Articles similaires à Nature morte florale sans titre
Vous voulez plus d'images ou de vidéos ?
Demander au vendeur plus d'images ou de vidéos
1 sur 11
Jane PiperNature morte florale sans titre1980
1980
À propos de cet article
Belle nature morte florale de l'artiste américaine Jane Piper (1916-1991) . Pastel, crayon à l'huile et crayon sur papier calque. Image mesurant 13 x 15.5 pouces dans un cadre original mesurant 20 x 23 pouces. Signé et daté en bas à droite.
Jane Gibson Piper (1916-1991) était une artiste américaine connue pour son traitement abstrait des natures mortes. S'inspirant de la tradition moderniste française de Matisse et de Cézanne, elle donne à la couleur la priorité sur la représentation[2] Peu après sa mort, un critique a déclaré que "tout au long de sa carrière, Piper a travaillé dans une gamme esthétique relativement étroite. Elle s'intéressait à l'organisation spatiale et à la création d'un espace par la couleur - des préoccupations d'un autre peintre qu'elle admirait, Henri Matisse. Il y a un sens de Matisse dans son travail ultérieur, mais rien n'indique qu'elle essayait de l'imiter ; la résonance reflète des préoccupations partagées."Depuis sa première exposition en 1943 et jusqu'à la fin de sa vie, elle a bénéficié de trente-quatre expositions personnelles à Philadelphie, à New York et dans d'autres galeries de la côte Est. Ses œuvres ont été collectionnées par de grands musées, notamment le Philadelphia Museum of Art, la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, le Brooklyn Museum, la National Academy of Design, la Phillips Collection et le Carnegie Museum of Art[4].
Vie et formation précoces
À l'âge de neuf ans, elle passe un an dans une pension à Cannes où, observant un artiste amateur au travail, elle s'éprend de la peinture et convainc son père, réticent, de l'inscrire à un cours d'art [6] : 79 [note 1].Après quelques années d'études auprès de l'artiste Grace Gemberling de Philadelphie, elle peut étudier l'art en tant que pensionnaire dans une école privée pour filles, la Westover School à Middlebury, dans le Connecticut [7] : 7 [8].[Diplômée en 1935, elle retourne à Philadelphie où elle étudie à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, d'abord avec Daniel Garber, qu'elle trouve trop autoritaire, puis avec Arthur Carles, dont l'enseignement lui semble le plus utile de tous ses professeurs et dont l'influence artistique ne la quittera plus[6] : 79-80[10] En 1936, elle s'inscrit également à un cours privé avec l'artiste et collectionneur Earl Horter. Dans son Studio, ses fréquents contacts étroits avec des peintures de Picasso, Braque et Matisse lui font prendre conscience de nouvelles possibilités dans son propre travail[7] :12 [note 2] L'influence du modernisme français sur son travail a également été renforcée par des études informelles à Paris en 1937 et des périodes d'étude dans la collection Barnes en 1938[7] : 9-10 [note 3] Trois ans plus tard, elle a passé les mois d'été à l'école Hans Hofmann dirigée à Provincetown, Massachusetts[7] : 12 [note 4] :12 [note 4] Piper apprécie l'enseignement de Hofmann mais préfère celui de Carles[7] :12 [note 5]
Expositions et réception critique
Bien que Piper soit une artiste productive, farouchement dévouée à son travail, elle n'a pas besoin de revenus provenant des ventes et expose aussi fréquemment dans des galeries non commerciales que dans des galeries commerciales[12] : 20 [13] Sa première apparition dans une exposition publique a lieu en 1931, lorsqu'une de ses peintures est incluse dans une exposition d'art pour enfants organisée par une organisation culturelle féminine de Philadelphie appelée le Plastic Club. Grace Gemberling a organisé l'exposition pour présenter les travaux de ses jeunes élèves. La contribution de Piper a consisté en une série d'images sur le thème de la jalousie. Dans sa critique du spectacle, C. H. Bonte du Philadelphia Inquirer a trouvé que le travail en général était naturel et spontané et que le jeu sur la jalousie en particulier était émotionnellement bouleversant[14].
Jane Piper, "Composition in Red", 1942-43, huile sur masonite, 28 x 36 pouces
La peinture de Piper de 1942-43, non nommée et non signée, intitulée "Composition in Red", indique le style de son travail au début de sa carrière professionnelle. Au cours de sa carrière, elle participe à des expositions organisées par des organisations non commerciales, notamment des expositions collectives et individuelles à la Philadelphia Art Alliance, à la Pennsylvania Academy of Fine Arts, au Woodmere Art Museum, au Philadelphia Arts Festival, au Philadelphia Center for Architecture, au Cheltenham Art Center, au Wallingford Community Center, ainsi que dans les galeries de la Friends' Central School, du Swarthmore College, de la Lehigh University et de la New York Studio School[note 6] Une exposition itinérante, " Jane Piper : Retrospective Paintings, 1940-1985 ", a été montée pour la première fois à la James Madison University en 1985[15] En 1943, Piper fait sa première apparition dans une galerie commerciale. Fait remarquable, cette première exposition était une exposition individuelle. La galerie Robert Carlen à Philadelphie[24] lui offre une deuxième exposition personnelle en 1959[15]. Sa première exposition personnelle dans une galerie commerciale new-yorkaise a lieu à la Bonestell Gallery en 1947[25]. Parmi les autres expositions personnelles commerciales, citons la Dubin Gallery (Philadelphie, 1954)[26], la Parma Gallery (New York, 1958)[27], la Cherry Stone Gallery (Wellfleet, Mass...)[15], la Bodley Gallery (New York, 1981)[15], la Mangel Gallery (Philadelphie, 1987)[28] et la Rising Tide Gallery (Wellfleet, Mass..., 1990)[15], 1971)[15], la Bodley Gallery (New York, 1981)[15], la Mangel Gallery (Philadelphie, 1987)[28] et la Rising Tide Gallery (Wellfleet, Mass., 1990)[15]. À partir de 1971, elle a également participé à huit expositions personnelles à la Gross-McCleaf Gallery à Philadelphie[15]. Au cours de sa carrière, Piper a bénéficié de trente-quatre expositions personnelles dans des galeries commerciales et non commerciales à Philadelphie, New York et Cape Cod[4][29].
Jane Piper, Sans titre, 1961, huile sur toile, 28 x 34 pouces
La peinture sans titre de Piper de 1961 indique le style non-objectif de son travail à la fin de sa carrière.
L'accueil critique de l'œuvre de Piper a d'abord été tiède, mais il s'est renforcé au fur et à mesure que sa carrière progressait. Lors de sa première exposition en 1943, un critique se plaint que les peintures sont trop abstraites et décoratives, "admirablement adaptées à l'ornementation des pièces modernes"[24] En 1956, ses peintures sont saluées comme des "abstractions poétiques remplies de lumière"[18]."À l'apogée de sa carrière, en 1983, un critique estime que "son lien lyrique constant avec la nature et l'environnement domestique, ainsi que sa recherche d'une perception unique et individuelle, la placent fermement dans une forte tradition américaine, bien qu'elle reste spirituellement séparée de toute tendance ou de tout mouvement"[30] Quelques années plus tard, elle est reconnue pour une "approche originale et audacieuse" qui s'inscrit "fermement dans la tradition de la grande peinture américaine de natures mortes"[19].
Jane Piper, "Fruit and Flowers", 1974, acrylique et fusain sur toile, 40 x 60 pouces.
L'œuvre "Fruit and Flowers of 1974" de Piper montre qu'elle manipule des objets dans un style abstrait.
En 1986, un conservateur qui avait organisé une exposition rétrospective de son travail a écrit qu'"elle conserve un sens de l'émerveillement tout en développant des harmonies complexes toujours nouvelles de formes et de couleurs"[31] et un critique, qualifiant Piper d'une des meilleures artistes de Philadelphie, a déclaré que ses peintures "avec sa préférence pour les teintes jaunes, orange et rouges et les bleus et verts clairs, donnent une image originale de son environnement domestique, de la générosité de la nature et de sa croissance abondante". Ce critique poursuit : "De toute évidence, cette artiste douée a réussi à créer un cadre de vie et de travail en relation directe avec sa vie créative en tant qu'artiste."[32] En 2010, dix-neuf ans après sa mort, Piper est qualifiée de "l'un des meilleurs peintres de Philadelphie"[29] et trois ans plus tard, elle est qualifiée de "l'un des peintres modernistes les plus éminents de Philadelphie"[33].
Style artistique et méthodes de travail
Sa technique est moderne. Elle abstrait par la couleur sa propre essence de la nature morte. Mais ce qui est intéressant et valorisant dans son travail, c'est que son approche originale et audacieuse s'inscrit résolument dans la tradition des grandes natures mortes américaines.
-Victoria Donohoe, "Hard Decisions That Pay Off in an Artist's Constructions", The Philadelphia Inquirer, 17 octobre 1986[19].
Outre l'influence omniprésente de son mentor Carles, les premières peintures de Piper auraient subi l'influence de Matisse et de Cézanne. L'influence de Carles et de Matisse persiste également dans son œuvre tardive et finale[9][34]. La couleur apparaît comme le principe organisateur de la plupart de ses tableaux, du premier au dernier[2] Bien qu'il soit difficile de le discerner en raison d'un remaniement constant, il est rare que ses tableaux soient purement abstraits[30].[En fait, elle peignait principalement des natures mortes et utilisait presque toujours des objets dans son studio comme point de départ pour chaque œuvre[19]. Vers la fin de sa carrière, un critique a noté que ses peintures n'étaient ni "abstraites" ni "figuratives", mais quelque chose entre les deux[32]. Elle-même a déclaré : "Je n'ai jamais été consciente de peindre de manière représentative ou de ne pas peindre de manière représentative". J'ai toujours été impliqué dans les formes spatiales, ce qui vous conduit naturellement à l'abstraction. Vous devez gérer vos réactions à ce que vous voyez. Je notais ce que je voyais et ce que je ressentais à propos de ce que je trouvais comme liens de connexion" [6] :122
Au sommet de sa carrière, elle réagit aux poèmes de Wallace Stevens, appréciant la façon dont ils expriment les émotions " dans la clarté de la pensée d'un moment "[9][note 7].
Outre la richesse des couleurs, ses œuvres de maturité se distinguent par l'utilisation de pigments blancs[19][31][35], qu'elle utilise comme espace négatif afin de mieux définir ses sujets[10].[On dit d'elle, comme de Matisse, qu'elle " s'intéresse à l'organisation spatiale et à la création d'espace par la couleur "[3], et un critique a apprécié ses peintures tardives pour " l'espace structuré par la couleur, utilisant des motifs de nature morte " qu'elles véhiculaient[29]. Plus tard, elle a surtout utilisé des couleurs acryliques qu'elle aimait en raison de la qualité des blancs. Le temps de séchage plus court était également important pour elle, car elle repeignait continuellement au fur et à mesure de l'évolution de ses peintures[6] : 78
Personnalité privée qui travaillait dans la solitude, elle travaillait intensément, estimant, comme Carles l'avait soutenu, qu'en peinture "on y met tout ce qu'on a dans la vie"[36]. Parlant des étudiants auxquels elle avait enseigné, elle disait qu'il fallait plus que du talent pour soutenir une carrière professionnelle : "Vous devez être capable de vous tolérer pendant de longues périodes, en travaillant dans l'isolement d'un studio"[6] :122 Elle était exceptionnellement disciplinée et prenait rarement des congés. Malgré les responsabilités familiales (élever deux filles et déplacer la famille au gré de l'évolution de la carrière de son mari), elle a un jour déclaré qu'une pause de six mois était la période la plus longue qu'elle ait passée hors du Studio[6] :122 [12] : 20 " Les observateurs devraient avoir le sentiment que l'acte de peindre s'est fait sans effort - que c'est arrivé, c'est juste arrivé ", a-t-elle déclaré dans une interview accordée à un magazine en 1977. "Ce qui, bien sûr, ajoute-t-elle, n'est pas vrai."[4] Quelques années plus tard, elle déclare : "La peinture est un plaisir, même si elle est douloureuse. Ce sera toujours un plaisir pour moi, car c'est la chose que j'ai le plus envie de faire" [7] :17
Collections
Les peintures de Piper font partie des collections permanentes du Philadelphia Museum of Art, de la Pennsylvania Academy of Fine Arts, du Brooklyn Museum, du Carnegie Museum of Art, de la National Academy of Design, de la Phillips Collection, du Provincetown Art Museum, du Mount Holyoke College Art Museum et du Woodmere Art Museum[4][23][33].
Professeur d'art
Elle a enseigné la peinture et le dessin au Philadelphia Museum of Art au milieu des années 1950. De 1956 à 1985, elle enseigne au Philadelphia College of Art[4], ainsi qu'à la Pennsylvania Academy et à la New York Studio School[29]. À propos de sa méthode d'enseignement, elle déclare : "Dans l'enseignement, j'ai une relation individuelle avec les étudiants. J'essaie d'attendre qu'ils aient fait quelque chose, puis je leur parle de ce qu'ils ont fait. Je pense qu'ils tirent beaucoup plus d'enseignements des mises en scène ou de l'observation d'autres peintures que d'un cours magistral" [6] :122
Vie personnelle et famille
Piper est née à Philadelphie le 21 août 1916[15], de Edmund B. Piper pour son père et d'Elizabeth Gibson Piper pour sa mère. Ils se marient en 1906 et s'installent à Williamsport, en Pennsylvanie[37]. Du côté paternel, ses grands-parents appartiennent à une famille ancienne et éminente de Watsontown et de la ville voisine de Williamsport[38]. Du côté maternel, ses grands-parents sont des marchands prospères de Williamsport[39].[Edmund B. Piper était un obstétricien et gynécologue réputé qui s'est fait connaître grâce à un forceps qu'il a conçu (et qui porte son nom)[40] Elizabeth Gaines Piper menait une vie sociale active, son nom apparaissant fréquemment dans les colonnes mondaines du Philadelphia Inquirer. En 1925, la mère de Piper et les trois filles, âgées de dix-huit, quinze et neuf ans, passent l'hiver en France et c'est là, dans une pension à Cannes, que Piper décide qu'elle deviendra artiste[42].[Au cours de l'hiver 1933-1934, après les activités élaborées nécessaires à l'introduction dans la société d'Helen et d'Eleanor ainsi qu'au mariage d'Helen avec Henry B. COX, la mère de Piper emmena de nouveau les trois filles en France[42][43][44] Entre-temps, les trois avaient été désignées comme bénéficiaires principales dans le testament d'une riche tante, Elizabeth L.A., qui devait recevoir 30 dollars chacune. En février 1935, le père de Piper meurt à l'âge de cinquante-quatre ans[47], en mai elle est diplômée de Westover, et en novembre elle est honorée en tant que débutante lorsqu'un portrait de Bachrach apparaît dans les pages mondaines du Philadelphia Inquirer[1][48].[Pendant les dernières années des années 1930, elle participe activement à la société de Philadelphie, prenant part à un bal de charité[49], étant demoiselle d'honneur dans des cérémonies de mariage[50], rejoignant la Junior League, et recevant des amis dans la résidence d'été de sa mère à Eagles Mere[51].
Piper a vingt-six ans lorsqu'elle épouse, à l'hiver 1943, un cadet de l'aviation de la marine, E. Digby JR[52], dont la famille, comme la sienne, est en vue dans la société de Philadelphie et qui, comme elle, a fréquenté un prestigieux pensionnat privé. Par la suite, il a obtenu des diplômes de premier et de deuxième cycle de l'Ivy League et, après avoir servi comme officier de renseignement militaire dans le Pacifique Sud, il est devenu un professeur de sociologie très respecté[53][note 8].
Piper a conservé son nom de jeune fille pour ses activités professionnelles et son nom de femme mariée pour ses autres activités. Elle et Baltzell ont eu deux filles, Eve, née en 1944, et Jan, née en 1948[note 9]. Après sa démobilisation de la marine en 1945, la jeune famille déménage au gré de la carrière de Baltzell[note 10]. En 1963, Piper et Baltzell commencent à passer l'été à Wellfleet, sur Cape Cod, et deux ans plus tard, après y avoir acheté une maison, Piper construit un Studio sur la propriété[7] :13-14
Piper est décédé le 8 août 1991 à l'âge de 74 ans et a été enterré au cimetière Woodlands de Philadelphie[33][55] Baltzell est décédé à Boston à l'âge de 80 ans le 17 août 1996[23][56].
- Créateur:Jane Piper (1916 - 1991, Américain)
- Année de création:1980
- Dimensions:Hauteur : 50,8 cm (20 po)Largeur : 60,96 cm (24 po)Profondeur : 2,54 cm (1 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Wilton Manors, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU245214290942
À propos du vendeur
4,9
Vendeur Or
agréés par des experts, ces vendeurs sont très bien notés et dépassent régulièrement les attentes des clients.
Établi en 2007
Vendeur 1stDibs depuis 2015
328 ventes sur 1stDibs
Temps de réponse habituel : 5 heures
- ExpéditionRecherche du devis...Expédition à partir de : Wilton Manors, FL
- Politique des retoursCet article peut être retourné sous 7 jours à compter de la date de livraison.
Certaines parties de cette page ont été traduites automatiquement. 1stDibs ne garantit pas l'exactitude des traductions. L'anglais est la langue par défaut de ce site web.
Plus d'articles de ce vendeurTout afficher
- Nature morte (Décoration moderniste du milieu du siècle dernier de New Hope)Par Lloyd Raymond NeyMagnifique dessin de nature morte de l'artiste américain Lloyd Raymond Ney (1893-1964). Encre sur papier, 14,5 x 21 pouces ; 25,5 x 31,5 pouces encadré. Excellent état, sans dommage ...Catégorie
années 1950, Abstrait, Dessins et aquarelles - Nature morte
MatériauxEncre
- Portrait d'AikoSeiichi Hara (Japanese). Portrait of Aiko, 1972. Pencil, gouache on paper. Sheet measures 16 x 20 inches. Signed lower right and en verso. Custom frame of hardwood with welded steel ...Catégorie
années 1970, Abstrait, Dessins et aquarelles - Abstrait
MatériauxPapier, Gouache, Crayon
- Étude de nusPar Federico Castellondessin recto-verso datant des années 1950 de l'artiste espagnol Federico Castellon (1914-1971). Encre sur papier vélin, la feuille mesure 10 x 13 pouces ; 21,5 x 24,5 pouces dans un cadre en bois. Excellent état, sans restauration ni dommage. Signé avec le sceau de l'artiste à l'encre rouge qu'il a utilisé en Asie. Extrait d'une collection récemment découverte de plus de 60 dessins et aquarelles importants de Castellon, datant de 1939 à 1950. Lieu de naissance : Almeria, EspagneLieu de décès : New York, NYAdresses : NYC (immigré en 1921 ; citoyen, 1943)Profession : Peintre, graphiste, sculpteur, graveur, illustrateur, enseignant Exposé : Weyhe Gal., 1934, 1936-40 ; AIC, 1935-47 (prix, 1938) ; AFA traveling exh., 1937 ; WMAA, 1938-45 ; PAFA, 1938-39, 1940 (prix), 1941-42 ; Carnegie Inst., 1942 ; PAFA, 1943-53 ; Assoc. Am. Ar., 1946 (prix), 1952 (solo) ; Corcoran Gal, 1947 ; LOC, 1949 (prix) ; Paris, France, 1952 ; Bombay, Inde, 1952 ; Gallery 10, 1961 ; Dintenfass Gal., N.Y., 1963 ; Phila. Pr. Cl., 1964 (prix) ; Hudson Gld. A., 1964 ; Great Neck, L.I., 1964 ; SAGA, 1964 (prix). En 1953, sous les auspices du département d'État, la Commission européenne a mis en place un programme d'aide à l'emploi. Div. spécialisée, de l'I.E.S., il a exposé au Venezuela, en Colombie, au Pérou, au Chili, en Bolivie, en Uruguay, en Argentine, au Paraguay, avec des conférences dans chaque pays. Prix : F., République espagnole, 1934-36 ; boursier, Fondation Guggenheim, 1941, 1950 ; Nat. Inst. A. & Let. Grant, 1950. Membre : NA ; SAGAWork : WMAA ; PAFA ; MoMA ; PMA ; MMA ; BM ; AIC ; NYPL ; LOC ; Univ. KY ; San Diego Mus. FA ; Newark (NJ) Pub. Lib. ; Princeton Univ. (Frank Jewett Mather Coll.). Commentaires : Peintre surréaliste dont l'imagerie des années 30 a été fortement influencée par Dali. Son nom complet était Federico Cristencia de Castellón y Martinez. Enseignant : Columbia Univ., 1946-61 ; Pratt Inst., Brooklyn, 1952-61. Illustrateur : Shenandoah, 1941 ; I Went into the Country, 1941 ; Bulfinch's Mythology, 1948 ; The Story of Marco Polo, 1954 ; The Man Who Changed China, 1954 ; The Story of J. J. Audubon, 1955 ; The Little...Catégorie
Milieu du XXe siècle, Cubisme, Dessins et aquarelles - Nus
MatériauxPapier, Encre
- Hesitation Blues (artiste surréaliste noir)Par Roland AyersDessin surréaliste proto-Afropunk de l'artiste afro-américain Roland Ayers (1932-2014). Hesitation Blues, 1968. Encre sur papier, la feuille mesure 13 x 23 pouces ; 14 x 18 pouces da...Catégorie
années 1960, Surréalisme, Dessins et aquarelles - Abstrait
MatériauxEncre, Papier d'archives
- Scène portuaire hollandaise des Pays-BasPar Theodor AleschaTheodor Alescha (1898-1991). Netherlands harbor scene, ca. 1935. Pastel on paper mounted to illustration board, 18 x 24 inches. Measures 24 x 30 inches framed. Signé en bas à droite....Catégorie
années 1930, Réalisme, Dessins et aquarelles - Paysage
MatériauxPapier, Pastel
- Femme mexicaine amérindienne (artiste pastel cubaine de Miami)AleXS (Cubain, né en 1949). Femme indigène mexicaine, 1982. Pastel et fusain sur papier vélin, la feuille mesure 23 x 33 pouces. 31.5 x 41 pouces encadré. Excellent état, sans dommag...Catégorie
années 1980, Moderne, Dessins et aquarelles - Figuratif
MatériauxPapier, Fusain, Pastel
Suggestions
- Pichets géométriques abstraits en terre cuite, nature morte abstraite moderne du milieu du siècle dernierUne audacieuse nature morte abstraite au pastel sur papier, datant du milieu du siècle dernier, composée de plusieurs cruches et récipients en terre cuite, réduits à leurs formes les...Catégorie
années 1960, Géométrique abstrait, Dessins et aquarelles - Abstrait
MatériauxPapier, Pastel
- Tableau abstrait vibrant représentant une jarre et des fleurs, réalisé par l'artiste Modern British Ewart Johns.Une belle et paisible nature morte abstraite peinte au pastel. Des couleurs vives telles que le rouge, le jaune, le bleu et le vert éclatent dans l'image pour créer une paix vivante ...Catégorie
20ième siècle, Abstrait, Dessins et aquarelles - Abstrait
MatériauxPastel
- Nature morte abstraite avec luthPar Winold ReissPastel sur papier noirCatégorie
Début du 20ème siècle, Dessins et aquarelles - Nature morte
MatériauxPapier, Pastel
- Recordando el gran Artiste Alberto Riano « Mangos » Marzo, DessinPar Celso José Castro DazaRecordando el gran artista Alberto Riano Mangos Marzo, 2014 par Celso Castro Peinture noire et pastel sur papier d'archives Taille de l'image : 39.2 H in. x 28 in. W Non encadré ___...Catégorie
années 1990, Contemporain, Dessins et aquarelles - Abstrait
MatériauxPastel, Papier d'archives, Acrylique
- Panier à viderPar Angela A'CourtLes dessins narratifs et les natures mortes d'Angela A'Court utilisent un vocabulaire simple et direct pour montrer la relation entre l'expérience et l'expression de la beauté et de ...Catégorie
années 2010, Contemporain, Dessins et aquarelles - Nature morte
MatériauxTechnique mixte, Papier, Pastel
- Nature morte avec dessin cubiste gris, vert et violet de Benjamin Benno, 1953Par Benjamin G. BennoUn pastel original sur papier de Benjamin Benno, américain (1901 - 1980) mesurant 19 x 25 pouces. Joliment encadré pour un format de 30 x 36 pouces. Au début des années 1930, il s'...Catégorie
années 1950, Cubisme, Dessins et aquarelles - Nature morte
MatériauxPapier d'archives, Pastel
