebach Gallery in New York statt, gefolgt von einer Vertretung durch die John Heller Gallery von 1952 bis 1957.
Um seine akademische Laufbahn fortzusetzen und näher an New York zu kommen, nahm Lichtenstein eine Stelle als Assistenzprofessor an der State University of New York in Oswego, im Norden des Staates, an. Ab September 1957 wurde er als Dozent für Industriedesign angestellt. Oswego erwies sich als geografisch und ästhetisch isolierter als Cleveland es je war, aber der Umzug war sowohl für seine Kunst als auch für seine Karriere von Vorteil. Lichtenstein löste sich von der Gegenständlichkeit und wandte sich einem völlig abstrakten Stil zu, indem er die Farbe mit einem um den Arm gewickelten Lappen in breiten Bahnen auf die Leinwand auftrug. Zur gleichen Zeit bettete Lichtenstein Comic-Figuren wie Mickey Mouse und Donald Duck in bunte, expressionistische Hintergründe ein. Keines der Proto-Cartoon-Gemälde aus dieser Zeit ist erhalten geblieben, aber mehrere Bleistift- und Pastellstudien aus dieser Zeit, die er aufbewahrte, dokumentieren seine Absichten. Schließlich lernte Lichtenstein in Oswego Reginald Neal kennen, den neuen Leiter der Kunstabteilung am Douglass College, der Frauenhochschule der Rutgers University in New Brunswick, New Jersey. Die Schule verstärkte und erweiterte ihr Studio-Kunstprogramm, und als Neal ein neues Fakultätsmitglied für seine Abteilung suchte, wurde Lichtenstein eingeladen, sich für die Stelle zu bewerben. Lichtenstein wurde die Stelle eines Assistenzprofessors angeboten, und er begann seine Lehrtätigkeit in Douglass im September 1960.
Bei Douglass geriet Lichtenstein in einen Strudel künstlerischer Gärung. Die New Yorker Museen und Galerien waren nur eine Stunde entfernt, und die Kollegen Geoffrey Hendricks und Robert Watts am Douglass und Allan Kaprow und George Segal an der Rutgers University konnten nicht anders, als ihn zu inspirieren. Im Juni 1961 kehrte Lichtenstein zu der Idee zurück, mit der er in Oswego herumgespielt hatte, nämlich Comicfiguren mit abstrakten Hintergründen zu kombinieren. Aber, wie Lichtenstein sagte, "es kam mir in den Sinn, den Cartoon-Stil zu imitieren, ohne die Farbtextur, die kalligraphische Linie, die Modulation - all die Dinge, die zum Expressionismus gehören".iii Am bekanntesten ist, dass Lichtenstein sich die Benday-Punkte aneignete, die winzigen mechanischen Muster, die in der kommerziellen Gravur verwendet werden, um Textur und Farbabstufungen zu vermitteln - eine stilistische Sprache, die ein Synonym für sein Thema ist. Die Punkte wurden zu einem Markenzeichen, das für immer mit Lichtenstein und der Pop Art identifiziert wird. Lichtenstein mag die Tiefe seines Durchbruchs nicht sofort erkannt haben, aber er erkannte, dass der flache Affekt und die unbewegliche Darstellung der Comic-Panels, die auf die von Sherman inspirierte Art und Weise vergrößert und umgestaltet wurden, "einfach so viel überzeugender war "iv als die gestische Abstraktion, die er praktiziert hatte.
Zu den ersten erhaltenen Gemälden in diesem neuen Modus, die auf Comicstrips und Illustrationen aus der Werbung basieren, gehörten Popeye und Look Mickey, auf die rasch The Engagement Ring, Girl with Ball und Step-on Can with Leg folgten. Kaprow erkannte die Energie und Radikalität dieser Gemälde und arrangierte, dass Lichtenstein sie Ivan Karp, dem Direktor der Leo Castelli Gallery, zeigte. Castelli war New Yorks führender Händler für zeitgenössische Kunst und hatte 1958 mit Jasper Johns und Robert Rauschenberg und 1960 mit Frank Stella wegweisende Ausstellungen veranstaltet. Karp fühlte sich sofort von Lichtensteins Gemälden angezogen, aber Castelli zögerte mit seiner Entscheidung, was zum Teil daran lag, dass die Gemälde in der kommerziellen Kunst verwurzelt waren, aber auch daran, dass er, ohne dass Lichtenstein es wusste, kürzlich auf zwei andere Künstler aufmerksam geworden war - Andy Warhol und James Rosenquist - und Castelli nur für einen von ihnen bereit war. Nach einigen Überlegungen entschied sich Castelli, Lichtenstein zu vertreten, und die erste Ausstellung der Comic-Bilder fand vom 10. Februar bis 3. März 1962 in der Galerie statt. Die Ausstellung war ausverkauft und machte Lichtenstein berüchtigt. Zum Zeitpunkt von Lichtensteins zweiter Einzelausstellung im Castelli im September 1963 waren seine Werke bereits in Museen und Galerien im ganzen Land zu sehen. Er wurde gewöhnlich mit Johns, Rauschenberg, Warhol, Rosenquist, Segal, Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Indiana und Tom Wesselmann in eine Reihe gestellt. Zusammengenommen wurde ihr Werk als ein Schlag ins Gesicht des Abstrakten Expressionismus angesehen, und tatsächlich lenkten die Pop-Künstler die Aufmerksamkeit von vielen Mitgliedern der New York School ab.
Mit dem Beginn des kritischen und kommerziellen Erfolgs nahm Lichtenstein bedeutende Veränderungen in seinem Leben vor und erforschte weiterhin neue Möglichkeiten in seiner Kunst. Nach der Trennung von seiner Frau zog er 1963 von New Jersey nach Manhattan. 1964 kündigte er seinen Lehrauftrag an der Douglass, um sich ausschließlich auf seine Arbeit zu konzentrieren. Der Künstler wagte sich auch an Themen jenseits des Comics heran, indem er Gemälde nach Ölbildern von Cézanne, Mondrian und Picasso sowie Stillleben und Landschaften entwarf.
Lichtenstein wurde ein produktiver Grafiker und expandierte in den Bereich der Bildhauerei, in dem er sich seit Mitte der 1950er Jahre nicht mehr versucht hatte. Sowohl in seinen zwei- als auch in seinen dreidimensionalen Werken verwendete er eine Vielzahl industrieller oder "kunstfremder" Materialien und entwarf Objekte in Massenproduktion, die weniger kostspielig waren als traditionelle Gemälde und Skulpturen. Bei einem dieser Projekte, der Ausstellung American Supermarket 1964 in der Paul Bianchini Gallery, für die er eine Einkaufstasche entwarf, lernte Lichtenstein die Galerieangestellte Dorothy Herzka (geb. 1939) kennen, die er 1968 heiratete. In den späten 1960er Jahren fanden auch Lichtensteins erste Museumsbesichtigungen statt: 1967 initiierte das Pasadena Art Museum eine Wanderretrospektive, 1968 zeigte das Stedelijk Musem in Amsterdam seine erste europäische Retrospektive und 1969 hatte er seine erste New Yorker Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum.
Um sich weiterzuentwickeln, wandte sich Lichtenstein von den Comic-Sujets ab, die ihn berühmt gemacht hatten. In den späten 1960er Jahren wurde sein Werk weniger erzählerisch und abstrakter, da er weiterhin über die Natur des Kunstbetriebs selbst nachdachte. Er begann, den Begriff des Pinselstrichs - die Bausteine der westlichen Malerei - zu erforschen und zu dekonstruieren. Pinselstriche werden üblicherweise als Ausdrucksmittel verstanden, doch Lichtenstein machte sie zu einem Thema. Moderne Künstler haben in der Regel behauptet, dass der Gegenstand eines Gemäldes die Malerei selbst ist. Lichtenstein ging mit dieser Idee noch einen Schritt weiter: Ein kompositorisches Element könnte als Gegenstand eines Werks dienen und dieses Sprichwort wahr werden lassen.
Die Suche nach neuen Formen und Quellen wurde nach 1970 noch intensiver, als Roy und Dorothy Lichtenstein ein Grundstück in Southampton, New York, kauften und es zu ihrem Hauptwohnsitz machten. Während des fruchtbaren Jahrzehnts der 1970er Jahre untersuchte Lichtenstein einen Aspekt der Wahrnehmung, der ihn immer wieder beschäftigt hatte: wie leicht das Unwirkliche als das Wirkliche anerkannt wird, weil die Betrachter so viele visuelle Vorstellungen akzeptiert haben, dass sie das Gesehene nicht analysieren. In der Serie Mirror beschäftigte er sich mit Licht und Schatten auf Glas, und in der Serie Entablature setzte er sich mit denselben Phänomenen auseinander, indem er architektonische Elemente der Beaux-Art wie Gesimse, Zinnen, Kapitelle und Säulen abstrahierte. In ähnlicher Weise schuf Lichtenstein bahnbrechende bemalte Bronzeskulpturen, die die konventionelle Dreidimensionalität und Dauerhaftigkeit des Mediums unterliefen. Die Bronzeformen waren so flach und dünn wie möglich, hatten mehr mit der Linie als mit dem Volumen zu tun, und sie stellten die flüchtigsten Empfindungen dar - Dampfschwaden, Lichtstrahlen und Spiegelungen auf Glas. Der Dampf, die Spiegelungen und der Schatten waren Zeichen für sich selbst, die von jedem Betrachter sofort als solche erkannt werden würden.
Eine weitere ganze Reihe von Werken, die in den 1970er Jahren entstanden, sind komplexe Begegnungen mit Kubismus, Futurismus, Purismus, Surrealismus und Expressionismus. Lichtenstein erweiterte seine Farbpalette über Rot, Blau, Gelb, Schwarz, Weiß und Grün hinaus und erfand und kombinierte Formen. Er isolierte nicht nur gefundene Bilder, sondern stellte sie nebeneinander, überlagerte sie, fragmentierte sie und setzte sie neu zusammen. In den Worten des Kunsthistorikers Jack Cowart waren Lichtensteins virtuose Kompositionen "ein reicher Dialog von Formen, die alle intuitiv modifiziert und von ihren nominalen Quellen befreit wurden. "v In den frühen 1980er Jahren, die mit der Wiedereinrichtung eines Studios in New York City zusammenfielen, befand sich Lichtenstein auch auf dem Höhepunkt einer regen Wandmalerkarriere. In den 1960er und 1970er Jahren hatte er vier Wandbilder geschaffen, zwischen 1983 und 1990 waren es fünf. Außerdem hat er wichtige Aufträge für öffentliche Skulpturen in Miami Beach, Columbus, Minneapolis, Paris, Barcelona und Singapur ausgeführt.
In den 1990er Jahren schuf Lichtenstein drei große Serien, die jeweils für sein anhaltendes Interesse an der Lösung von Bildproblemen stehen. Die Interiors, wandgroße Leinwände, die von einer winzigen Anzeige in einem italienischen Telefonbuch inspiriert wurden, befassen sich erneut mit den wahrnehmbaren Mehrdeutigkeiten von Reflexionen in Fenstern und Spiegeln. Die Aktbilder greifen das Thema der Frauen im romantisch-komischen Stil auf, das Lichtenstein in den 1960er Jahren eingeführt und in den 1970er Jahren in üppigen, vom Surrealismus inspirierten Strandszenen erweitert hatte. Wie bei den Interieurs werden Elemente aus früheren Gemälden, den Möbeln von Lichtensteins gemalter Welt, ausgiebig zitiert. Er nutzte die Serie auch, um das Mischen von Helldunkel (das er mit Punkten und Schattierungen entwickelte) mit flächigen Farbflächen zu untersuchen. Dieser Effekt wurde in seinen Chinesischen Landschaften, Lichtensteins letzter Begegnung mit einer monumentalen Kunsttradition - und einer seiner subtilsten - auf die Spitze getrieben. Konfigurationen von Land, Wasser, Bergen und Luft, wie sie in Gemälden und Schriftrollen aus der Song-Dynastie zu finden sind, werden durch sanft schwebende Felder aus abgestuften Punkten simuliert. Die monochromen Formen haben keine der bei Lichtenstein üblichen schwarzen Umrisse, was die kontemplative und abstrakte Qualität der Serie noch verstärkt.
- Schöpfer*in:Roy Lichtenstein (1923 - 1997, Amerikanisch)
- Entstehungsjahr:1987
- Maße:Höhe: 15,24 cm (6 in)Breite: 10,16 cm (4 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:Schiffe gerahmt550.
- Galeriestandort:New York, NY
- Referenznummer:1stDibs: LU1745217192182
Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein ist eine der Hauptfiguren der amerikanischen Pop Art Bewegung, zusammen mit Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg und Robert Rauschenberg.
Lichtenstein ließ sich von Comicstrips inspirieren und eignete sich in seinen Gemälden Techniken des kommerziellen Drucks an, die eine volkstümliche Sensibilität in die visuelle Landschaft der zeitgenössischen Kunst einführten. Er verwendete visuelle Elemente wie die Rasterpunkte, die ein gedrucktes Bild ausmachen, und eine vom Comic inspirierte Verwendung von Primärfarben , die seinen Bildern ihre charakteristische "Pop"-Farbpalette gaben.
Geboren und aufgewachsen in New York City, genoss Lichtenstein die unzähligen kulturellen Angebote Manhattans und die Comics gleichermaßen. Er begann bereits als Teenager ernsthaft zu malen und studierte in den späten 1930er Jahren Aquarellmalerei an der Parsons School of Design und später an der Art Students League, wo er mit dem amerikanischen realistischen Maler Reginald Marsh zusammenarbeitete. 1940 begann er sein Studium an der Ohio State University. Nach einem dreijährigen Einsatz in der US-Armee während des Zweiten Weltkriegs schloss er sein Studium mit dem Bachelor und anschließend mit dem Master in Fine Arts ab. Die Wurzeln von Lichtensteins Interesse an der Konvergenz von hoher Kunst und Populärkultur sind bereits in seinen frühen Jahren in Cleveland zu erkennen, wo er in den späten 1940er Jahren an der Ohio State lehrte, Schaufenster für ein Kaufhaus entwarf und seine eigenen Werke malte.
Lichtenstein, der in den 1950er Jahren auf dem Höhepunkt der Bewegung des Abstrakten Expressionismus arbeitete, verzichtete bewusst auf die von der Kunstwelt hochgeschätzte Malerei und erkundete stattdessen die visuelle Welt der Printwerbung und der Comics. Diese Geste der Rekontextualisierung eines unbedeutenden Bildes durch den Import in einen Kunstkontext wurde zu einem Markenzeichen von Lichtensteins künstlerischem Stil und zu einem Vehikel für seine Kritik am Konzept des guten Geschmacks. Sein 1963 entstandenes Gemälde Whaam! konfrontiert den Betrachter mit einer Aufprallszene aus einer Ausgabe der DC Comics All American Men of War aus der Zeit um 1962. Losgelöst von seinem größeren Kontext verbindet dieses Bild die verspielte Schrift und die farbenfrohe Illustration des Originalcomics mit einer dunkleren Botschaft über militärische Konflikte auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges. Crying Girl aus demselben Jahr zeigt ein weiteres Motiv Lichtensteins - eine Frau in Not, die mit einer Mischung aus Dramatik und trockenem Humor dargestellt wird. Einem breiteren Publikum wurde sein Werk durch die Gestaltung eines von Comics inspirierten Wandgemäldes für den New York State Pavilion auf der Weltausstellung 1964 bekannt. Danach wurde er 30 Jahre lang vom legendären New Yorker Galeristen Leo Castelli vertreten.
In den 1970er und 80er Jahren experimentierte Lichtenstein mit der Abstraktion und begann, grundlegende Elemente der Malerei zu erforschen, wie in diesem Werk von 1989 Brushstroke Contest. Neben Gemälden, in denen der Pinselstrich selbst zum zentralen Thema wird, schuf er 1984 für den Port Columbus International Airport in Ohio eine großformatige Skulptur mit dem Titel Brushstrokes in Flight. Das Stillleben mit Windmühle aus dem Jahr 1974 und das Triptychon Cow Going Abstract aus dem Jahr 1982 zeigen eine Abkehr von seinen früheren Werken, in denen die Themen von bestehenden Bildern abgeleitet waren. Hier malt Lichtenstein Themen, die eher den Normen der Kunstgeschichte entsprechen - eine pastorale Szene und ein Stillleben -, aber er hat ihre Kompositionen in seinen charakteristischen grafischen Stil übersetzt, in dem visuelle Elemente von gedruckten Comics immer noch ein bestimmendes Merkmal sind.
Lichtensteins Werke sind in den Sammlungen des Metropolitan Museum of Art, des Museum of Modern Art, Tate Modern, und vielen anderen vertreten. 1995, zwei Jahre vor seinem Tod, wurde er mit der National Medal of Arts ausgezeichnet.
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