Vance Kirkland Kunst

Als Künstler und Pädagoge brachte Vance Kirkland fast im Alleingang die moderne Kunst nach Denver. In einer Zeit, in der ein konservativer Geschmack vorherrschte, kam er nach Colorado und arbeitete in einer Art und Weise, die den Prozess mehr betonte als das Thema. Statt gefälliger Landschaften schuf er Gemälde, die die dynamischen Kräfte des Universums zum Ausdruck brachten, oft mit Ergebnissen, die seltsam und weltfremd waren. Aus Prinzip ließ er nie von seiner Überzeugung ab, dass die Künste geachtete Disziplinen sind, und er setzte sich stets für die Aufnahme moderner Kunst in die öffentlichen Einrichtungen von Denver ein. Kirkland arbeitete bewusst abseits der großen Kunstzentren und seine verschiedenen Kunststile wurden von seinem eigenen Kompass bestimmt und waren dennoch landesweit anerkannt. Kirkland wuchs in Ohio auf und begann sein Kunststudium an der Cleveland School of Art, wo er ein Diplom in Malerei und einen Bachelor-Abschluss in Kunsterziehung erwarb. Die ehemalige Kuratorin des Denver Art Museum, Diane Vanderlip, verweist auf einen gescheiterten Aquarellkurs als Indikator sowohl für seine spätere stilistische Entwicklung als auch für sein frühes Selbstvertrauen. Als der Lehrer Kirkland wegen der miteinander kämpfenden Farben kritisierte, hörte der junge Mann lieber auf seine Muse, als den Kurs zu bestehen. Nach seinem Abschluss wurde ihm eine Stelle in Princeton angeboten, doch als die Universität erfuhr, wie jung er war, zog sie ihr Angebot zurück. Anschließend nahm er ein Angebot der Universität Denver an, deren Kunstabteilung er 1929 gründete. Während die meisten Schulen das Kunstangebot auf die Seite schoben, entwickelte Kirkland das Programm als eine Kombination aus akademischen Fächern und Kunst. Er brachte auch die Behörden dazu, Aktzeichnen zu akzeptieren. Die Wege trennten sich jedoch, als er und der Propst wegen der Anerkennung von Abschlüssen aneinandergerieten. Die anschließende Gründung seiner Kirkland School of Art wurde zu einem kulturellen Leuchtturm in der Hauptstadt der Rocky Mountains. Von 1927-44 arbeitete er in einem Stil, den er als "Gestalteten Realismus" bezeichnete, in dem natürliche Formen in rhythmischen Formen stark stilisiert wurden. Er arbeitete ausschließlich mit Aquarellfarben und entwickelte eine individuelle Methode, um Punkte auf eine gesättigte Farbfläche aufzutragen. Ende der 30er Jahre wurden Kirklands Gemälde größer und energischer. Beim Wandern in den Bergen ließ sich der Künstler von den ungewöhnlichen Formen der hochgelegenen Pflanzen und Bäume inspirieren, die von den heftigen Winden verkrüppelt und gebogen wurden. Er nahm seine Malerausrüstung mit und musste seinen Farben Frostschutzmittel hinzufügen, um unter diesen schwierigen Bedingungen arbeiten zu können. Ausgehend von seiner gewohnten Perspektive schuf Kirkland Kompositionen aus offenen Räumen und wilden linearen Elementen, die er zunehmend von jeder spezifischen Darstellung befreite. In seiner phantastischen Phantasie hatte er eine Affinität zum Surrealismus, obwohl er kein Interesse an deren freudschen Bestrebungen hatte. Kirkland erlangte nationale Aufmerksamkeit durch die Teilnahme an Ausstellungen wie "Abstract and Surrealist American Art" im Art Institute of Chicago und "Reality and Fantasy" im Walker Art Center. 1946 lud ihn Knoedler and Company in New York ein, einer ihrer Künstler zu werden, was ihm Einzelausstellungen und Gruppenausstellungen mit Künstlern wie Max Ernst einbrachte. Seit den 1940er Jahren engagierte er sich auch verstärkt für das Denver Art Museum und bekleidete verschiedene Ehrenämter und offizielle Positionen. Sowohl in seiner Funktion als Vorstandsmitglied als auch als Kurator setzte er sich unermüdlich für die Anerkennung zeitgenössischer Kunst und Künstler ein. Gleichzeitig wuchs sein Ansehen, als die Universität Denver ihn zurückholte: diesmal als Direktor der School of Art, Professor für Malerei und Vorsitzender der Abteilung für Kunst und Geisteswissenschaften. 1941 heiratete er Anne Fox Oliphant Olson, eine Bibliothekarin, und ihr Haus war ein Zentrum des kulturellen Lebens in Denver mit abendlichen Salons und musikalischen Aufführungen. Sein erstes ungegenständliches Gemälde, Rote Abstraktion (1951), leitete den Bruch mit seiner bisherigen Kunst ein. Rückblickend sagte Kirkland: "Es musste einen Weg geben, etwas zu schaffen, und ich begann mich für die Abstraktion zu interessieren." Er beschloss, auf Aquarellfarben zu verzichten, und experimentierte mit Farben und MATERIALEN, insbesondere mit deren erfinderischer Mischung. Er war schon immer von der Qualität des Widerstands fasziniert, und nun nutzte er die Kombination von Öl und Wasser, um unerwartete Effekte zu erzielen. Die Oberfläche seiner Leinwände wurde fast wie atmende Häute. Kirkland blieb seiner neuen Richtung treu und zuckte nicht zurück, als Knoedler's ihn fallen ließ, weil er seinen kommerziell erfolgreichen Stil aufgegeben hatte. Kirkland begann, große Leinwände zu malen, die an kosmische Phänomene erinnern, von denen er einige "Nebel" nannte. Obwohl in den 50er Jahren die Erforschung des Weltraums begann, verzichtete der Künstler bewusst auf astronomische Studien und zog es stattdessen vor, das Mysterium jenseits seines Wissens zu malen. Als er Fotos aus der Zeit vor Hubbly sah, die verblüffend ähnlich aussahen, beschloss er, damit aufzuhören. Gegen Ende seiner Karriere kehrte er zu seiner früheren Praxis zurück, die Oberfläche mit Punkten zu überziehen. Die 1963 erstmals erschienenen Werke sind geometrische Abstraktionen, die einige Eigenschaften der zeitgenössischen Op Art aufweisen. Diese späteren Gemälde wurden mit großer Sorgfalt angefertigt. Er war immer ein unermüdlicher Arbeiter und setzte seine Kunst auch dann noch fort, als eine Hepatitis ihm das Malen erschwerte und körperliche Qualen verursachte, indem er ein System entwickelte, mit dem er über seinen Leinwänden hing.