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David Hare
"Cronus Dining (Night)" - Peinture abstraite à l'acrylique et à l'encre sur panneau de David Hare

À propos de cet article

David Hare Cronus Dining (Nuit), 1971 Acrylique, encre, collage de papier sur papier sur carton 39 1/2 x 29 5/8 pouces "La liberté est ce que nous voulons", déclarait audacieusement David Hare en 1965, avant d'ajouter la mise en garde suivante : "et ce dont nous avons le plus peur". Personne ne peut accuser David Hare de posséder une telle peur. Insouciant des jugements des critiques, Hare a traversé la plupart des développements artistiques majeurs du milieu du vingtième siècle aux États-Unis. Il a changé plusieurs fois de médium ; alors que sa renommée en tant que sculpteur avait atteint son apogée vers 1960, il est passé à la peinture. Pourtant, il est resté attaché au surréalisme bien après qu'il soit tombé en disgrâce. "Je ne peux pas changer ce que je fais pour correspondre à ce qui me rendrait populaire", a-t-il déclaré. "Pas pour des raisons morales, mais simplement parce que je ne peux pas le faire ; cela ne m'intéresse pas". Hare est né à New York en 1917 ; sa famille était à la fois riche et familière du monde de l'art moderne. Son père, Meredith (1870-1932), était un avocat d'affaires réputé. Sa mère, Elizabeth Sage (1878-1948), était une collectionneuse d'art, un bailleur de fonds de l'Armory Show de 1913 et une amie d'artistes tels que Constantin Brancusi, Walt Kuhn et Marcel Duchamp. Dans les années 1920, toute la famille s'installe à Santa Fe, au Nouveau-Mexique, puis à Colorado Springs, dans l'espoir que le changement d'altitude et de climat contribuera à guérir la tuberculose de Meredith. À Colorado Springs, Elizabeth a fondé la Fountain Valley School, où David a fait ses études secondaires après la mort de son père en 1932. Dans l'ouest des États-Unis, Hare développe une fascination pour les poupées kachina et d'autres aspects de la culture amérindienne qui deviendront une source d'inspiration récurrente dans sa carrière. Après le lycée, Hare a brièvement fréquenté le Bard College (1936-37) à Annandale-on-Hudson. Ne sachant que faire, il profite des contacts de sa mère pour ouvrir un studio de photographie commerciale et commence à s'essayer à la photographie couleur, encore rare à l'époque [le Kodachrome a été introduit en 1935]. À l'âge de 22 ans, Hare a eu sa première exposition individuelle à la Walker Gallery de New York ; ses 30 photographies en couleur comprenaient une photo du président Franklin Roosevelt. En tant que photographe, Calle a expérimenté une technique automatiste appelée "heatage" (ou "melted negatives") dans laquelle il chauffait le négatif afin de déformer l'image. Hare les a décrits comme des "antagonismes de la matière". Les produits finaux sont généralement des abstractions qui tendent vers le surréalisme et s'apparentent aux procédés utilisés par Man Ray, Raoul Ubac et Wolfgang Paalen. En 1940, Hare s'installe à Roxbury, dans le Connecticut, où il fraternise avec des artistes voisins tels qu'Alexander Calder et Artistics Gorky, ainsi qu'avec Yves Tanguy, marié à Kay Sage, la cousine de Hare, et avec le marchand d'art Julian Levy. La même année, Hare a reçu une commande du Musée américain d'histoire naturelle pour documenter les Indiens Pueblo. Il s'est rendu à Santa Fe et, pendant plusieurs mois, il a réalisé des portraits photographiques de membres des tribus Hopi, Navajo et Zuni, qui ont été publiés sous forme de livre en 1941. La Seconde Guerre mondiale a bouleversé la vie de Hare. Il est devenu un intermédiaire dans l'échange d'idées artistiques et intellectuelles entre les artistes américains et les émigrés surréalistes fuyant l'Europe. En 1942, Andre se lie d'amitié avec Andre Breton, le principal théoricien du surréalisme. Lorsque Breton a voulu publier une revue pour promouvoir le mouvement aux États-Unis, il n'a pas pu en être le rédacteur en chef parce qu'il était de nationalité étrangère. Au lieu de cela, Breton choisit Hare pour éditer la revue, intitulée VVV [abréviation de "Victoire, Victoire, Victoire"], qui parut pendant quatre numéros (les deuxième et troisième numéros furent imprimés en un seul volume) de juin 1942 à février 1944. Chaque édition de VVV se concentrait sur "la poésie, les arts plastiques, l'anthropologie, la sociologie (et) la psychologie" et était largement illustrée par des artistes surréalistes tels que Giorgio de Chirico, Roberto Matta et Yves Tanguy ; Max Ernst et Marcel Duchamp ont servi de conseillers éditoriaux. À la suggestion de Jacqueline Lamba, la femme d'Andre Breton (qui divorcera bientôt de Breton et épousera Hare en 1946), Hare se lance dans la sculpture. Ses premières sculptures, inspirées par Alexander Calder, étaient réalisées à l'aide de cadres en fil de fer qu'il recouvrait d'argile ou de plâtre. Dans de nombreux cas, Hare a combiné des formes humaines, animales et mécaniques pour créer des créatures hybrides particulières. Ses arrangements symboliquement complexes de formes abstraites ont rapidement fait de lui l'un des sculpteurs les plus célèbres de sa génération. Il a exposé dans les principales galeries d'art moderne telles que la Julian Levy Gallery, Peggy Guggenheim's Art of this Century, la Samuel Kootz Gallery et la Galerie Maeght à Paris. Peggy Guggenheim l'a qualifié de "meilleur sculpteur depuis Giacometti, Calle et Moore". Une critique parue dans The New Yorker en 1951 a loué Hare comme "l'un des modernes qui refusent d'accepter les limites traditionnelles de la sculpture". À la fin de la Seconde Guerre mondiale, la plupart des surréalistes exilés reviennent à Paris et tentent en vain de faire revivre le mouvement en Europe. Dans les années qui ont suivi la guerre, Hare s'est souvent déplacé entre New York et Paris, et a continué à côtoyer des artistes et des penseurs influents tels qu'Artistics, Jean-Paul Sartre, Balthus, Isamu Noguchi, Mark Rothko et Pablo Picasso. Pendant ce temps, Hare rejoint Barnett Newman, William Baziotes, Mark Rothko et Robert Motherwell pour fonder la Subjects of the Artist School au 35 East 8th Street en octobre 1948. Cette école éphémère espérait promouvoir l'art d'avant-garde par le biais de conférences données par des artistes tels que Jean Arp, John Cage et ADS, mais elle a échoué financièrement et a fermé ses portes en 1949. Malgré l'échec de l'école, Hare a acquis une réputation internationale en tant que membre de la génération d'artistes des années 1950 connue sous le nom d'École de New York. Les sculptures de Hare datant de l'apogée de l'expressionnisme abstrait étaient quelque peu différentes de ses œuvres de la fin des années 1940. L'acier et le bronze deviennent ses matériaux de prédilection et il commence à combiner des objets métalliques de récupération tels que de vieilles pelles, des sections de tuyaux et des outils rouillés pour créer des formes imaginatives qui semblent naître de rêves et de souvenirs. À l'aide de tiges d'acier, il esquisse dans l'air des levers et des couchers de soleil ambigus, capturant les cycles de la journée dans des œuvres connues sous le nom de "skyscapes". Cependant, même à cette époque, il refuse de tomber sous le charme de l'abstraction absolue. "Je préfère le figuratif, disait-il en 1968, parce que je m'intéresse plus à l'art en tant qu'auxiliaire de la vie qu'en tant que chose existant par elle-même." Il a toujours pensé que l'art devait avoir une certaine relation avec le monde physique. Au début des années 1960, alors qu'il est au sommet de sa renommée en tant que sculpteur, Hare, toujours infatigable, prend la décision inhabituelle de passer à la peinture. "Ce n'est pas que je me sois désintéressé de la sculpture, dira-t-il plus tard, mais j'en ai eu assez d'être limité à un objet." Les aspects chronophages du soudage et du moulage de la sculpture l'ont frustré. "Il y a des choses que l'on ne peut absolument pas exprimer en trois dimensions", a-t-il déclaré. La peinture était un médium beaucoup plus rapide et bien adapté pour suivre le flux constant des idées de Hare. Le choix des sujets de Hare pour ses peintures est surprenant. Dans les années 1960 et 1970, il a souvent peint des sujets mythologiques et légendaires, tels que Léda et le cygne, qui intéressaient les surréalistes parce qu'ils semblaient offrir une fenêtre sur la conscience universelle. Il a maintenu ces intérêts pendant plus de 15 ans, même lorsqu'une grande partie du monde de l'art avait pris d'autres directions et que le surréalisme était rejeté comme un art figuratif élitiste dépassé, imprégné de récits "littéraires". Hare était particulièrement fasciné par le mythe grec de Cronos, le Titan qui a castré et détrôné son père, Uranus. On a également dit à Cronus qu'un de ses enfants le tuerait, alors il a essayé de les manger tous. Cependant, Zeus s'est échappé, a grandi et a fini par renverser Cronus et l'a emprisonné. Hare a admis que "bien sûr, je prends mes propres libertés avec ce mythe". Il a déclaré plus tard que le mythe était simplement "un point de départ... un symbole de croissance à travers le temps". Pendant près de dix ans, Man of Parts a été obsédé par Cronus, qu'il décrivait comme "mi-homme, mi-terre, mi-temps". Le point culminant de ce travail a été une exposition personnelle au musée Guggenheim en 1977, comprenant 18 peintures (dont beaucoup à grande échelle), 10 dessins et 5 sculptures évoquant Cronus. Après l'exposition au Guggenheim, Hare s'est retiré de la scène publique. Il a quitté son studio new-yorkais et a passé beaucoup de temps dans l'Idaho, où il s'est installé définitivement en 1986. Il a continué à peindre et à créer des sculptures jusqu'à sa mort en 1992 à Jackson Hole, dans le Wyoming, après une opération d'urgence pour un anévrisme de l'aorte. David Hare était un expérimentateur, un chercheur et un preneur de risques à l'imagination éclectique et agitée. Bien qu'il ait travaillé sur différents supports, il est surtout connu au XXIe siècle pour ses sculptures abstraites en métal soudé. Par exemple, en 2020, sa sculpture "Figure in the Windows" [1955] a été vendue 75 000 dollars aux enchères. Ses peintures restent cependant sous-estimées et semblent mûres pour une réévaluation.
  • Créateur:
    David Hare (1917-1992, Américain)
  • Dimensions:
    Hauteur : 110,49 cm (43,5 po)Largeur : 85,41 cm (33,625 po)
  • Autres éditions et dimensions:
    Unique Prix : 40 000 $US
  • Support:
    Encre,Acrylique,Planche
  • Mouvement et style:
    Abstrait
  • Période:
    1970-1979
  • Encadrement:
    Options d'encadrement disponibles
  • État:
  • Adresse de la galerie:
    New York, NY
  • Numéro de référence:
    1stDibs : LU1841214419142
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