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Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein « Figures » 1978 (d'une série surréaliste) Gemini G.E.L. Printers

1978

À propos de cet article

VENTE UNE SEMAINE SEULEMENT Titre : Chiffres Portfolio : 1978 Surréaliste Support : Lithographie sur papier Arches 88 Édition : 38 Taille de la feuille : 31 7/16" x 23 1/2" Taille de l'image : 23 1/2" x 15 1/4" Signature : Signé à la main au crayon Référence : Corlett 156 Imprimé par les imprimeurs I.E.G.L. de Los Angeles. Roy Fox Lichtenstein était un artiste pop américain. Au cours des années 1960 à 1990, il est devenu, aux côtés d'Andy Warhol, de Jasper Johns et de James Rosenquist, l'une des figures de proue du nouveau mouvement artistique. Son travail a défini les prémisses du pop art par le biais de la parodie. La plupart des œuvres les plus connues de Lichtenstein sont des copies relativement proches, mais pas exactes, de planches de bandes dessinées, un sujet qu'il a largement abandonné en 1965. Les natures mortes de Lichtenstein, peintures, sculptures et dessins, qui s'étendent de 1972 au début des années 1980, couvrent une variété de motifs et de thèmes, y compris les plus traditionnels tels que les fruits, les fleurs et les vases. Inspiré par la bande dessinée, Lichtenstein produit des compositions précises qui documentent tout en parodiant, souvent avec humour. Son travail a été influencé par la publicité populaire et le style des bandes dessinées. Ses œuvres ont été considérées comme "perturbatrices". Il a décrit le pop art comme étant "non pas de la peinture américaine, mais de la peinture industrielle". Ses peintures ont été exposées à la Leo Castelli Gallery à New York. Wham ! et Drowning Girl Look Mickey se sont avérés être ses œuvres les plus influentes. Sa pièce la plus chère est Masterpiece qui a été vendue 165 millions de dollars en janvier 2017. Lichtenstein a reçu Il a obtenu sa licence et sa maîtrise à l'université d'État de l'Ohio, à Columbus, dans l'Ohio, où il a enseigné pendant dix ans. En 1967, il retourne au nord de l'État de New York et recommence à enseigner. C'est à cette époque qu'il adopte le style expressionniste abstrait, s'étant converti tardivement à ce style de peinture. En 1958, Lichtenstein commence à enseigner dans le nord de l'État de New York, à l'université d'État de New York à Oswego. C'est à cette époque qu'il commence à incorporer dans ses œuvres abstraites des images cachées de personnages de dessins animés tels que Mickey Mouse et Bugs Bunny. En 1960, il commence à enseigner à l'université Rutgers, où il est fortement influencé par Allan Kaprow, qui enseigne également à l'université. Cet environnement a contribué à raviver son intérêt pour l'imagerie proto-pop. En 1961, Lichtenstein commence ses premières peintures pop en utilisant des images de dessins animés et des techniques dérivées de l'apparence de l'impression commerciale. Cette phase se poursuivra jusqu'en 1965 et comprendra l'utilisation d'une imagerie publicitaire suggérant le consumérisme et l'art ménager. Sa première œuvre présentant l'utilisation à grande échelle de figures aux contours nets et de points Ben-Day est Look Mickey (1961), National Gallery of Art, Washington, D.C.). Cette œuvre est née d'un défi lancé par l'un de ses fils, qui lui a montré une bande dessinée de Mickey Mouse en disant : "Je parie que tu ne peux pas peindre aussi bien que ça, hein, Papa ?". La même année, il réalise six autres œuvres avec des personnages reconnaissables tirés d'emballages de chewing-gum et de dessins animés. C'est à cette époque que Lichtenstein commence à se faire connaître, non seulement en Amérique, mais aussi dans le monde entier. En 1964, il retourne à New York pour être au centre de la scène artistique et se concentrer sur sa peinture. Lichtenstein a utilisé de la peinture à l'huile et de la peinture Magna (début de l'acrylique) dans ses œuvres les plus connues, telles que Drowning Girl (1963), qui est inspirée de l'histoire principale de Secret Hearts No. 83 de DC Comics, dessinée par Tony Abruzzo. (Drowning Girl est aujourd'hui exposée au Museum of Modern Art, à New York.) Drowning Girl présente également des contours épais, des couleurs vives et des points Ben-Day, comme s'il s'agissait d'une reproduction photographique. De son propre travail, Lichtenstein dira que les expressionnistes abstraits "posaient des choses sur la toile et réagissaient à ce qu'ils avaient fait, aux positions des couleurs et aux tailles. Mon style est complètement différent, mais la nature des lignes est à peu près la même ; les miennes ne sont pas calligraphiées comme celles de Pollock ou de Kline. Plutôt que de chercher à reproduire ses sujets, le travail de Lichtenstein s'attaque à la manière dont les médias de masse les représentent. Il ne se prend cependant jamais trop au sérieux, déclarant : "Je pense que mon travail est différent des bandes dessinées - mais je ne l'appellerais pas transformation ; je ne pense pas que ce que l'on entend par là soit important pour l'art." Lorsque l'œuvre de Lichtenstein a été exposée pour la première fois, de nombreux critiques d'art de l'époque ont contesté son originalité. Son travail a été sévèrement critiqué comme étant vulgaire et vide. Le titre d'un article du magazine Life en 1964 posait la question suivante : " Est-il le pire artiste des États-Unis ? ". Lichtenstein a réagi à ces affirmations en donnant des réponses telles que : "Plus mon travail est proche de l'original, plus son contenu est menaçant et critique. Cependant, mon travail est entièrement transformé en ce sens que mon objectif et ma perception sont totalement différents. Je pense que mes peintures sont transformées par la critique, mais il serait difficile de le prouver par une ligne d'argumentation rationnelle." En 1969, Gunter Sachs demande à Lichtenstein de créer Composition et Leda and the Swan, pour la chambre à coucher Pop Art du collectionneur à l'hôtel Palace de Saint-Moritz. À la fin des années 1970 et au cours des années 1980, Lichtenstein reçoit d'importantes commandes pour des œuvres dans des lieux publics : les sculptures Lamp (1978) à St. Mary's, en Géorgie ; Mermaid (1979) à Miami Beach ; Brushstrokes in Flight (1984, déplacé en 1998), haute de 26 pieds, à l'aéroport international John Glenn Columbus ; Mural with Blue Brushstroke (1984-85), haute de cinq étages, à l'Equitable Center, à New York, et El Cap de Barcelona (1992), à Barcelone. En 1994, Lichtenstein a créé la peinture murale Times Square de 53 pieds de long, en émail sur métal, dans la station de métro Times Square. En 1977, il a été chargé par BMW de peindre une version de course du groupe 5 de la BMW 320i pour le troisième volet du BMW Art Car Project. Le logo de DreamWorks Records a été son dernier projet achevé. "Je n'ai pas l'habitude de faire ce genre de choses (un logo d'entreprise) et je n'ai pas l'intention de le refaire", déclare Lichtenstein. "Mais je connais Mo Ostin et David Geffen et cela me semblait intéressant. En 1996, la National Gallery of Art de Washington (a.I.C.) est devenue le plus grand dépositaire de l'œuvre de l'artiste lorsque Lichtenstein a fait don de 154 gravures et de 2 livres. L'Art Institute of Chicago possède plusieurs œuvres importantes de Lichtenstein dans sa collection permanente, notamment Brushstroke with Spatter (1966) et Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Les fonds personnels de la veuve de Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, et de la Fondation Roy Lichtenstein se comptent par centaines. En Europe, le Museum Ludwig de Cologne possède l'une des collections les plus complètes de Lichtenstein avec Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), tandis que le Frankfurt Museum fur Modern Kunst possède We Rose Up slowly (1964), et Yellow and Green Brushstrokes (1966). En dehors des États-Unis et de l'Europe, la National Gallery of Australia's Kenneth Tyler Collection possède un vaste fonds d'estampes de Lichtenstein, qui compte plus de 300 œuvres. Au total, quelque 4 500 œuvres seraient en circulation. Lorsque l'imprimante, Gemini G.E.L. a été fondée en 1966, alors que la gravure d'art était au bord d'une renaissance technique et d'une popularité fulgurante, le flambeau de l'art nouveau passant de la France à l'Amérique. Le renouveau de l'estampe s'est d'abord concentré sur la lithographie, principalement grâce à la formation que les maîtres imprimeurs ont reçue à l'atelier de lithographie Tamarind, fondé à Los Angeles en 1960. L'un de ces maîtres imprimeurs nouvellement formés, Kenneth Tyler, possédait un petit atelier dans la ville lorsque, il y a près d'un demi-siècle, deux amis et frères de fraternité de l'université de Californie du Sud, Sidney B. Felsen et Stanley Grinstein (1927-2014), découvrirent l'atelier de Tyler et virent qu'il avait le potentiel de devenir un atelier d'art et une maison d'édition uniques en leur genre. Felsen et Grinstein entrevoient un avenir qui leur permettra non seulement de travailler avec des artistes de renom mais aussi, après le départ de Tyler en 1974, d'explorer, au-delà de la lithographie et de la sérigraphie, toute l'étendue des arts graphiques, ainsi que de continuer à rechercher des jalons techniques dans les multiples tridimensionnels et la sculpture en édition limitée. Ils ont compris que, pour se hisser au niveau des meilleurs ateliers du monde, les installations ne pouvaient être ouvertes qu'à des artistes invités et que ces derniers devaient travailler directement avec le processus, aux côtés des imprimeurs. Chaque œuvre d'art sera conçue exclusivement pour l'édition et les éditions seront strictement limitées. Chaque image sera signée et numérotée par l'artiste et identifiée par le "Gemini chop", signifiant l'authenticité de chaque tirage original ou multiple produit. En d'autres termes, la boutique publiera des originaux multiples, jamais des œuvres qui répliquent ou reproduisent des œuvres d'art sur d'autres supports. Lorsque le monde de l'art des années soixante et soixante-dix a commencé à se développer à un rythme effréné, un nombre croissant d'artistes se sont intéressés aux possibilités créatives offertes par les estampes et les multiples et, en l'espace d'un an ou deux après sa création, Gemini est devenu la destination de la côte ouest pour la gravure innovante - l'endroit où l'on ne disait jamais à l'artiste "non, ce n'est pas possible", et où les invitations à travailler dans l'atelier étaient recherchées avec impatience. En tant que fabricant et éditeur d'éditions révolutionnaires, l'exemple le plus ancien de l'invention de Gemini est sans aucun doute la première collaboration de l'atelier (1967) avec Robert Rauschenberg, qui a réalisé la plus grande estampe d'art jamais produite à l'époque : Booster, un autoportrait en lithographie/sérigraphie de 72 pouces de haut qui a définitivement modifié les limites de l'estampe au 20e siècle. La première édition tridimensionnelle de Gemini a été le profil emblématique de Claes Oldenburg en 1968 (Profile Airflow), et les jalons techniques et artistiques se poursuivent aujourd'hui, avec des œuvres telles que la lithographie de près de 19 pieds d'Ellsworth Kelly, Purple/Red/Gray/Orange, le monumental et très empâté Paintstick Double Rift V de Richard Serra, et les majestueuses Auguries à panneaux multiples de Julie Mehretu. Au cours des premières années, Jasper Johns, Roy Lichtenstein et Robert Rauschenberg, entre autres, ont fait de Gemini et de Los Angeles une partie importante de leur vie professionnelle et sociale. Ils ont formé des liens d'amitié avec des habitants des Gémeaux, notamment Jonathan Borofsky, Vija Celmins, Sam Francis, Bruce Nauman, Ken Price, Ed Ruscha et David Hockney, qui s'est greffé à l'Angleterre. Au fil du temps, l'atelier aventureux et le navire étanche que dirigeaient Felsen et Grinstein sont devenus non seulement une destination américaine, mais aussi le siège mondial de l'expérimentation graphique. Gemini accueille désormais - dans les locaux emblématiques de Frank Gehry sur Melrose Avenue - une liste d'artistes géographiquement diversifiés, dont Daniel Buren et Sophie Calle de France, Ann Hamilton de l'Ohio, Mehretu d'Éthiopie via Détroit et New York, et Gehry et John Baldessari de Los Angeles. - Constance W. Glenn, Los Angeles, novembre 2014
  • Créateur:
    Roy Lichtenstein (1923 - 1997, Américain)
  • Année de création:
    1978
  • Dimensions:
    Hauteur : 88,9 cm (35 po)Largeur : 66,04 cm (26 po)
  • Support:
  • Mouvement et style:
  • Période:
  • État:
  • Adresse de la galerie:
    Detroit, MI
  • Numéro de référence:
    1stDibs : LU1286112744522
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