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James TormeyOriginal James Tormey Foto Realistisches Ölgemälde Stillleben Candy Bowl Pop Art, Original
3.171,26 €
Angaben zum Objekt
James Tormey (Amerikaner, 1938-2017)
"Candyland (Mixed Bowl)" auf einem Tisch mit weißem Tischtuch.
Ölgemälde auf Leinwand.
Handsigniert unten rechts.
Maße ca. - 32" hoch x 37" breit, insgesamt mit Rahmen - 37 1/2" hoch x 42 1/2" breit.
James J Tormey, NYC-Künstler, wurde 1938 in Brooklyn geboren. Als junger Mann zog er nach Manhattan, wo er mehr als 60 Jahre lang lebte und arbeitete. James Tormey studierte am Pratt Institute in Brooklyn und an der Columbia University und arbeitete mehrere Jahre lang in der Werbung, während er nebenbei malte. In den 1960er Jahren betätigte er sich als Fotograf und berichtete über Eröffnungen und Veranstaltungen des Museum of Modern Art in New York City. Viele Jahre lang wurde er von der Madison Avenue Gallery in New York City vertreten, wo er zahlreiche Einzelausstellungen hatte. Er hat auch in Japan und Deutschland ausgestellt. Der Künstler wohnt in Manhattan und wird von der Uptown Gallery, ebenfalls in New York City, vertreten. James Tormey malt Stillleben mit traditionellen Motiven: Obst, Gemüse oder Eier erscheinen in Schalen oder auf Oberflächen, die von starkem, gerichtetem Licht beleuchtet werden. Tormey baut eine stärkere und präzisere Bedeutung in seine Arbeit ein, indem er untersucht, wie die Hintergründe und Kulissen für seine Stillleben bestimmte Ideen vermitteln können. In seinem jüngsten Werk hat er beispielsweise eine Reihe von Bildern gemalt, in denen er Obst - ein traditionelles Stillleben - in architektonische Umgebungen oder Rahmen setzt, die wir normalerweise mit religiösen Bildern assoziieren. In Icon zum Beispiel hat der Künstler einen Rotkohl gemalt und ihn in einen selbst gebauten und verzierten Rahmen im Renaissance-Stil gesetzt. Statt einer Heiligen oder einer Madonna in einem solchen Kontext wird uns ein vollendetes, aber ganz gewöhnliches Gemüse präsentiert.
Die Maltechnik von Tormey erfordert von Anfang an große Sorgfalt. Er arbeitet in seiner Wohnung in Manhattans Upper West Side in einem akribisch sauberen Raum, der mit einer sehr soliden Staffelei und einer großen Glaspalette auf einem Maltisch ausgestattet ist. Als Referenz verwendet er Fotos von Stillleben in Verbindung mit Bildern von architektonischen oder anderen Szenerien, die er im Laufe der Jahre gesammelt hat. "Ich beginne mit einer sorgfältigen Graphitzeichnung direkt auf der Leinwand", erklärt er. Heutzutage verwendet er leichte Baumwollenten, obwohl viele seiner früheren Arbeiten auf glatteren Oberflächen entstanden sind. Sobald die Graphitlinie festgelegt ist, macht der Künstler eine dünne monochrome Version des Bildes mit einem matten Grün. "Ich füge der Farbe nichts anderes als Terpentin hinzu", erklärt er. "Ich verwende weder Öl noch lasierende Medien, weil ich keinen Glanz mag. Das Terpentin stumpft die Farbe ab, was zu dem passt, was ich mache. Sobald die grüne Schicht getrocknet ist, trägt der Künstler eine zweite dünne Schicht in einem warmen Braun mit gebrannter Siena oder gebranntem Umbra auf. "In all diesen Phasen arbeite ich von der Dunkelheit zum Licht", sagt er, "so dass ich immer ein gerendertes, dreidimensionales Bild erhalte." Tormey arbeitet an zwei oder drei Gemälden gleichzeitig, damit zwischen den einzelnen Schichten genügend Zeit zum Trocknen bleibt. "Ich mag auch die Art und Weise, wie ein Bild mit einem anderen zu sprechen scheint", sagt er. "Das macht den Prozess reicher." Sobald er beginnt, das Bild in voller Farbe zu bearbeiten, fährt er langsam fort, trägt viele dünne Schichten auf und erreicht allmählich subtile Tonwert- und Farbverschiebungen, bis seine Formen vor dreidimensionalem Leben strotzen. "Ich arbeite mit einem sehr trockenen Pinsel", erklärt die Künstlerin. Viele von Tormeys Gemälden enthalten dunkle Hintergründe, von denen einige rein schwarz sind - ein Umstand, der seine eigenen technischen Probleme mit sich bringen kann. "Ich möchte nicht, dass sich diese Hintergründe präsent anfühlen", sagt er. "Ich möchte, dass sie einfach aussteigen."
Weil er keinen Glanz auf seinen Arbeiten haben möchte, verwendet er keinen Lack. Es ist nicht verwunderlich, dass Tormeys Werk mit seinen starken Kontrasten und weichen Tonübergängen stark von der Fotografie beeinflusst ist. Tormey arbeitete einige Jahre lang als Fotograf, und als er begann, Stillleben zu fotografieren, tat er dies häufig vor schwarzem Hintergrund.
Seine Arbeiten wurden auch als Kunstkarten, Poster und Giclee-Drucke veröffentlicht. Er ist der Pionier des "überlebensgroßen" Stilllebens und verbindet in seinen Werken traditionelle Motive mit einer zeitgenössischen Interpretation, die verblüffende Bilder von heroischem Ausmaß hervorbringt. Das reflektierte und durchscheinende Licht verleiht den natürlichen Objekten, um die es geht, eine Qualität, die beim Betrachter eine klare Sicht und Freude an den Formen der ihn umgebenden Natur hervorrufen kann. Sein Werk vermittelt eine kraftvolle, positive Philosophie und er sagte einmal: "Ich glaube, dass wir nur dann mit der Welt zurechtkommen, wenn wir sie so betrachten, wie sie wirklich ist." Er war der Meinung, dass die Künstler die Verantwortung für die Bedeutung ihrer Werke übernehmen sollten, und erklärte, dass "hinter meinen Gemälden ganz bestimmte IDEEN stehen". Er studierte am Pratt Institute und an der Columbia University und arbeitete in der Werbung und als Fotograf, bevor er sich ganz der Malerei zuwandte.
Seine Bilder wurden in Dutzenden von Galerien im ganzen Land, in Deutschland und Japan ausgestellt und sind heute in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen zu sehen.
Obwohl er offiziell nicht zur Kunstrichtung des Fotorealismus gehörte, haben seine Werke eine surrealistische Qualität, die einen unglaublichen Trompe L'Oeil-Hyperrealismus mit einer fast flachen Airbrush-Stiltechnik verbindet. Nach dem Vorbild von Burhan Dogancay und Yrjo Edelmann. Tormey wurde von der fotorealistischen Bewegung in Kalifornien beeinflusst. Künstler wie Robert Bechtle, Charles Bell, Chuck Close, Robert Cottingham und Richard Estes sowie Audrey Flack, Ralph Goings, John Kacere, Ron Kleemann, Malcolm Morley, John Salt, Ben Schonzeit und Hilo Chen. Der Begriff Fotorealismus wurde 1969 von Louis K. Meisel geprägt und erschien erstmals 1970 in einem Katalog des Whitney Museums für die Ausstellung "Twenty-two Realists". Er wird manchmal auch als Super-Realismus, Neuer Realismus, Scharfsicht-Realismus oder Hyper-Realismus bezeichnet. Als vollwertige Kunstbewegung entwickelte sich der Fotorealismus aus der Pop Art und als Gegenbewegung zum Abstrakten Expressionismus sowie zu den minimalistischen Kunstbewegungen in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren in den Vereinigten Staaten.
- Schöpfer*in:James Tormey (1938 - 2017, Amerikanisch)
- Maße:Höhe: 95,25 cm (37,5 in)Breite: 107,95 cm (42,5 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Surfside, FL
- Referenznummer:1stDibs: LU38215052192
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Alle anzeigenGroßes Trompe-l'oeil- Hyperrealismus-Gemälde, abstraktes Surrealistisches Foto, realistische Kunst
Großes Acrylgemälde von Pat Rosenstein, Amerikanische Künstlerin, Absolventin des Pratt Institute, deren Werke auf zahlreichen Ausstellungen zu sehen waren. Rosenstein, dessen Werk manchmal als surrealistisch oder "magisch-realistisch" bezeichnet wird, kombiniert unglaubliche hyperrealistische Trompe L'Oeil mit Techniken des abstrakten Expressionismus. Nach dem Vorbild von Burhan Dogancay und Yrjo Edelmann. Mitte der siebziger Jahre stellte sie im Housatonic Museum zusammen mit Stevan Dohanos, Bernard Riley, Raphael Soyer , Peter Saul, Nicolas Krushenick, Benny Andrews, Lester Johnson, Gabor Peterdi, Robert Natkan usw.
Pat Rosenstein wurde beeinflusst von die fotorealistische Bewegung in Kalifornien. Künstler wie Robert Bechtle, Charles Bell, Chuck Close, Robert Cottingham, Richard Estes und Audrey Flack. Vintage-Kinderspielzeug, Obst, Holz, Pflanzen - all das ist Teil ihres eklektischen Oeuvres.
Der Begriff Fotorealismus wurde 1969 von Louis K. Meisel geprägt und erschien erstmals 1970 in einem Katalog des Whitney Museums für die Ausstellung "Twenty-two Realists". Er wird manchmal auch als Super-Realismus, Neuer Realismus, Scharfsicht-Realismus oder Hyper-Realismus bezeichnet. Als vollwertige Kunstrichtung entwickelte sich der Fotorealismus aus der Pop Art und als Gegenbewegung zum Abstrakten Expressionismus sowie zu den minimalistischen Kunstströmungen in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren in den Vereinigten Staaten und stützte sich in erster Linie auf Fotografien, die oft auf Leinwand projiziert wurden, was eine präzise und genaue Wiedergabe der Bilder ermöglichte. Die Genauigkeit wurde oft durch den Einsatz von Airbrush unterstützt, das ursprünglich für die Retusche von Fotografien gedacht war. Die Bewegung entstand im selben Zeitraum und Kontext wie die Konzeptkunst, die Pop Art und der Minimalismus und drückte ein starkes Interesse am Realismus in der Kunst gegenüber dem Idealismus und der Abstraktion aus.
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