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James Rosenquist"Pyramid Between Two Dry Lakes", eau-forte et aquatinte Pop Art de James Rosenquist1978
1978
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"Pyramide entre deux lacs secs" est une gravure et aquatinte originale de James Rosenquist. L'artiste a signé l'œuvre en bas à droite et a inscrit le titre et le numéro d'édition (56/78) en bas à gauche. C'est le deuxième état et il est en brun. Cette pièce fait partie de la série "Tripartite" de Rosenquist, où il divise la composition en trois images juxtaposées. Cette œuvre d'art représente un triangle rayé entre deux cercles irréguliers qui ressemblent à des dollars de sable foncé.
17 3/4" x 35 3/4" art
cadre de 28 1/4" x 45 1/4
Né à Grand Forks, dans le Dakota du Nord, en 1933, il vit et travaille aujourd'hui à Aripeka, en Floride, et à New York. Jim Rosenquist a eu une enfance itinérante. Enfant unique, il a souvent déménagé avec sa famille dans le Midwest. Ses parents ont partagé avec lui leur intérêt pour les avions et les choses mécaniques. Au collège, Rosenquist suit des cours d'art, et il obtient une bourse pour suivre les cours du samedi à la Minneapolis School of Art. Après le lycée, il s'inscrit au programme artistique de l'université du Minnesota, où il étudie avec Cameron Booth. Pendant l'été, il travaille pour un entrepreneur dans l'Iowa, le Wisconsin et le Dakota du Nord, où il peint des panneaux et des réservoirs de stockage en vrac.
En 1954, Rosenquist peint son premier panneau publicitaire pour General Outdoor Advertising à Minneapolis. Un an plus tard, grâce à une bourse d'études à l'Art Students League de New York, Rosenquist étudie avec Edwin Dickinson, Will Barnet, Morris Kantor, George Grosz et Vaclav Vytacil. En 1957, Rosenquist rejoint le syndicat des peintres d'enseignes et, en 1958, il travaille pour la Art Kraft Strauss Company en peignant des panneaux publicitaires. Il a également travaillé sur des vitrines pour Bonwit Teller et Tiffany & Company.
Il a épousé la designer textile Mary Lou Adams. Pendant l'élection, il réalise le tableau President Elect dans lequel le visage de John F. Kennedy est combiné dans une sorte de collage avec des images de sexe et d'automobile. Sa première exposition personnelle à la Green Gallery, en 1962, a fait salle comble. En 1963, il travaille sur plusieurs sculptures, fait plusieurs expositions à la Galerie Ileana Sonnabend, montre son travail à la Dwan Gallery, Los Angeles, et enseigne à l'Université de Yale. En 1965, il commence à travailler avec des lithographies.
La même année, il a réalisé le tableau F-111, d'une largeur de 26 mètres, qui a été exposé au Jewish Museum de New York, au Moderna Museet de Stockholm et dans d'autres villes européennes. C'est l'une de ses œuvres les plus importantes. L'organisation spatiale de la composition en couches suggère l'interrelation de symboles historiques contemporains et de signes de richesse et de matériel militaire, une vision de la culture américaine exprimant la proximité de l'euphorie et de la catastrophe. En 1967, il s'installe à East Hampton.
En 1968, la Galerie nationale du Canada, à Ottawa, lui a consacré sa première rétrospective. En 1969, il se consacre à l'expérimentation des techniques cinématographiques. En 1970, il se rend à Cologne pour le vernissage de son exposition à la Galerie Rolf Ricke. Pendant la protestation publique contre la guerre du Vietnam, il est brièvement détenu à Washington. La même année, des rétrospectives complètes lui ont été consacrées au musée Wallraf-Richards de Cologne et au Whitney Museum de New York.
En 1974 et 1975, il a fait du lobbying auprès du Sénat américain sur les droits légaux des artistes. Il se sépare de sa femme et conçoit sa propre maison avec un studio en plein air à Indian Bay, Aripeka, Floride. En 1978, le F-111 a été exposé dans le pavillon international de la Biennale de Venise. Dans ses travaux de la fin des années 70 et des années 80, par exemple 4 "New Clear Women", des images de femmes sont confrontées à l'esthétique des machines, généralement dans de grandes compositions oblongues. Les thèmes de ces compositions dynamiques comprennent également le feu, le progrès et les machines de guerre, qu'il présente dans des récits picturaux tournants. Entre 1985 et 1987, l'ensemble de l'évolution de Rosenquist en tant qu'artiste a fait l'objet d'une rétrospective complète dans six musées américains.
En 1960, Rosenquist avait mis de côté une partie suffisante de ses revenus commerciaux pour lui permettre de passer une année à peindre dans son studio. Il s'installe à Coentles Slip, où il partage un loft avec Charles Hinman. Rosenquist avait timidement exploré l'utilisation de méthodes et de matériaux commerciaux dans son travail d'atelier de la fin des années 1950, mais après son déménagement au Slip, il a laissé derrière lui les modes expressionnistes abstraits et figuratifs qu'il avait employés dans ses premiers travaux. Il a développé l'arrangement de type montage d'images délibérément fragmentées issues de la culture populaire, aux échelles incohérentes et juxtaposées de manière énigmatique, qui caractérise les peintures monumentales de son style mature.
Rosenquist a eu sa première exposition personnelle à la Green Gallery de New York en 1962, et chaque tableau a été vendu. En 1963, il réalise une peinture murale pour l'exposition universelle de New York, et Art in, America le sélectionne comme "peintre jeune talent" de l'année. Deux ans plus tard, l'artiste a terminé la peinture de l'œuvre monumentale et très médiatisée F- I I 1, qui a fait le tour de l'Europe dans les années 1960 et a été considérée comme une expression importante du mouvement contre la guerre du Vietnam. Au cours des années 1970, il s'est engagé dans les questions de législation sur les droits des artistes. En 1976, Rosenquist construit sa maison et son studio à Aripeka, en Floride.
Depuis le début des années 1960, Rosenquist a beaucoup travaillé dans de nombreux ateliers de gravure en plus de son studio graphique, notamment Aeropress, Gemini G.E.L., Petersburg Press, Styria Studios, Tyler Graphics, Ltd. et Universal Limited Art Editions. Parmi les distinctions de Rosenquist figure le World Print Award, qu'il a reçu en 1983 du World Print Council au San Francisco Museum of Modem Art.
En 2003, le Solomon R. Guggenheim Museum de New York a présenté une rétrospective des œuvres de Rosenquist à partir de 1950. En 2004, l'exposition se rend au Guggenheim Bilbao en Espagne.
- Créateur:James Rosenquist (1933, Américain)
- Année de création:1978
- Dimensions:Hauteur : 71,76 cm (28,25 po)Largeur : 114,94 cm (45,25 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Milwaukee, WI
- Numéro de référence:
James Rosenquist
Bien qu'il ait insisté sur le fait que lui et ses collègues artistes pop ont développé leurs styles artistiques de manière indépendante, le peintre américain James Rosenquist avait sa place à la table avec Andy Warhol et Roy Lichtenstein.
Connu pour son utilisation particulière du montage visuel, Rosenquist a produit de grands tableaux aux couleurs vives, marqués par la fragmentation et le chevauchement. Il utilise souvent des motifs et des objets familiers tirés de la culture populaire contemporaine - hot dogs, tubes de rouge à lèvres, drapeaux américains - qu'il manipule pour former des compositions désorientantes dont les éléments constitutifs sont presque méconnaissables.
Né dans le Dakota du Nord de parents suédois, Rosenquist a été encouragé à poursuivre la peinture par sa mère, qui était également artiste. Il étudie la peinture pendant deux ans à l'université du Minnesota, mais abandonne à l'âge de 21 ans pour fréquenter l'Art Students League de New York grâce à une bourse. Un emploi de peintre sur panneaux d'affichage à la fin des années 1950 lui a permis de développer son style caractéristique, qui emprunte au vocabulaire visuel de la publicité ses graphiques audacieux et son esthétique kitsch remixée. Des œuvres telles que Flamingo Capsule (1983) incarnent la dissonance visuelle qui fait sa marque de fabrique, faisant dialoguer des motifs de cigarettes avec les rayures du drapeau américain et les emballages en aluminium.
En plus des énormes peintures , Rosenquist a créé des dessins, des impressions et des collages. La lithographie de 2011 The Memory Continues but the Clock Disappears est un montage d'horloges en fusion et de confettis, tous immergés dans une piscine d'eau. Tout en faisant une allusion ironique à l'inévitabilité de la décrépitude et de la détérioration - suggérant que la vie est un tic-tac d'horloge - la composition fait également allusion au motif de la signature de Salvador Dalí, symbole déterminant du surréalisme . Ces compositions montrent comment Rosenquist a su combiner de manière magistrale des éléments apparemment incongrus en un ensemble harmonieux et poétique.
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