Elizabeth CatlettRebozos1968
1968
À propos de cet article
- Créateur:Elizabeth Catlett (1915 - 2012, Américain)
- Année de création:1968
- Dimensions:Hauteur : 34,29 cm (13,5 po)Largeur : 25,4 cm (10 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1477211944482
Elizabeth Catlett
Promouvoir le changement social était la principale motivation de Elizabeth Catletten tant qu'artiste. Petite-fille de personnes réduites en esclavage, Catlett est née à Washington, D.C., en 1915 et a passé sa vie d'adulte à créer des sculptures , des gravures et des peintures qui atteindraient, célébreraient et élèveraient ceux qui étaient à peine visibles dans l'art.
"J'ai toujours voulu que mon art soit au service des Noirs - qu'il nous reflète, qu'il soit en rapport avec nous, qu'il nous stimule, qu'il nous fasse prendre conscience de notre potentiel", a déclaré Catlett à propos de son travail dans l'ouvrage Art, publié en 1978 : Afro-américain. Elle a étudié l'histoire de l'art, le dessin et d'autres disciplines à l'université d'Howard et, lorsqu'elle était étudiante en MFA à l'université de l'Iowa, son mentor, le peintre Grant Wood, lui a conseillé de "prendre pour sujet ce qu'elle connaissait le mieux". Comme elle l'a dit plus tard à un intervieweur, "ce que je connaissais le mieux, c'était les femmes noires, parce que j'en suis une, et que j'ai vécu avec elles toute ma vie, alors c'est avec elles que j'ai commencé à travailler."
La pièce maîtresse du projet de thèse de Catlett au printemps 1940, Negro Mother and Child - une figure d'une mère noire embrassant son enfant, sculptée dans une pierre calcaire de l'Indiana - a reçu le premier prix de sculpture lors de l'American Negro Exposition qui s'est tenue à Chicago cette année-là.
Catlett a enseigné l'art à l'université Dillard de la Nouvelle-Orléans - où elle a lutté quotidiennement contre la discrimination - et a rencontré son premier mari, l'artiste Charles White, alors qu'elle vivait à Chicago. Elle a démissionné de Dillard en 1942 et s'est installée à New York. C'est là que Catlett se lie d'amitié avec le peintre Jacob Lawrence et étudie la lithographie et d'autres techniques à l'Art Students League. Inspirée par ses études avec Ossip Zadkine, elle a commencé à incorporer des formes abstraites dans ses sculptures en bois et en pierre.
En 1946, une bourse lui permet de se rendre au Mexique pour y étudier les peintures murales et l'art graphique. Catlett ayant fait l'expérience du système barbare et profondément destructeur de la ségrégation raciale et des lois Jim Crow appliquées aux États-Unis, le Mexique lui est apparu comme une échappatoire bienvenue. En 1947, après avoir divorcé de Whiting, elle épouse le peintre et graveur Francisco Mora, du Taller de Gráfica Popular (atelier graphique populaire), ou TGP. Elle a collaboré avec TGP, un atelier d'arts graphiques dédié aux questions sociales situé à Mexico, sur un certain nombre de travaux, dont l'une de ses gravures sur linoléum les plus connues, Sharecropper (1952). La représentation héroïque d'un travailleur agricole anonyme avait pour but d'attirer l'attention sur le sort des métayers noirs, exploités sans pitié par les propriétaires terriens blancs de l'époque.
Une autre œuvre emblématique de Catlett est Black Unity (1968), un poing levé sculpté dans du cèdre, lisse et brillant, dont l'un des côtés prend la forme de deux visages qui ressemblent à des masques africains sculptés . La même année, le poing levé, puissant symbole de la lutte pour les droits civiques et emblème du mouvement Black Power, avait été immortalisé par deux athlètes noirs américains, John Carlos et Tommie Smith, qui avaient levé leurs poings gantés de noir pendant l'interprétation de la "Bannière étoilée" aux Jeux olympiques d'été de Mexico.
Catlett a été professeur de sculpture à l'École des beaux-arts de l'Université nationale autonome du Mexique à Mexico de 1958 à 1976, date à laquelle elle s'est retirée pour se consacrer à l'art, exposant beaucoup dans les années qui ont suivi. En 2003, elle a réalisé le Ralph Ellison Memorial dans le Riverside Park de New York. La même année, l'International Sculpture Center lui a décerné un prix pour l'ensemble de sa carrière. Ses œuvres figurent dans les collections de musées du monde entier, notamment le Smithsonian American Art Museum, Museum of Modern Art et le Metropolitan Museum of Art.
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Son œuvre, qui comprend des peintures, des gravures et des collages, ainsi que des décors, figure dans plus de 45 collections de musées et d'institutions publiques aux États-Unis, en Amérique latine et en Israël. Il a organisé plus de 40 expositions personnelles dans des galeries et des musées et a participé à plus de 75 expositions collectives dans le monde entier. Il a participé à la fondation du Taller Libre de Arte, un atelier expérimental pour les arts visuels, parrainé par le ministère de l'éducation. Le Taller Libre de Arte était un centre où les jeunes artistes pouvaient travailler et rencontrer des critiques et des intellectuels pour discuter des idées d'avant-garde et des tendances artistiques d'Europe et d'Amérique latine. Parmi les artistes qui ont participé au Taller Libre de Arte, citons Ramón Vásquez Brito, Carlos González Bogen, Luis Guevara Moreno, Mateo Manaure, Virgilio Trómpiz, Alirio Oramas, Dora Hersen, Alejandro Otero, Jesús Rafael Soto, Pascual Navarro, Aimée Battistini, José Fernández Díaz, Narciso Debourg, Oswaldo Vigas et Perán Erminy. Les premières œuvres de Sznajderman en tant qu'étudiant et jeune artiste montrent l'influence du cubisme et de l'expressionnisme avec des sujets allant des figures aux natures mortes en passant par les paysages vénézuéliens. Son œuvre explore souvent les thèmes, l'art et l'architecture de l'Amérique latine. En 1948, Sznajderman a reçu le prix des étudiants en art pour une aquarelle dans le cadre de l'exposition annuelle de la National Gallery. En 1949, Sznajderman a présenté une exposition personnelle au Taller Libre de Arte. Le catalogue de l'exposition a été rédigé par Sergio Antillano, un éminent écrivain et critique vénézuélien. La même année, Sznajderman a immigré aux États-Unis pour étudier à l'université de Columbia, où il a étudié avec le scénographe J. Woodman Thompson et le graveur Hans Alexander Mueller. Il a obtenu une licence en sciences avec une spécialisation en conception scénique en 1953, après quoi il a été appelé sous les drapeaux dans l'armée américaine. Dans l'armée, il a travaillé comme artiste-illustrateur et a terminé son service en 1955. Il est retourné à Columbia grâce au G.I Bill pour s'inscrire au Teachers College, où il a obtenu un Master of Fine Arts en éducation artistique. Dans les années 1950, Sznajderman a créé des décors pour le Circle in the Square Theatre, le Théâtre d'art français et la Felix Fibish Dance Company, tous à New York. À la fin des années 1950, cependant, il s'est tourné vers les beaux-arts et l'enseignement. En 1960, Sznajderman fait partie des trois fondateurs, avec les peintres Sam Weinik et BenNew, de la Modern Artists Guild (MAG), une association d'artistes modernes travaillant dans le nord du New Jersey. Esther Rosen, Alexandra Merker, Erna Weill, Jerry Goldman, Lillian Marzell et Evelyn Wilson comptent parmi les premiers membres du MAG. Dans les années 1950, 1960 et 1970, outre la peinture et la gravure, Sznajderman a enseigné l'art, l'histoire de l'art et le design dans un certain nombre d'institutions, dont l'université de New York, la School of Visual Arts, l'université Fairleigh Dickinson et la Ridgewood (N.J.) School of Art. Il a également enseigné l'art dans les écoles publiques du New Jersey grâce à des subventions fédérales et nationales. Au cours de cette période, l'œuvre de Sznajderman va des dessins, gravures sur bois et lithographies aux aquarelles, peintures acryliques et collages. Il a réalisé des natures mortes, des figures, des paysages et des marines. Il s'est inspiré des souvenirs, de la culture et du folklore vénézuéliens, de l'art mexicain et de l'imagerie Pre-Columbian, ainsi que de l'architecture et du théâtre. D'autres œuvres ont été inspirées par la mythologie grecque et la Commedia dell'arte. Des événements contemporains, tels que la guerre du Vietnam et l'assassinat du Rev. Martin Luther King, Jr, a également inspiré certaines œuvres. De 1974 à 1983, Sznajderman a été directeur de la Galeria Azzurra à New York pour le Conseil national de la culture et des beaux-arts du Venezuela (CONAC), tout en continuant à peindre et à exposer. De 1980 à 1986, il a supervisé la sélection et la coordination des éditions internationales de gravures pour AGPA (Actualidad Grafica - Panamericana), un projet de la Latin American Container Corporation of America (plus tard Smurfit Carton de Venezuela). Tout au long de sa carrière, Sznajderman a également exploré des thèmes juifs, notamment des œuvres en mémoire de l'Holocauste. En 1988, il réalise une estampe en édition limitée, en collaboration avec son oncle, le journaliste et auteur yiddish S.L. Shneiderman, à l'occasion de son 80e anniversaire. L'impression comprenait un poème de Shneiderman datant de 1938, "Elegy for My Shtetl", écrit en yiddish. Le texte en yiddish a été composé à l'aide de la dernière machine à linotyper utilisée pour imprimer le journal yiddish The Forward, basé à New York. En 1989, il a conçu et supervisé la production d'un monument commémoratif de l'Holocauste pour le Temple Beth El à Hackensack, dans le New Jersey. D'autres travaux ont exploré les camps de concentration et d'extermination nazis, le gouvernement de Vichy et l'Holocauste en France. Pendant de nombreuses années, Sznajderman a entretenu une profonde amitié et une relation créative intime avec le peintre vénézuélien Oswaldo Vigas. En 1987, à la suite d'un voyage des deux familles dans les Andes vénézuéliennes, une exposition à deux de paysages de Sznajderman et Vener a été organisée au vénérable Ateneo de Caracas, Galeria los Espacios Calidos. En 1991, le musée d'art contemporain de Caracas a présenté une rétrospective de l'œuvre de Sznajderman. En 2001, Sznajderman a commencé une série de collages et de constructions de collages en utilisant le yiddish comme leitmotiv. Une sélection de ces œuvres a été exposée au Yiddish Book Center, Amherst, Massachusetts en 2005-2006. En 2005, le poète vénézuélien Hugo Brett Figueroa a publié le livre "Scargot" avec des illustrations de Sznajderman. Sznajderman a également illustré le livre "Who Were the Pre-Columbian ?" (1993) de Bernard Barken Kaufman et "Magicismos", un recueil de poèmes du poète vénézuélien Enrique Hernandez D'Jesus, publié en 1989. En 2007, le projet de peinture murale de la révolte du ghetto de Varsovie et une série de gravures sur bois des camps de concentration nazis créée en 1958 et 1959, a été exposée au Puffin Cultural Forum à Teaneck, dans le New Jersey[8] En 2011 et 2012, il a produit la série de collages sur papier " Yanaka " et une grande construction de collages utilisant le Chiyogami - papier imprimé traditionnel japonais - acheté en 1990 à Tokyo. En 2011, Sznajderman a créé sept collages en utilisant comme matériau des lithographies non autorisées de Salvador Dali. Les collages ont été reproduits dans un livret à tirage limité intitulé "Dali, Dumas et moi". Le livret décrit une série d'événements impliquant le peintre et graveur Jorge Dumas, qui avait imprimé les lithographies de Dali...Catégorie
20ième siècle, Moderne, Estampes - Figuratif
MatériauxLithographie