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Barry Leighton-Jones
Fat Lady Sings Peinture giclée imprimée sur toile Scène de bar dans une taverne agitée

À propos de cet article

Barry Leighton-Jones est né à Londres, en Angleterre, en 1932. Il est un descendant direct de l'artiste victorien et président de la Royal Academy, Lord Frederic Leighton. Il a commencé sa carrière artistique à l'âge de cinq ans en remportant un important concours d'art. Il a ensuite suivi une formation académique de sept ans à Sidcup et Brighton et a été encadré par le célèbre artiste et illustrateur anglais du Royal College of Art - John Minton. Après s'être lancé directement dans le monde de l'art britannique, ses peintures ont très vite été demandées - beaucoup d'entre elles ont été publiées et sa réputation internationale s'est accrue. Mais la véritable percée se produit en 1985, lorsqu'il est sélectionné par la succession Kelly pour créer une série d'images basées sur la vie et l'œuvre du célèbre clown américain Emmett Kelly. S'inspirant de Norman Rockwell, Jones a consacré plus que jamais beaucoup de temps à la phase de préparation. La succession Kelly a fourni à Jones des photographies en noir et blanc de Kelly tout au long de sa carrière, et il s'est mis en tête d'étudier attentivement l'œuvre cinématographique de Kelly et de lire tout ce qui concernait le grand homme. Il a même effectué des visites au musée Ringling à Sarasota. Tous ces préparatifs ont porté leurs fruits, puisque le résultat est une série complète de peintures, qui retrace les différentes périodes de la vie de Kelly. De nombreuses peintures et esquisses ont été produites sous forme d'estampes et de figurines en édition limitée, qui sont toutes devenues des best-sellers et sont très recherchées par les collectionneurs dans tous les États-Unis. Les années entre 1986 et 1992 définissent l'une des périodes les plus importantes et les plus prolifiques de la carrière de Barry Leighton-Jones. Ces années marquent sa sélection par divers donneurs de licence pour produire des peintures destinées à être reproduites sous plusieurs formes : estampes, plaques de collection, figurines, etc. Bien que la plus importante de ces commandes ait été la "Collection Emmett Kelly", il a également réalisé la "Collection Autant en emporte le vent" et la "Collection du Magicien d'Oz", ainsi qu'un certain nombre de portraits et de collages de quelques-uns des visages les plus célèbres du XIXe siècle, dont Albert Einstein, John Lennon et la princesse Diana. Bien qu'il soit surtout connu pour ses clowns et ses oursins, Jones a réalisé de nombreuses séries d'œuvres différentes, dans des styles très variés. Qu'il s'agisse de clowns, d'enfants, de situations sociales, de scènes de pub ou de "dames lourdes", son œuvre se distingue de toutes les autres par un mélange de classicisme et de modernité. Son interprétation réaliste de la forme humaine, combinée à un arrière-plan impressionniste, crée une image intemporelle et fascinante qui s'adresse aux enfants de tous âges. "L'humour dans l'art est une tradition britannique qui remonte à Hogarth et Rowlandson, mais il est rare aujourd'hui en dehors du monde de la caricature politique. Depuis une cinquantaine d'années, j'ai utilisé l'humour dans nombre de mes peintures et je continue à le faire. Une grande partie du sujet est dérivée de souvenirs d'enfance et d'expériences de jeune homme, c'est-à-dire les petits déjeuners de mariage, les pubs et les dames lourdes. Au cours des 25 dernières années, j'ai vécu et exposé aux États-Unis auprès d'une clientèle ethnique et culturelle variée. Au début, je n'étais pas sûr que le sens de l'humour britannique serait apprécié, mais mes doutes se sont dissipés lorsque ces personnes ont commencé à acheter les œuvres. Les hommes et les femmes ont identifié les différents personnages de mes photos comme des personnes qu'ils connaissaient en tant qu'amis ou parents. À de nombreuses reprises, on m'a demandé de dédier personnellement les pièces à l'acheteur qui y trouvait une ressemblance avec un personnage. La plupart des artistes sont heureux lorsque leurs œuvres sont magnifiquement peintes, je suis heureux lorsqu'un tableau suscite un bon rire". Barry Leighton-Jones
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Il a également exposé au Studio Museum de Harlem et à la Biennale de Venise en 2003. Meshac Gaba est né à Cotonou, au Bénin, en 1961. Il s'était éloigné de sa formation de peintre jusqu'à ce qu'un sac d'argent déclassé découpé en confettis l'amène à réaliser des peintures avec ce matériau. 1981-1985 Il a été étudiant à l'atelier d'artiste de Zossou Gratien, à Cotonou, au Bénin. Gaba s'est fait connaître par ses installations d'objets quotidiens qui juxtaposent de manière fantaisiste les identités culturelles et commerciales africaines et occidentales. En 1996, il a effectué une résidence de deux ans à la Rijksakademie d'Amsterdam. En l'absence d'opportunités d'exposer ses œuvres dans la ville, il a entrepris, au cours des cinq années suivantes, de créer son propre musée. Cette pièce est devenue son œuvre phare, The Museum of Contemporary African Art 1997-2002, qui consiste en 12 salles (certaines basées sur la fonction du musée et d'autres personnelles) remplies d'objets fabriqués par Gaba. Tout au long de l'exposition, une veine de récit confessionnel sur les travaux artistiques de l'artiste entre l'Afrique et l'Europe. La chambre de mariage, qu'il a réalisée alors qu'il était amoureux, contient des souvenirs en tant qu'objets de musée du mariage d'Alexandra avec la conservatrice néerlandaise Alexandra van Dongen en 2000 au Stedelijk Museum d'Amsterdam. La salle de la bibliothèque contient des livres d'art et raconte l'enfance d'A. La salle de jeux présente des tables de puzzle coulissantes qui forment des drapeaux nationaux africains. Il dispose d'une boutique de souvenirs et d'un café. Le musée exposé comportait des canapés pour lire, un piano pour jouer et des objets reflétant le caractère polyculturel de l'Afrique, notamment de l'argent ghanéen avec le visage de Pablo Picasso, une banque suisse imitant un marché de rue africain et des cuisses de poulet en céramique dorée. Le musée a fait l'objet de nombreuses expositions. L'œuvre a été exposée pour la première fois en partie en 2002 à la Documenta 11. Can a reçu un espace à Rotterdam dans lequel il pouvait vivre et stocker l'œuvre. Lorsque son fils a demandé une maison plus normale, Gaba a vendu et donné la plupart de ses œuvres à la Tate Modern, à l'exception de sa bibliothèque, qu'il a rendue à sa ville natale. Vers 2013, Gaba vivait la moitié de l'année dans sa ville natale de Cotonou et l'autre moitié à Rotterdam avec sa femme et son fils. La Tate Modern a exposé l'œuvre dans son ensemble en 2014 dans le cadre de son programme de deux ans d'expositions centrées sur l'Afrique. La salle des mariages a enchanté le critique d'art britannique Jonathan Jones, qui a qualifié le musée d'autobiographique, de romanesque, de protestation montrant "la force de l'art africain moderne". Par exemple, la salle Art et Religion présentait des sculptures cérémonielles africaines "classiques" à côté d'objets bouddhistes et chrétiens kitsch, comme pour regrouper les types en tant que mauvaises représentations de leurs cultures respectives. Gaba considérait que ce travail corrigeait les lacunes de l'éducation artistique en Afrique et de la représentation de l'art africain en dehors du continent. Entre l'achèvement du musée et son exposition à la TATE, Gaba a présenté à la Biennale de Venise 2003 et a tenu sa première exposition solo aux États-Unis au Studio Museum in Harlem, "Tresses", une série de modèles architecturaux de la ville de New York et des points de repère du Bénin fabriqués à partir d'extensions de cheveux artificiels tressés. 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