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Clarence Holbrook CarterChrysanthèmes et lys de tigre1935
1935
À propos de cet article
Chrysanthemums and Tiger Lilies
Signed and dated lower left (twice), see photo
Watercolor on paper, 1935
A symbol of the sun, the Japanese consider the orderly unfolding of the chrysanthemum's petals to represent perfection. Confucius a un jour suggéré de les utiliser comme objet de méditation. On dit qu'un seul pétale de cette célèbre fleur, placé au fond d'un verre de vin, favorise une vie longue et saine. Le chrysanthème est la fleur du mois de novembre.
Provenance: Joseph M. Erdelac, Cleveland (noted collector and friend of Carter's)
This work was created during the 1930's when the artist was creating his best works. Ses œuvres des années 1930 sont les plus recherchées par les collectionneurs.
Regarding Carter:
A major watercolorist in the Cleveland, Ohio area in the early 20th century as well as teacher, Clarence Carter was born in Portsmouth, Ohio, and received recognition for his art talent beginning with his childhood.
De 1923 à 1927, il s'inscrit à la Cleveland School of Art et bénéficie du soutien de William Milliken, directeur du Cleveland Museum of Art et défenseur des arts locaux, qui lui permet d'étudier en Italie avec Hans Hofmann en 1927.
Au cours des quatre décennies suivantes, les œuvres de Carter ont été qualifiées de surréalisme, de réalisme magique, d'abstraction géométrique, de Pop Art et d'Op Art, mais aucune catégorie n'a pu saisir complètement son style.
De 1929 à 1937, Carter a enseigné au Cleveland Museum of Art, un emploi qu'il a obtenu grâce à Milliken. De 1937 à 1938, il a été directeur du Federal Art Project for Northeastern Ohio, et de 1938 à 1944, il a enseigné à Carnegie Institute. Il a également été professeur invité dans diverses institutions, dont la Minneapolis School of Art (1949), la Lehigh University (1954), l'Ohio University (1955), l'Atlanta Art Institute (1957), le Lafayette College (1961) et l'University of Iowa (1970).
It was in the mid-1960's, in his series called "Mandalas," that his fascination with the egg-shaped ovoid began. L'auteur James A. Michener a commenté que, dans les œuvres de Carter, l'œuf est « … un symbole mystérieux évoquant le passé, les origines, les connotations du christianisme ».
Carter était membre de l'American Water Color Society dont, en 1962, il était le vice-président. Il utilise une technique d'aquarelle qui implique une utilisation précise de la forme, des lavis rapides et peu de retouches. Dès le début de sa carrière, Carter a peint dans un idiome moderniste caractérisé par un trait précis et réaliste et une forte composante psychologique. Son travail des années 1930 peut être considéré comme appartenant à la peinture de la scène américaine. Il s'est beaucoup intéressé aux réalités complexes de la vie rurale américaine.
L'œuvre de Carter est riche en émotions. Il a déclaré un jour : « Pour moi, aucun grand art n'a jamais existé sans un certain mystère et un certain émerveillement. C'est l'immensité de l'intangible, qui ne peut jamais être défini mais seulement ressenti d'une manière insaisissable qui exalte l'esprit. » (Frank Anderson Trapp, Clarence Holbrook Carter [New York: Rizzoli Books, 1989], p. 7)
Courtesy: AskArt
- Créateur:Clarence Holbrook Carter (1904-2000, Américain)
- Année de création:1935
- Dimensions:Hauteur : 55,88 cm (22 po)Largeur : 37,47 cm (14,75 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Original condition.
- Adresse de la galerie:Fairlawn, OH
- Numéro de référence:
Clarence Holbrook Carter
Clarence &New Carter a atteint un niveau de succès artistique national presque sans précédent parmi les artistes de l'école de Cleveland de son époque, avec une représentation par les principaux marchands de New York, des dizaines de prix et d'expositions individuelles, et des flots d'éloges de la part des plus grands critiques d'art. Au cours de sa carrière de plus de 60 ans, Carter est passé d'un peintre de scènes américaines d'une qualité exceptionnelle, capable d'évoquer de profonds réservoirs d'humeur, à un abstractionniste au penchant fortement surréaliste. Si ses deux œuvres semblent à première vue éloignées l'une de l'autre, en raison de leurs vocabulaires formels différents, elles explorent en fait pratiquement le même sujet : le lien entre la vie et la mort et le passage de la terre à l'esprit. Les premiers travaux trouvent leur force expressive à travers des personnes, des événements et des paysages spécifiques - dont la plupart sont tirés de son expérience dans la ville fluviale de Portsmouth, en Ohio - tandis que les travaux plus tardifs, réalisés à partir des années 1960, évoquent des états d'âme puissants à travers des formes plates, des couleurs et des formes pures qui se lisent comme des universaux. Il adopte comme forme première l'ovoïde ou l'œuf, qu'il dote de différents degrés de transparence. Seul ou à plusieurs, l'œuf se déplace dans les paysages et les cadres architecturaux de Carter comme un esprit sensible à la recherche d'une solution. Né et élevé dans le sud de l'Ohio, le long des rives du fleuve Ohio et de ses crues dangereuses, Carter a développé dès l'enfance une passion pour le dessin, encouragé par ses deux parents. Il était autonome, trouvait l'inspiration tout autour de lui et était fortement encouragé par le fait que ses travaux d'adolescent remportaient régulièrement des prix artistiques dans les foires du comté et de l'État. Carter a étudié à la Cleveland School of Art de 1923 à 27, où il a été formé par les peintres Henry Keller, Frank Wilcox et Paul Travis. De retour à Cleveland en 1929, Carter présente sa première exposition personnelle et, par l'intermédiaire de Milliken, donne des cours en studio au Cleveland Museum of Art de 1930 à 1937. En 1938, il s'installe à Pittsburgh pour enseigner à l'Institut de technologie de Carnegie jusqu'en 1944. Les peintures de scènes américaines des années 30 et 40, qui ont lancé son étoile artistique, sont les œuvres pour lesquelles l'artiste reste le plus connu. Pendant et immédiatement après la Seconde Guerre mondiale, Clarence Carter s'est rendu compte que son attirance pour les motifs audacieux, les perspectives dramatiques et le design dur et accrocheur ne cadrait pas avec le style dominant de l'expressionnisme abstrait. Heureusement, ces mêmes caractéristiques de son style sont appréciées dans le domaine de l'art commercial. Vers 1964, Carter reconnaît la nécessité de sortir des limites de la peinture figurative. Une fois que Carter a trouvé un symbole puissant dans l'œuf, il l'a utilisé pour créer un ensemble stupéfiant d'images pour le reste de sa vie. Parmi les plus ambitieuses de ses dernières peintures, on trouve ses Transections, un terme théologique signifiant traverser, plus précisément entre la vie et la mort.
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