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William HogarthEnsemble de deux gravures du XVIIIe siècle tirées de l'ouvrage de William Hogarth intitulé « Analysis of Beauty ». 1753
1753
À propos de cet article
Les deux planches de cet ensemble ont été créées en utilisant les techniques de gravure et d'attaque à l'eau-forte par William Hogarth en 1753, à l'origine pour illustrer son livre sur l'esthétique, intitulé "Analyse de la beauté". En raison de leur popularité, ces planches ont ensuite été publiées séparément. La ligne de publication en bas à droite indique : "Designed, Engraved, and Publish'd by Wm. Hogarth, le 5 mars 1753, selon la loi du Parlement." Les plaques de cuivre originales de Hogarth ont été remises à neuf lorsque cela était nécessaire par James Heath et les gravures ont été rééditées à Londres en 1822 par Braddock, Cradock & Joy. C'est la dernière fois que les plaques de cuivre de Hogarth ont été utilisées pour l'impression. La plupart ont été fondus pendant la première guerre mondiale pour la construction de bombes.
Ces gravures "Analyse de la beauté" de grand format in-folio sont présentées dans des cadres de couleur or antique avec double passe-partout ; les passe-partout extérieurs en soie sont de couleur brun clair et les passe-partout intérieurs de couleur brun foncé. Chaque cadre mesure 27,38" x 31,25" x 1,13". Il y a une petite tache dans la marge de droite de la planche 1 et une autre dans la marge inférieure ; cette dernière pourrait être due au processus d'impression. Les tirages sont par ailleurs en excellent état.
La série "Analyse de la beauté" fait partie de la collection de nombreux grands musées, dont : Le British Museum, le Metropolitan Museum of Art, le Tate Museum, le Chicago Art Institute et le Fine Arts Museums of San Francisco.
La première gravure (planche 1) représente une cour de statues où se trouvent certaines des œuvres les plus célèbres de la sculpture classique. Les sculptures les plus importantes sont entourées d'œuvres moins impressionnantes. La Vénus médicéenne (n° 13) est au centre, avec une statue de Jules César (n° 19) à droite, élevée sur une poulie, avec un Brutus court et trop habillé qui se tient au-dessus de César qui tombe. L'Apollo Belvedere (#12) est le suivant. Un juge se tient à droite, le pied posé sur un chérubin (n° 16). Un autre chérubin en larmes tient une potence et essuie ses larmes avec la robe du juge.
Un sphinx (n°21) et le Silène ivre (n°107) se trouvent sous la Vénus. Le torse de Michaelangelo (#54) et une statue d'Antonius (#6) sont visibles au premier plan. L'Hercule Farnèse (#3) et un buste d'un autre Hercule (#4) sous deux statuettes d'Isis sont également inclus dans la scène.
La clé de ces objets est incluse dans la forme d'une ligne serpentine s'enroulant autour d'un cône (#26), la "ligne de beauté" de Hogarth. Pour Hogarth, la ligne sinueuse est un élément essentiel de la beauté dans l'art. La théorie de la beauté de Hogarth est communiquée dans cette plaque.
On pense que la planche 2 représente l'assemblée de Wanstead, avec le comte de Tynley et sa famille. Il s'agit d'une adaptation d'une scène de la série Mariage heureux, qui complète la série Mariage à la mode de Hogarth. Les spécialistes de Hogarth estiment que cela représente la théorie de Hogarth sur la présentation linéaire de l'attitude et de l'action. comme le décrit cet extrait du texte de l'"Analyse de la beauté" de Hogarth : "Ainsi, comme deux ou trois lignes suffisent d'abord à montrer l'intention d'une attitude, je profiterai de l'occasion pour présenter à mon lecteur (qui a peut-être eu la peine de me suivre jusqu'ici) un croquis d'une danse champêtre, de la manière dont j'ai commencé à présenter le dessin ; afin de montrer combien peu de lignes sont nécessaires pour exprimer les premières pensées, quant aux différentes attitudes ; voir fig. 71. T. p. 2, qui décrivent dans une certaine mesure les diverses figures et actions, la plupart du temps ridicules, qui sont représentées dans la partie principale de la planche 2. La personne la plus aimable peut déformer son apparence générale en jetant son corps et ses membres dans des lignes simples, mais ces lignes apparaissent encore sous un jour plus désagréable chez les personnes d'une certaine forme, j'ai donc choisi les figures qui me semblaient le mieux s'accorder avec ma première vingtaine de lignes, fig. 71.
Les deux parties de courbes voisines de 71 ont servi pour les figures de la vieille femme avec son partenaire à l'autre bout de la pièce. La courbe et deux lignes droites à angle droit donnent une idée de la posture tentaculaire du gros homme. Je résolus ensuite de garder une figure dans les limites d'un cercle, ce qui produisit la partie supérieure de la grosse femme, entre le gros homme et l'aukward à la perruque en sac, pour lequel j'avais fait une sorte de X. La dame primitive, sa partenaire, en habit d'équitation, en retournant ses coudes, comme on dit, du bas vers le haut, faisait un D acceptable, avec une ligne droite en dessous, pour signifier la faible rigidité de son peticoat ; et un Z représentait la position angulaire que le corps fait avec les jambes et les cuisses de l'homme affecté dans la perruque de pneu ; les parties supérieures de sa partenaire dodue étaient confinées à un O, et celui-ci changé en un P, servait d'indication pour les lignes droites derrière. Le losange uniforme d'une carte a été rempli par la robe volante, etc. du petit personnage farceur à la perruque spencer, tandis qu'un double L marquait la position parallèle de la main et des bras de son partenaire farceur ; enfin, les deux lignes ondulées ont été dessinées pour les tours plus distingués des deux personnages à l'autre bout.
La meilleure représentation d'un tableau, même de la danse la plus élégante, étant donné que chaque figure est plutôt une action suspendue qu'une attitude, doit toujours être quelque peu artificielle et ridicule ; car s'il était possible, dans une danse réelle, de fixer chaque personne à un instant donné, comme dans un tableau, pas une sur vingt ne semblerait être gracieuse, même si chacune d'entre elles avait autant de mouvements ; et la figure de la danse elle-même ne pourrait pas être comprise du tout.
La salle de danse est également ornée à dessein de statues et de tableaux qui peuvent servir d'illustration supplémentaire. Henry viii. fig. 72. p. 2, fait un X parfait avec ses jambes et ses bras ; et la position de Charles Ier, fig. 51. p. 2, est composée de lignes moins variées que la statue d'Edouard VI, fig. 73. p. 2 ; et la médaille au-dessus de Q. Elizabeth, ainsi que sa figure, sont en opposition ; il en est de même pour les deux autres figures en bois à la fin. De même, la posture comique de l'étonnement (exprimée en suivant la direction d'une courbe simple, comme la ligne pointillée dans la gravure française de Sancho, où Don Quichotte démolit le spectacle de marionnettes, fig. 75, R. p. 2) est un bon contraste avec l'effet des lignes serpentines dans le tour fin de la Samaritaine, fig. 74. L. p. 2, tiré d'un des meilleurs tableaux qu'Annibal Carrache ait jamais peint."
Dans le coin droit de la gravure, une jeune femme ou une jeune fille se fait dire de quitter le bal par un châtelain qui montre sa montre avec insistance. La jeune fille accepte une lettre de son amant alors qu'elle enfile son manteau.
Artiste : William Hogarth (1697-1764) était un peintre, graveur, satiriste pictural, critique social et caricaturiste anglais. L'œuvre de Hogarth était extrêmement variée, allant de peintures réalistes sérieuses et de portraits à la satire et aux pièces moralisatrices remplies de symbolisme. Il a souvent communiqué son message moral dans une série de peintures et de gravures, telles que : A Rake's Progress, Marriage A-la-Mode et A Harlot's Progress. Il était de loin l'artiste anglais le plus important de sa génération et a inspiré un mouvement de caricaturistes et de satiristes anglais, dont James Gillray (1756-1815), Thomas Rowlandson (1757-1827), Isaac Cruickshank (1764-1811) et George Cruickshank (1792-1878). Son œuvre a été intensément étudiée pendant plus de deux siècles et demi depuis sa mort, plusieurs universitaires ayant consacré leur carrière à l'analyse de chaque élément de chacune de ses créations.
- Créateur:William Hogarth (1697 - 1764, Britannique)
- Année de création:1753
- Dimensions:Hauteur : 69,55 cm (27,38 po)Largeur : 79,38 cm (31,25 po)Profondeur : 2,88 cm (1,13 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Alamo, CA
- Numéro de référence:
William Hogarth
William Hogarth (1697-1764) était un peintre, graveur, satiriste, critique social et caricaturiste anglais. L'œuvre de Hogarth est extrêmement variée, allant des peintures réalistes et des portraits sérieux à la satire et aux œuvres moralisatrices remplies de symbolisme. Il a souvent communiqué son message moral dans une série de peintures et de gravures, comme par exemple : A Rake Progress, Marriage A-la-Mode et A Harlot Progress : A Rake's Progress, Marriage A-la-Mode et A Harlot's Progress. Il est de loin l'artiste anglais le plus important de sa génération et a inspiré un mouvement de caricaturistes et de satiristes anglais, dont James Gillray (1756-1815), Thomas Rowlandson (1757-1827), Isaac Cruickshank (1764-1811) et George Cruickshank (1792-1878). Depuis sa mort, il y a plus de deux siècles et demi, son œuvre a fait l'objet d'études intensives, plusieurs universitaires ayant consacré leur carrière à l'analyse de chaque élément de chacune de ses créations.
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